tag:blogger.com,1999:blog-37767431791215769022024-03-29T13:32:57.148+01:00Algargos, Arte e HistoriaBlog educativo de Historia del Arte. Fotografías y comentarios de todos los estilos.Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.comBlogger582125tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-38636099214633396172024-02-12T08:18:00.004+01:002024-02-12T08:28:46.330+01:00JHERONIMUS BOSCH, "EL BOSCO". ÉXITO Y LIMITACIONES DE SU OBRA EN LA ESPAÑA DEL SIGLO XVI A NUESTROS DÍAS.<p><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"></span></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkQuG4FqbFXhhQeCqQgaqCgrmH_FeFZcMUsMP_-K_Uteh8BoBKSDhUSmvvBybLhWXih2GyLTN19sbByGHc2WXtfVDBLnaiyQ80F8CuAntfSDk4h8x2jPHbbLzAcUDLKM9gmxDNbEaFL6IMpsmVSKis74p1t9KncQgT6tdj-MBYvex_N8lBJr6VdFNFwLuf/s955/El%20carro%20de%20Heno,%20cerrado.jpg" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="955" data-original-width="739" height="862" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkQuG4FqbFXhhQeCqQgaqCgrmH_FeFZcMUsMP_-K_Uteh8BoBKSDhUSmvvBybLhWXih2GyLTN19sbByGHc2WXtfVDBLnaiyQ80F8CuAntfSDk4h8x2jPHbbLzAcUDLKM9gmxDNbEaFL6IMpsmVSKis74p1t9KncQgT6tdj-MBYvex_N8lBJr6VdFNFwLuf/w667-h862/El%20carro%20de%20Heno,%20cerrado.jpg" width="667" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><span style="color: #990000; font-size: medium;">El Bosco. Tríptico cerrado del carro de heno (h. 1512‑1515) Museo nacional del Prado.<br /></span><br /></b></td></tr></tbody></table><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><br /><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"><br /></span></span><p></p><p><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">En este artículo no voy a hablar de la calidad artística o sobre la </span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">imaginación y simbolismo de la </span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">iconografía de </span><b style="color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">Jheronimus Bosch</b><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">, </span><b style="color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">El Bosco</b><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">, un pintor por todos conocido. En este artículo voy a indagar sobre por qué si trabajó en Flandes y nunca estuvo en España, ha alcanzado </span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">su reconocimiento internacional </span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">gracias a nuestro país</span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">. De hecho, España atesora </span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">la mejor colección de sus pinturas entre el </span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">Museo del Prado de Madrid y otros edificios de Patrimonio Nacional y museos locales</span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">. Es decir, descifraré las claves sobre:</span></span></p><p></p><ul style="text-align: left;"><li><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"><b>¿Por qué tuvo tanto éxito en España desde el siglo XVI? </b>y </span></span></li><li><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"><b>¿Por qué lo tuvo en un país que en ese siglo se convirtió en el adalid de la ortodoxia católica, cuyos preceptos no parecen encajar con el mundo fantástico y provocador del pintor? </b>También hablaré de...</span></span></li><li><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"><b>¿Por qué dejó de tener interés a partir del siglo XVII y por qué volvió el interés por él a partir del siglo XIX?</b></span></span></li></ul><p></p><p><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">El Bosco </span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">fue un pintor respetado durante su vida (1450-1516), aunque su fama no alcanzó los niveles de reconocimiento que lograría después de su muerte. El éxito de</span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"> El Bosco </span><span style="background-color: white; white-space-collapse: preserve;">en la España del siglo XVI </span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">puede atribuirse a varios factores como el apoyo de los monarcas españoles y de la nobleza y funcionarios españoles en Flandes, la creación de una escuela de seguidores que mantuvieron su estilo, y la demanda constante de obras originales que llevó a la proliferación de copias e imitaciones. </span></span></p><p style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; margin: 1.25em 0px; white-space-collapse: preserve;"><span style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box;"><span style="color: #2b00fe; font-family: inherit; font-size: medium;"><b>El Bosco y España antes de Felipe II.</b></span></span></p><p><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span color="var(--tw-prose-bold)" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; white-space-collapse: preserve;"><span style="color: #0d0d0d;">Desde 1516, año del fallecimiento del pintor, Flandes formaba parte de los territorios de la corona de Carlos I de España, pero existe constancia que la obra del pintor era conocida y apreciada en España por la casa real de Castilla. Se sabe por su testamento, que <b>Isabel</b>, la hija de <b>Isabel la Católica</b>, poseía un cuadro del pintor desgraciadamente perdido. Se especula que el origen pudo ser su hermana<b> Juana</b>, casada </span></span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">desde 1496 </span><span color="var(--tw-prose-bold)" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; white-space-collapse: preserve;"><span style="color: #0d0d0d;">con <b>Felipe de Borgoña</b>, "el Hermoso", que pudo haberlo adquirido ese mismo año del mismo pintor y regalado a su hermana antes de su muerte en 1498. </span></span></span></p><p><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span color="var(--tw-prose-bold)" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; white-space-collapse: preserve;"></span></span></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_DnLaoyKRFauhKZ8pXoAJHZzogoUnCjsVG4TBqEwHNX7WInbz4Cd5UG1BkOW45W1uokwBwGuzsjmnk3Lq7n7cBRQjIwMZS8bJnUL45YLPb41hk4xXstBzd5lhkT_ERlrVlAgcXfqDbFCDUA7oH8y5FidrdWtEqPNm6h3bCHQNdSYbjtc3u0sXjL0K20hx/s1006/felipe%20de%20guevara%20y%20menc%C3%ADa%20de%20Mendoza,%20coleccionistas%20de%20El%20Bosco%201531.jpg" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="663" data-original-width="1006" height="432" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_DnLaoyKRFauhKZ8pXoAJHZzogoUnCjsVG4TBqEwHNX7WInbz4Cd5UG1BkOW45W1uokwBwGuzsjmnk3Lq7n7cBRQjIwMZS8bJnUL45YLPb41hk4xXstBzd5lhkT_ERlrVlAgcXfqDbFCDUA7oH8y5FidrdWtEqPNm6h3bCHQNdSYbjtc3u0sXjL0K20hx/w656-h432/felipe%20de%20guevara%20y%20menc%C3%ADa%20de%20Mendoza,%20coleccionistas%20de%20El%20Bosco%201531.jpg" width="656" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b style="background-color: white; color: #990000; font-size: large; text-align: left; white-space-collapse: preserve;">Felipe de Guevara por Jan Cornelisz Vermeyen, 1531. Williamstown, Clark Art Institute. Y Mencía de Mendoza (tercera esposa de Enrique III , conde de Nassau) por Simon Bening, 1531. Berlín, Staatliche Museen.</b></td></tr></tbody></table><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"></span></div><p><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span style="background-color: white; white-space-collapse: preserve;"><span style="color: #0d0d0d;">En los años siguientes, l</span></span><span color="var(--tw-prose-body)" style="background-color: white; white-space-collapse: preserve;">os nobles y funcionarios españoles que visitaban Flandes tuvieron la oportunidad de poseer directamente las pinturas del artista. Conocemos especialmente dos coleccionistas que supieron apreciar el estilo de nuestro pintor. El más notable fue <b><a href="https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/coleccion-de-don-felipe-de-guevara/4eb2bc21-71ad-4571-b3aa-3c783bd198d5" target="_blank">Felipe de Guevara</a> </b>(muerto en 1563), tratadista y coleccionista de arte, del que se sabe trajo a Madrid algún cuadro del pintor procedente de la colección de su padre. En su obra <b><i>Comentarios de la pintura</i></b> (1560) dedicó varias paginas a El Bosco. La otra gran coleccionista fue la humanista doña <b><a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Menc%C3%ADa_de_Mendoza" target="_blank">Mencía de Mendoza</a></b> (1508-1554) que, casada con un noble flamenco, vivó un tiempo en Breda donde compró algunos cuadros del pintor que se trajo a España en 1539. Algunos de estos cuadros desaparecieron, otros se emplearon en su capilla funeraria (</span><span style="white-space-collapse: preserve;">el <b>Tríptico de los improperios </b>del Museo de Valencia)</span><span color="var(--tw-prose-body)" style="background-color: white; white-space-collapse: preserve;"> o desde 1570 pasaron a la colección de pintura del rey <b>Felipe II</b>. </span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"> </span></span></p><p><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"></span></p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-left: 1em; text-align: left;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8DFegQKP7sL3jyE5ZD_Ru0bPz8LtLm3UIksRb4MUbgF_HZctalUlgvlZeTonIxEZpyK0mkdgKkqHkHINssa8CQWC_FBHYTWyxHq2y66aa-2Tfr2FEi6SxQmHObZ4SBUGaXqi1YtdboOlVSb0vxGjAdyot9JZsiicQQc83I4VXuVLqU7mXLcK01azyUYYP/s636/tabla%20central%20del%20triptico%20de%20los%20improperios.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="528" data-original-width="636" height="536" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8DFegQKP7sL3jyE5ZD_Ru0bPz8LtLm3UIksRb4MUbgF_HZctalUlgvlZeTonIxEZpyK0mkdgKkqHkHINssa8CQWC_FBHYTWyxHq2y66aa-2Tfr2FEi6SxQmHObZ4SBUGaXqi1YtdboOlVSb0vxGjAdyot9JZsiicQQc83I4VXuVLqU7mXLcK01azyUYYP/w645-h536/tabla%20central%20del%20triptico%20de%20los%20improperios.jpg" width="645" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b style="color: #990000; font-size: large; text-align: left; white-space-collapse: preserve;">Seguidor del Bosco. Tríptico de los improperios (h. 1520 ‑1530). Museo de Valencia. Panel central.
</b></td></tr></tbody></table><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><b style="color: #2b00fe; font-family: inherit;"><span style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; white-space-collapse: preserve;"></span></b></span><p></p><p><b style="color: #2b00fe; font-family: inherit; font-size: large;"><span style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; white-space-collapse: preserve;"><br /></span></b></p><p><b style="color: #2b00fe; font-family: inherit; font-size: large;"><span style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; white-space-collapse: preserve;"><br /></span></b></p><p><b style="color: #2b00fe; font-family: inherit; font-size: large;"><span style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; white-space-collapse: preserve;"><br /></span></b></p><p><b style="color: #2b00fe; font-family: inherit; font-size: large;"><span style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; white-space-collapse: preserve;"><br /></span></b></p><p><b style="color: #2b00fe; font-family: inherit; font-size: large;"><span style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; white-space-collapse: preserve;"><br /></span></b></p><p><b style="color: #2b00fe; font-family: inherit; font-size: large;"><span style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; white-space-collapse: preserve;">Felipe II, el coleccionista de El Bosco</span><span style="background-color: white; white-space-collapse: preserve;">. </span></b></p><p></p><p><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span color="var(--tw-prose-body)" style="background-color: white; white-space-collapse: preserve;">El monarca Felipe II mostró una predilección obsesiva por las obras de El Bosco. Este apoyo real aumentó la popularidad del artista y sus obras. </span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">Felipe II creó la colección que hoy posee el Museo del Prado. Las obtuvo a través de </span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">subastas o compras directas</span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"> </span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">en Flandes o en España</span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">.</span></span></p><p style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; color: #0d0d0d; margin: 0px 0px 1.25em; white-space-collapse: preserve;"><span style="font-family: inherit; font-size: medium;">Aquí está el listado de las obras de El Bosco que formaron parte de la colección de Felipe II, según el texto proporcionado:</span></p><ul style="text-align: left;"><li><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span color="var(--tw-prose-bold)" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; font-weight: 600; white-space-collapse: preserve;">Tríptico del carro de heno.</span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"> Adquirido por Felipe II, posiblemente antes de 1549 por el propio rey en su visita los Países Bajos. Destinado al dormitorio y posteriormente entregado al Escorial en 1574.</span></span></li><li><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span color="var(--tw-prose-bold)" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; font-weight: 600; white-space-collapse: preserve;">Mesa de los pecados capitales.</span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"> En posesión de Felipe II antes de 1560. Entregada al Escorial en 1574.</span></span></li><li><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span color="var(--tw-prose-bold)" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; font-weight: 600; white-space-collapse: preserve;">Tentaciones de San Antonio.</span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"> Comprada por Felipe II en la almoneda de don Juan de Benavides en 1563. Entregada al Escorial en 1572.</span></span></li><li><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span color="var(--tw-prose-bold)" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; font-weight: 600; white-space-collapse: preserve;">Tabla de Cristo con la cruz a cuestas. </span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">Entregada al Escorial en 1574.</span></span></li><li><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span color="var(--tw-prose-bold)" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; font-weight: 600; white-space-collapse: preserve;">Tríptico de la Adoración de los Magos.</span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"> Situada en la sacristía del Escorial, aunque no se conoce cómo llegó a manos de Felipe II.</span></span></li><li><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span color="var(--tw-prose-bold)" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; font-weight: 600; white-space-collapse: preserve;">Tabla de San Antonio.</span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"> Colocada en el dormitorio de Felipe II.</span></span></li><li><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span color="var(--tw-prose-bold)" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; font-weight: 600; white-space-collapse: preserve;">Tabla de la bajada de Cristo al limbo.</span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"> Destinada al dormitorio del monarca, lamentablemente no conservada.</span></span></li><li><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span color="var(--tw-prose-bold)" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; font-weight: 600; white-space-collapse: preserve;">Prendimiento de Cristo.</span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"> Colocada en el camarín, también perdida.</span></span></li><li><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span color="var(--tw-prose-bold)" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; font-weight: 600; white-space-collapse: preserve;"><span style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; margin-bottom: 1.25em; margin-top: 1.25em;">Tríptico del Jardín de las Delicias.</span> </span><span color="var(--tw-prose-bold)" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; white-space-collapse: preserve;">Adquirido por Felipe II en 1593 en la almoneda del prior Fernando de Toledo. Se ubicó en las dependencias de la casa real del Escorial, específicamente en la galería llamada de la Infanta.</span></span></li></ul><span style="font-family: inherit; font-size: medium;">Es importante destacar que esta lista no es exhaustiva, ya que no se cuenta con la totalidad de los inventarios de los sitios reales durante el reinado de Felipe II. </span><div><span style="font-size: medium;"><br /></span><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsvkgrmzsLhOpHhsVN9pAX9oPDDsgbyrBGPSdwYsaEy0_qwtXFUxkvUQdPDfhc_7bkpcy8rzZkg7Jclm7d_3I4DbS-re0bMo0XyNn-rHt1b28f7V1CwL1y-_aG1GkqY2lNGYcvwFgVtMMo31N8wr3JfcCFzSa9no5-OWvUfqLTkIFhMTj-VtCAOjmuC2S9/s5120/Collages.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="2880" data-original-width="5120" height="367" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsvkgrmzsLhOpHhsVN9pAX9oPDDsgbyrBGPSdwYsaEy0_qwtXFUxkvUQdPDfhc_7bkpcy8rzZkg7Jclm7d_3I4DbS-re0bMo0XyNn-rHt1b28f7V1CwL1y-_aG1GkqY2lNGYcvwFgVtMMo31N8wr3JfcCFzSa9no5-OWvUfqLTkIFhMTj-VtCAOjmuC2S9/w652-h367/Collages.jpg" width="652" /></a></div><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><br /></span><div><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"><span style="font-family: inherit; font-size: medium;">Otros nobles que se sabe poseyeron obras del pintor fueron el <b>duque de Alba </b>y <b>don Juan de Austria</b>, que los adquirieron como gobernadores de los Países Bajos.<b> </b></span></span></div><div><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><br /></span></span></div><div><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">Tanto para el rey, como para todos estos nobles coleccionistas había razones morales y artísticas que hicieron que l</span><span style="color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">as pinturas de El Bosco</span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"> fueran tan atractivas. Sus imágenes re</span><span style="color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">presentaban una visión vívida y a menudo perturbadora del pecado humano y su consecuencia, pero también ofrecían la esperanza de redención. Aunque las escenas de tormento y sufrimiento podían resultar impactantes, también transmitían un mensaje de advertencia sobre las consecuencias del mal. Esta representación del pecado y la redención era congruente con los principios fundamentales de la doctrina católica, que enfatizaba la importancia del arrepentimiento y la salvación. Así, las obras de El Bosco permitían a los espectadores reflexionar sobre su propia moralidad y conducta, ofreciendo una oportunidad para la introspección espiritual.</span></span></div><div><br /></div><div><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6F-ZV5WJgWMtkcVICawH6w5m9op0yk-5EOgrVyyGVXNSzILnOaFtZxNkcqNbOLLSGOfY_CMl934Th071_WOUyAlQauj_3aQevZRZz9zNwpyTqHLJblXI7T3mg9lVg-KjTSJJNVqXxJ5WRHujJ2V20cH5rgUuRm1UFjfdAfG9GT6FlpM-rfQoJetWfUnzL/s735/Mesa%20de%20los%20Pecados%20Capitales%20(1)%20ira%20y%20soberbia.jpg" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="446" data-original-width="735" height="401" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6F-ZV5WJgWMtkcVICawH6w5m9op0yk-5EOgrVyyGVXNSzILnOaFtZxNkcqNbOLLSGOfY_CMl934Th071_WOUyAlQauj_3aQevZRZz9zNwpyTqHLJblXI7T3mg9lVg-KjTSJJNVqXxJ5WRHujJ2V20cH5rgUuRm1UFjfdAfG9GT6FlpM-rfQoJetWfUnzL/w661-h401/Mesa%20de%20los%20Pecados%20Capitales%20(1)%20ira%20y%20soberbia.jpg" width="661" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><span style="color: #990000; font-size: medium;">El Bosco. Mesa de los pecados capitales. (h. 1505‑1510). Museo nacional del Prado. <br />Ira y Soberbia.</span></b><br /><br /></td></tr></tbody></table><br /><span style="color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"><br /></span></span></div><div><span style="color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><br /></span></span></div><div><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"><span style="font-family: inherit; font-size: medium;">Además de su contenido temático, las obras de El Bosco eran admiradas por su excepcional habilidad técnica y su innovación artística. Utilizando técnicas avanzadas de pintura y una atención meticulosa al detalle, El Bosco creaba imágenes impactantes y memorables que cautivaban al espectador. Sus composiciones intrincadas y su uso imaginativo del color y la luz revelaban su genio creativo y su habilidad para transmitir emociones complejas. Esta maestría técnica no solo impresionaba a la audiencia, sino que también inspiraba a otros artistas y contribuía al reconocimiento duradero de El Bosco como uno de los grandes maestros del Renacimiento.</span></span></div><div><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><br /></span></span></div><div><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYr2AEl_iw2OJXd1UMvyq0kFdqWUfLDjOiHsZ56Xe-5nAXZUrFgIm1Qw3-3F23-Z_nKTz523lk6w6rycBXMlRDWeu6DtJZviDuJaVFFWeV32YfRIvqkXu7XMPUJJqnsYPeUulFwS6ioID2Mh824IGvbaQJJyAKD-dtQgQwvNe2_OhluGfNlXFPIQfTIKUL/s2741/Fl4cPglWYAAzZE%20o.jpg" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1512" data-original-width="2741" height="370" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYr2AEl_iw2OJXd1UMvyq0kFdqWUfLDjOiHsZ56Xe-5nAXZUrFgIm1Qw3-3F23-Z_nKTz523lk6w6rycBXMlRDWeu6DtJZviDuJaVFFWeV32YfRIvqkXu7XMPUJJqnsYPeUulFwS6ioID2Mh824IGvbaQJJyAKD-dtQgQwvNe2_OhluGfNlXFPIQfTIKUL/w668-h370/Fl4cPglWYAAzZE%20o.jpg" width="668" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><span style="color: #990000; font-size: medium;">El Bosco. Tríptico del jardín de las delicias (h. 1490‑1500). El tercer día de la creación. Detalle. Museo nacional del Prado. </span></b></td></tr></tbody></table></span></div><div><p><span style="color: #2b00fe; font-family: inherit; font-size: medium;"><b><span style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; white-space-collapse: preserve;">Escuela de seguidores, i</span><span style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; white-space-collapse: preserve;">mitaciones y falsificaciones.</span></b></span></p><p><span color="var(--tw-prose-body)" style="background-color: white; white-space-collapse: preserve;"><span style="font-family: inherit; font-size: medium;">Dado el interés de los coleccionistas por las obras originales de El Bosco, se creó una escuela de seguidores que mantuvieron su estilo. Esto permitió que la influencia del artista perdurara incluso después de su muerte.</span></span></p><p style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; color: #0d0d0d; margin: 0px 0px 1.25em; white-space-collapse: preserve;"><span style="font-family: inherit; font-size: medium;">Algunos seguidores destacados de El Bosco incluyen a:</span></p><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span color="var(--tw-prose-bold)" style="background-color: white; white-space-collapse: preserve;"><span color="var(--tw-prose-bold)" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; font-weight: 600;">1.-Joachim Patinir</span><span color="var(--tw-prose-bold)" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box;">, que</span><span color="var(--tw-prose-bold)" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; font-weight: 600;"> </span>desarrolló un estilo único en la representación de paisajes y escenas religiosas. Su uso de la perspectiva y la atención al detalle reflejan la influencia del trabajo de El Bosco. </span><span color="var(--tw-prose-bold)" style="background-color: white; white-space-collapse: preserve;">Sus obras más conocidas datan de entre 1515-1524. </span><br /><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"><span color="var(--tw-prose-bold)" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; font-weight: 600;">2.-Marinus van Reymerswaele</span> fue influenciado por El Bosco en su estilo y temática moralizante. Su obra refleja una atención a los detalles y un interés en representar escenas cotidianas con un toque moral. L</span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">a mayoría de su trabajo se sitúa en la primera mitad del siglo XVI, alrededor de 1525-1545.</span></span><div><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span color="var(--tw-prose-bold)" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; font-weight: 600; white-space-collapse: preserve;">3.-</span><span color="var(--tw-prose-bold)" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; font-weight: 600; white-space-collapse: preserve;">Pieter Brueghel el Viejo </span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">no fue directamente un discípulo de El Bosco, pero se inspiró en su trabajo y desarrolló un estilo similar en la representación de paisajes fantásticos y escenas llenas de imaginación y simbolismo. </span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">Sus obras más conocidas datan de alrededor de 1550-1569. </span></span></div><div><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span style="color: #0d0d0d;"><span style="white-space-collapse: preserve;"><br /></span></span></span></div><div><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span style="color: #0d0d0d;"><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5OMTzr-oTmZ1gAiY9_NOb9U7Pk4riajpHMzUJISCVRBj68girDnJARTJvZgAoeRwMec4oep206u-LRcb_QVZO1Yd0KDTWzt18ICVIuV9jqJM_z1zlrZnthUhbiSfcERIXFjbORdP25D-KwutrcuVjiq6HXgJbfgCUg2weQJberPfAffQoJxqujjhehV63/s1280/The_Triumph_of_Death_by_Pieter_Bruegel_the_Elder%20(1).jpg" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="913" data-original-width="1280" height="473" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5OMTzr-oTmZ1gAiY9_NOb9U7Pk4riajpHMzUJISCVRBj68girDnJARTJvZgAoeRwMec4oep206u-LRcb_QVZO1Yd0KDTWzt18ICVIuV9jqJM_z1zlrZnthUhbiSfcERIXFjbORdP25D-KwutrcuVjiq6HXgJbfgCUg2weQJberPfAffQoJxqujjhehV63/w664-h473/The_Triumph_of_Death_by_Pieter_Bruegel_the_Elder%20(1).jpg" width="664" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="color: #990000; font-size: medium;"><b>Pieter Brueghel el Viejo, El Triunfo de la muerte, 1562. Museo Nacional del Prado.<br /><br /></b></span></td></tr></tbody></table><br /><span style="white-space-collapse: preserve;"><br /></span></span></span><p><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span color="var(--tw-prose-body)" style="background-color: white; white-space-collapse: preserve;"><br /></span></span></p><p><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span color="var(--tw-prose-body)" style="background-color: white; white-space-collapse: preserve;"><br /></span></span></p><p><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span color="var(--tw-prose-body)" style="background-color: white; white-space-collapse: preserve;">La alta demanda de obras de El Bosco llevó a la producción de imitaciones y falsificaciones, algunas de las cuales fueron vendidas bajo el nombre del artista de manera fraudulenta. Esto contribuyó a una mayor difusión de su estilo y su nombre, aunque no siempre de manera auténtica.</span><span color="var(--tw-prose-body)" style="background-color: white; white-space-collapse: preserve;"> Con el tiempo, se volvió cada vez más difícil distinguir las obras originales de El Bosco de las imitaciones y copias. Este desafío se reflejó en obras como los <i><b>"Comentarios de la pintura" </b></i>de <b>Felipe de Guevara</b>, donde se discute la dificultad de diferenciar entre obras auténticas y falsificaciones.</span></span></p><p><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"></span></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiW84qGhrQFAoEUpZPOa06aiMyNBHUPB597-r3JyLtxjPM0IAjVAyreP_jdmDy9aVJaJtUnITeNK_lACmIR0l7lcDjfwXHYTDv_FTEFaX5lwNoP-4SQhrpPaGfLKAbtqF5FutrkkqP0NvqzGLSkKJgeORbIG5BndHtEKNPoHB7mtEb_NKOpyyxBO9fJPmbU/s900/met-de-bles,%20tentaciones-de-san-antonio%20Hacia%201540-1550.jpg" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="657" data-original-width="900" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiW84qGhrQFAoEUpZPOa06aiMyNBHUPB597-r3JyLtxjPM0IAjVAyreP_jdmDy9aVJaJtUnITeNK_lACmIR0l7lcDjfwXHYTDv_FTEFaX5lwNoP-4SQhrpPaGfLKAbtqF5FutrkkqP0NvqzGLSkKJgeORbIG5BndHtEKNPoHB7mtEb_NKOpyyxBO9fJPmbU/w656-h480/met-de-bles,%20tentaciones-de-san-antonio%20Hacia%201540-1550.jpg" width="656" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="color: #990000; font-size: medium;"><b>Herri met de Bles. Paisaje nocturno con la tentación de san Antonio Abad, hacia 1540-1550. Óleo sobre tabla. 45 x 57 cm. Colección particular belga.<br /><br /></b></span></td></tr></tbody></table><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><br /><span color="var(--tw-prose-body)" style="background-color: white; white-space-collapse: preserve;"><br /></span></span><p></p><p><span style="background-color: white; white-space-collapse: preserve;"><span style="color: #2b00fe; font-family: inherit; font-size: medium;"><b>Cuestionamiento de la ortodoxia de El Bosco en el siglo XVI.</b></span></span></p><p><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">Durante las primeras décadas del siglo XVI,</span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"> El Bosco y</span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"> el erasmismo, un movimiento que buscaba una reforma dentro del catolicismo, compartieron </span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">preocupaciones por la moralidad y la reflexión sobre la condición humana y </span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">plantearon críticas a ciertas prácticas y representaciones en la Iglesia.</span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"> Erasmo cuestionó la corrupción y los abusos dentro de la Iglesia, mientras que El Bosco representó a menudo escenas moralizantes que destacan los vicios humanos y las tentaciones del pecado.</span></span></p><p><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">A medida que avanzaba el siglo XVI y con la conclusión del Concilio de Trento en 1563, las pinturas de El Bosco fueron cada vez más calificadas como heréticas. Las normas establecidas por el Concilio dictaban que las representaciones artísticas debían ajustarse a estándares específicos, y las obras de El Bosco, con su representación alegórica y a menudo grotesca del pecado y la moralidad, fueron vistas como contrarias a estas normas. L</span><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;">a iconografía de El Bosco, con escenas como el Carro de Heno, el Paraíso y el Infierno o el Jardín de las Delicias, podría causar escándalo en España y llevar a persecución por parte de la Inquisición. Esto se debía a que algunas de las representaciones podían ser interpretadas como lascivas o contrarias a la doctrina católica.</span></span></p><p><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"></span></p><table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihj2uv5SCI1tBHSFxq78_28jzllEjc-q4MGESk0vhCj1bwAzFiWiBbJaA7pDV8hutQavfC7ETBAV5OOwTj1x4B9J_ppIqhDZD-1arLbOXn2DAqdGEURZQz2kQCh-PKYzMJl8GBWoKH3tUR4PLsTjWhqsFXsPf71pA3b6tsTujPWM4ydWMdhTSyETljJqwt/s1033/felipe%20II%20y%20el%20jardin%20de%20las%20delicias.jpg" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="544" data-original-width="1033" height="348" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihj2uv5SCI1tBHSFxq78_28jzllEjc-q4MGESk0vhCj1bwAzFiWiBbJaA7pDV8hutQavfC7ETBAV5OOwTj1x4B9J_ppIqhDZD-1arLbOXn2DAqdGEURZQz2kQCh-PKYzMJl8GBWoKH3tUR4PLsTjWhqsFXsPf71pA3b6tsTujPWM4ydWMdhTSyETljJqwt/w659-h348/felipe%20II%20y%20el%20jardin%20de%20las%20delicias.jpg" width="659" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><span style="color: #990000; font-size: medium;">La admiración de Felipe II por El Bosco salvó los cuadros de la Inquisición.<br /></span></b><br /></td></tr></tbody></table><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><br /><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"><br /></span></span><p></p><p><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"><span style="font-family: inherit; font-size: medium;">A pesar de las críticas, hubo defensores de la ortodoxia de las obras de El Bosco. El <b>padre Sigüenza</b>, por ejemplo, defendió la ortodoxia de los Boscos que se guardaban en El Escorial, argumentando que no serían aceptadas por Felipe II si fueran heréticas. En lugar de ser interpretadas como herejías, las pinturas fueron consideradas como una "sátira pintada de los pecados y desvaríos de los hombres".</span></span></p><p><span style="background-color: white; color: #0d0d0d; white-space-collapse: preserve;"><span style="font-family: inherit; font-size: medium;"><br /></span></span></p><p style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; color: #0d0d0d; margin: 1.25em 0px; white-space-collapse: preserve;"><b><span style="color: #2b00fe; font-family: inherit; font-size: medium;">Valoración de la obra de El Bosco a partir del siglo XVII. </span></b></p><p style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; color: #0d0d0d; margin: 1.25em 0px; white-space-collapse: preserve;"><span style="font-family: inherit; font-size: medium;">Después del siglo XVII, la obra de El Bosco experimentó un cambio en su valoración, pasando de ser admirada por su moralidad y originalidad a ser vista como ejemplos de lo monstruoso y disparatado, con críticas crecientes a su contenido moral y estético. </span></p><p style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; color: #0d0d0d; margin: 1.25em 0px; white-space-collapse: preserve;"><span style="font-family: inherit; font-size: medium;">Durante el siglo XVII, las pinturas del Bosco, que anteriormente ocupaban lugares destacados en las colecciones reales, fueron relegadas a espacios secundarios o menos prominentes debido al cambio en el gusto artístico. Los artistas del Barroco italiano y flamenco del siglo XVII como <b>Anibal Carraci</b>, <b>Guido Reni</b>, <b>Rubens</b> y <b>van Dyck</b> ganaron preferencia sobre las obras del Bosco y otros primitivos flamencos.</span></p><p style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; margin: 1.25em 0px; white-space-collapse: preserve;"><span style="font-size: medium;"><span style="color: #0d0d0d; font-family: inherit;">Las obras del Bosco comenzaron a ser vistas como ejemplos de lo monstruoso y disparatado. El término "disparate", que se había acuñado en el siglo XVI, continuó utilizándose para describir las imágenes del Bosco, pero perdió su sentido moral original y la fantasía se convirtió en un elemento esencial de su contenido. Ya no se concebían principalmente para causar temor y provocar el arrepentimiento de los pecados cometidos. El sentido moral de las obras se diluyó, y las figuras del Bosco se asociaron más con lo cómico y lo extravagante que con la moralidad. Algunas críticas a la obra del Bosco se centraron en su posible lascivia y su alejamiento de la ortodoxia. </span><b style="color: #0d0d0d; font-family: inherit;">Francisco Pacheco</b><span style="font-family: inherit;"><span style="color: #0d0d0d;">, en </span><span style="color: #990000;"><b><i>"El arte de la pintura"</i></b> </span><span style="color: #0d0d0d;">(1649), criticó las "fantasías licenciosas" del Bosco y abogó por una pintura más centrada en las figuras. Esta crítica moral y estética contrastó con la valoración más positiva que había prevalecido anteriormente.</span></span></span></p><p style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgba(69,89,164,.5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 transparent; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 transparent; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 transparent; --tw-shadow: 0 0 transparent; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; border: 0px solid rgb(227, 227, 227); box-sizing: border-box; margin: 1.25em 0px 0px;"><span style="color: #0d0d0d; font-family: inherit; font-size: medium;"><span style="white-space-collapse: preserve;">A partir del siglo XIX, con el surgimiento del <b>Romanticismo</b>, la obra de El Bosco adquirió una nueva dimensión. Sus pinturas llenas de simbolismo fueron vistas como precursoras del arte romántico y se valoraron por su capacidad para evocar emociones y provocar la imaginación del espectador. En España tuvo especial impacto en la obra más heterodoxa y expresionista de <b>Francisco de Goya</b>.
Pero será a partir del siglo XX cuando el interés por la obra de El Bosco alcanzará su punto máximo. Sus pinturas fueron objeto de intensos estudios académicos y análisis críticos, y se reconocieron como ejemplos destacados del arte del Renacimiento flamenco. Además, su influencia se hizo evidente en movimientos artísticos como el <b>surrealismo</b>, donde su enfoque en lo onírico y lo irracional fue particularmente relevante.</span></span></p></div></div></div></div>Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-5375753222803466232023-06-09T10:12:00.001+02:002023-06-09T10:12:38.373+02:00EL EXAMEN DE HISTORIA DEL ARTE DE LA COMUNIDAD DE MADRID. EvAU JUNIO DE 2023.<p><span style="font-size: medium;">El examen de Historia del Arte de junio de 2023 en la Comunidad de Madrid ha sido -quizás- el penúltimo que conozcamos con este formato LOMCE y pospandemia. Todavía no sabemos cómo será el de LOMLOE. Y si me preguntaran qué modelo preferiría, yo no cambiaría casi nada de éste. La flexibilidad de elegir cuatro preguntas del mismo valor entre ocho posibles me parece que es justa, teniendo en cuanta que esta asignatura es una optativa y que tiene una materia inabarcable (desde la antigua Grecia a nuestros días). Así que animo a los responsables que al menos respeten este formato abierto. </span></p><p><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="400" msallowfullscreen="" src="https://app.box.com/embed/s/6w3mq9glqm43kp4a34lg1wtm6tm890z9?sortColumn=date" webkitallowfullscreen="" width="650"></iframe>
</p><p><span style="font-size: medium;">También me gusta el tipo de pregunta que combina teórica con práctica. Si acaso cambiaría el valor de las puntuaciones, otorgando más valor al desarrollo del ensayo y del comentario de una obra (3 puntos cada una) y reduciría el de términos y artistas (2 puntos cada uno). Más vale un comentario de una obra bien contextualizado que definir unos conceptos como "bóveda de cañón", "salmer", "tenebrismo" o "escorzo" (en la opción A, por ejemplo) y que valga 0,5 pts por cada uno. Creo que esos apartados merecen ser redimensionados .</span></p><p><span style="font-size: medium;"><br /></span></p><p><span style="font-size: medium;">En cuanto al examen en sí de este año, creo que es de contenido asequible.</span></p><p><b><span style="color: #2b00fe; font-size: medium;"><br /></span></b></p><h2 style="text-align: left;"><b><span style="color: #2b00fe; font-size: medium;">Los temas. Proporcionados y de importancia.</span></b></h2><blockquote style="border: none; margin: 0px 0px 0px 40px; padding: 0px; text-align: left;"><p><b><span style="font-size: medium;"><u>Opción A. </u></span></b></p><p><b><span style="font-size: medium;">EL GRECO, atendiendo a los siguientes epígrafes: </span></b></p><p><b><span style="font-size: medium;">a) Características generales de su pintura. </span></b></p><p><span style="font-size: medium;"><b>b) Obras más representativas.</b> </span></p></blockquote><p><span style="font-size: medium;">En esta ocasión yo hubiera matizado y en el apartado "a)", más que características generales, hubiera puesto etapas y características puesto que es un <a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/el-greco-biografia-etapas.html" target="_blank">pintor con una evolución muy marcada y una vida artística y personal muy diversa</a>.</span></p><blockquote style="border: none; margin: 0px 0px 0px 40px; padding: 0px;"><p style="text-align: left;"><b><span style="font-size: medium;"><u>Opción B. </u></span></b></p></blockquote><blockquote style="border: none; margin: 0px 0px 0px 40px; padding: 0px;"><p style="text-align: left;"> <b>ARQUITECTURA GÓTICA ESPAÑOLA</b><b><span style="font-size: medium;">, atendiendo a los siguientes epígrafes: </span></b></p><p><b><span style="font-size: medium;">a) <a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/09/la-arquitectura-gotica-caracteristicas.html" target="_blank">Características generales. </a></span></b></p><p><span style="font-size: medium;"><b>b) Obras más representativas.</b> </span></p></blockquote><p style="text-align: left;"><span style="font-size: medium;">Haría la misma matización que al anterior tema. <a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/la-arquitectura-gotica-espanola-hasta.html" target="_blank">Distinguiría entre etapas e incluso reinos peninsulares. </a></span></p><p><br /></p><h2 style="text-align: left;"><b><span style="color: #2b00fe; font-size: medium;">Las imágenes. Claras y de periodos muy distintos.</span></b></h2><blockquote style="border: none; margin: 0px 0px 0px 40px; padding: 0px;"><div style="text-align: left;"><b><span style="font-size: medium;"><u>Opción A. </u></span></b></div></blockquote><blockquote style="border: none; margin: 0px 0px 0px 40px; padding: 0px;"><p style="text-align: left;"><span style="font-size: medium;"><b>El Kuros de Anavyssos</b> como una obra muy representativa de la estatuaria griega de final de la época arcaica. La estatua da para un comentario muy extenso que podéis aplicarlo en el siguiente enlace: <b><a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/la-estatuaria-griega-de-epoca-arcaica.html" target="_blank">la estatuaria arcaica griega. El ser humano, el Kuoros y la Koré.</a></b> </span></p></blockquote><p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKbzrkeNCSOSnQI4en_Htzargls8zvgBbu8gsrAWknBsEYJ4muyIouc_RlhpeJO9r-I0DvCPNKG4XI5hAO-_vn5UhdY7rbaTg2B8g-wjpS0rGCfg9JpOd_YdvzgahIJrPJhYyRuakXSxSE7yEJ9mR3-8TOF3H3ZbuF1nBs0LhhVZEdaeBf0FiGIyZF7w/s1280/Kur%C3%B3s%202023%20junio.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1280" data-original-width="625" height="1327" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKbzrkeNCSOSnQI4en_Htzargls8zvgBbu8gsrAWknBsEYJ4muyIouc_RlhpeJO9r-I0DvCPNKG4XI5hAO-_vn5UhdY7rbaTg2B8g-wjpS0rGCfg9JpOd_YdvzgahIJrPJhYyRuakXSxSE7yEJ9mR3-8TOF3H3ZbuF1nBs0LhhVZEdaeBf0FiGIyZF7w/w648-h1327/Kur%C3%B3s%202023%20junio.jpg" width="648" /></a></p><div><br />
<blockquote style="border: none; margin: 0px 0px 0px 40px; padding: 0px;"><b><span style="font-size: medium;"><u>Opción B. </u></span></b></blockquote><blockquote style="border: none; margin: 0px 0px 0px 40px; padding: 0px;"><p style="text-align: left;"><span style="font-size: medium;"><b>Rembrandt, la Ronda de noche.</b> Cuadro para hablar tanto de su autor, como del <a href="https://algargos.jimdofree.com/arte-e-historia/11-barroco/" target="_blank">Barroco</a> holandés, como del tenebrismo o del género del retrato colectivo.</span></p></blockquote><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixbBetCjmNYUd7rDI0Eopl-a3I7S6SqzBPtlviJED_4YWVU8jpgaGzn2w4SH-BdAOVTLN9lK2oipfbvJCxawFByw05xeXJmqu47vaPeDfTFKdUpM4JQEPVLvedkTrFfTygGjtgK9HJv7g_7qTtg9sOJ-uVw3MbEjn5O0MZXC9_Vzxmj5HRREHDEOhR_w/s16000/Ronda%20de%20noche%20Rembrandt%202023%20junio.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><b><span style="color: black;"><img border="0" data-original-height="745" data-original-width="916" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixbBetCjmNYUd7rDI0Eopl-a3I7S6SqzBPtlviJED_4YWVU8jpgaGzn2w4SH-BdAOVTLN9lK2oipfbvJCxawFByw05xeXJmqu47vaPeDfTFKdUpM4JQEPVLvedkTrFfTygGjtgK9HJv7g_7qTtg9sOJ-uVw3MbEjn5O0MZXC9_Vzxmj5HRREHDEOhR_w/s650/Ronda%20de%20noche%20Rembrandt%202023%20junio.jpg" /></span></b></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><b><span style="color: #2b00fe;"><br /></span></b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><b><span style="color: #2b00fe; font-size: medium;">Términos. Desproporcionados.</span></b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><b><span style="color: #2b00fe; font-size: medium;"><br /></span></b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><span style="font-size: medium;">Ya he señalado la desproporción que existe entre el valor de esta pregunta y el apartado anterior. Los conceptos han sido los siguientes.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><span style="font-size: medium;"><br /></span></div></div></div></div><blockquote style="border: none; margin: 0 0 0 40px; padding: 0px;"><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><span style="font-size: medium;"><b><u>Opción. A.3</u></b> (3 puntos; 0,50 por cada respuesta correcta). Defina y/o caracterice brevemente 6 de los 8 términos siguientes (se recomienda no más de cinco líneas para cada uno): <b>bóveda de cañón, salmer, tenebrismo, escorzo, Expresionismo, Arte Gótico, Romanticismo, Fauvismo.</b></span></div></div></div></div></blockquote><blockquote style="border: none; margin: 0 0 0 40px; padding: 0px;"><p style="text-align: left;"><span style="font-size: medium;"><b><u>Opción. B.3 </u></b>(3 puntos; 0,50 por cada respuesta correcta). Defina y/o caracterice brevemente 6 de los 8 términos
siguientes (se recomienda no más de cinco líneas para cada uno): <b>talla, ábside, cómic, tesela,
Impresionismo, Cubismo, Arte Bizantino, Trecento.</b></span></p></blockquote><p><span style="font-size: medium;"><br /></span></p><p><b><span style="color: #2b00fe; font-size: medium;">Artistas. Diversa importancia.</span></b></p><p><span style="font-size: medium;">Algunos son artistas conocidos por sólo una obra (<b>Gericault</b>) y otros de los que se podría hablar muchísimo (<b>Rafael</b>). Esto merecería más matizaciones.</span></p><blockquote style="border: none; margin: 0px 0px 0px 40px; padding: 0px; text-align: left;"><p><span style="font-size: medium;"><b><u>Opción. A.4 </u></b>(3 puntos; 1 punto por cada respuesta correcta). De los 5 artistas que se proponen, elija 3,explicando su época, características y obras más significativas (se recomienda no más de diez líneas para cada uno): <b>Veronés, Alonso Berruguete, Eiffel, Van Gogh, Kandinsky.</b></span></p><p><span style="font-size: medium;"><b><u>Opción. B.4 </u></b>(3 puntos; 1 punto por cada respuesta correcta). De los 5 artistas que se proponen, elija 3,explicando su época, características y obras más significativas (se recomienda no más de diez líneas para cada uno): <b>Pedro Machuca, Walter Gropius, Rafael, Dalí, Géricault.</b></span></p></blockquote>Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-86247399780136940292022-06-23T12:01:00.005+02:002022-06-23T14:35:44.260+02:00EL EDIFICIO ÁGORA DE CALATRAVA CONVERTIDO EN SALA DE EXPOSICIONES DE CAIXAFORUM VALENCIA<p>El <a href="https://caixaforum.org/es/valencia/el-edificio" target="_blank">noveno CaixaForum</a> de España se inaugura este verano de 2022. En espera de una visita personal, quisiera presentaros la nueva instalación que por fin proporciona una función estable al edificio más espectacular y polémico del conjunto planeado por el arquitecto <a href="https://algargosarte.blogspot.com/2014/10/la-ciudad-de-las-artes-y-las-ciencias.html" target="_blank">Santiago Calatrava para la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia</a>. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjL09Lxgy22Mr1gIk6IUUjpv4qnR7K5VV9SHMhOaHS9XgzVfUr8xhST3AthI0gbiOvD7g1BanxDw3q-vFrLmnt8RQH19FDn2usGfodo6dloAPkX4vqJUeDgznyylK-GzbRMX6kflYgPK1yU9a3nsP87zbMsNOcz8WlOcRJdzQQ6KTpTyMi5wu4_ckyGYw/s800/CFXVal_cartell_desktop.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="635" height="823" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjL09Lxgy22Mr1gIk6IUUjpv4qnR7K5VV9SHMhOaHS9XgzVfUr8xhST3AthI0gbiOvD7g1BanxDw3q-vFrLmnt8RQH19FDn2usGfodo6dloAPkX4vqJUeDgznyylK-GzbRMX6kflYgPK1yU9a3nsP87zbMsNOcz8WlOcRJdzQQ6KTpTyMi5wu4_ckyGYw/w653-h823/CFXVal_cartell_desktop.jpg" width="653" /></a></div><div><br /></div><div>El Ágora de Calatrava fue el último de los edificios diseñados por Santiago Calatrava en la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia. Su inauguración en 2009 fue muy polémica por muchos motivos:</div><div><br /></div><div><div><ul style="text-align: left;"><li><b>No se había previsto una función concreta</b> para el mismo. Fue empleado como edificio multiusos para acoger un par de campeonatos de tenis y algunos otros eventos temporales hasta cerrar en 2015.</li></ul></div><div><br /></div><div><b><span style="color: #990000;">El primer evento que acogió el edificio ágora fue el torneo de tenis <i>in door</i> </span></b><b><span style="color: #990000;">Open 500 </span></b><b><span style="color: #990000;">de la ATP, entre octubre y noviembre de 2009. Se confirmó como un magnífico espacio para un evento coyuntural y escaparate propagandístico de la ciudad. Durante unos pocos años fue utilizado para acoger l</span></b><span style="color: #990000;"><b>a Valencia Fashion Week, ser sala de discoteca con motivo de la carrera de la Fórmula 1, Feria del Campus Party de tecnología, mercadillo navideño... </b></span><b><span style="color: #990000;"> Ninguna finalidad concreta. La precipitación en su apertura fue la causa de su cierre en 2015.</span></b></div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfFm19x2QNSE7U-KHSe0G3hQr32vKkkTl4remACxkgxI52nLZTybQ1m4c_pJaBE6svgTjcp0OdFDnDpUH_49Cy7R1a6o1HTWwli2uFNMv6RcnXl83L_3rRb2cXxmnAleRmRY1AyEiTUhq4iNeD3uHdRfzBmZxbThR-haMtEl03n_rFd7uJ_Sqg_ZZ2ng/s1920/valencia_tournimage.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1015" data-original-width="1920" height="338" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfFm19x2QNSE7U-KHSe0G3hQr32vKkkTl4remACxkgxI52nLZTybQ1m4c_pJaBE6svgTjcp0OdFDnDpUH_49Cy7R1a6o1HTWwli2uFNMv6RcnXl83L_3rRb2cXxmnAleRmRY1AyEiTUhq4iNeD3uHdRfzBmZxbThR-haMtEl03n_rFd7uJ_Sqg_ZZ2ng/w640-h338/valencia_tournimage.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizMtOsX1UIGvfngqd6TpWaHenbIyc6bX68n81JRnsv9lp5zlTRGvAKPDBEDOzwLJajE4qdSefSJtoyPxOGg16Ano1ef5eWtF2K_j3NBao71yTIH3JnNVuqltGeSLrFWemSQagQsAP6J7b8DWOrPtP5xRe5fKmST6YaTZlZaa6iD1959A1J1dsTBSc3bA/s1817/VFW_modaFAV.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1210" data-original-width="1817" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizMtOsX1UIGvfngqd6TpWaHenbIyc6bX68n81JRnsv9lp5zlTRGvAKPDBEDOzwLJajE4qdSefSJtoyPxOGg16Ano1ef5eWtF2K_j3NBao71yTIH3JnNVuqltGeSLrFWemSQagQsAP6J7b8DWOrPtP5xRe5fKmST6YaTZlZaa6iD1959A1J1dsTBSc3bA/w640-h426/VFW_modaFAV.jpg" width="640" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: left;"><ul style="text-align: left;"><li>- --- <b>- - . l El edificio fue inaugurado sin haber sido concluido</b>. La cubierta, que se levanta hasta casi los 70 metros de altura, originariamente debía ser móvil y forrada con 163 lamas de acero. De ellas, 82 estarían fijas y las 81 restantes serían las que se moverían para cerrar imbricándose. En su inauguración todavía no había sido ejecutada esta parte fundamental de las obras y aceleradamente se cerró con paneles de vidrio. </li></ul></div><div><br /></div></div><blockquote style="border: none; margin: 0 0 0 40px; padding: 0px;"><div><div style="text-align: left;">Faltaba la parte más elevada del edificio, las grandes lamas de hierro que conducirán el aire hacia el interior de la plaza y elevarían su altura más allá de los 80 metros.Con el paso del tiempo se desechó este proyecto y se optó por cerrar de forma fija su techumbre para evitar las goteras con gruesos cristales. Las lamas y otros de los elementos del revestimiento original quedaron abandonadas al óxido y al pillaje.</div></div></blockquote><div><div><br /></div><div><b><span style="color: #990000;">Proyecto original de cubierta del edificio ágora. </span></b><span style="color: #990000;"><b>El edificio Ágora se concibió como espacio diáfano y multifuncional, de planta elíptica apuntada. Con unas dimensiones de 100 x 65 m y una altura de 68 m, con las lamas centrales desplegadas alcanzaría una cota de 85 m.</b></span></div><div><b><span style="color: #990000;"><br /></span></b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJyn9wY13Zue8m1rOmOmacFbjX8UxED464Po_3puDU584toFzwY8NQuZVYC3HN1O5cqxkq3EQ2uwk6IXCKAJGtqCs7UfFBzuxb4zRtJaFmrZsCbmFV2ce4s-31ELmBxm31_QBIXfBelr1-VO8ZWF3cyx3wZdSPyHpTHesjpSIGkQ_gQx2uLoaU6NUU6w/s801/proyecto%20original%20del%20edificio%20%C3%A1gora.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="626" data-original-width="801" height="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJyn9wY13Zue8m1rOmOmacFbjX8UxED464Po_3puDU584toFzwY8NQuZVYC3HN1O5cqxkq3EQ2uwk6IXCKAJGtqCs7UfFBzuxb4zRtJaFmrZsCbmFV2ce4s-31ELmBxm31_QBIXfBelr1-VO8ZWF3cyx3wZdSPyHpTHesjpSIGkQ_gQx2uLoaU6NUU6w/w640-h500/proyecto%20original%20del%20edificio%20%C3%A1gora.jpg" width="640" /></a></div><br /><div><br /></div><div><b><span style="color: #990000;">Las 163 lamas estuvieron aparcadas en un solar cercano que gestiona la UTE. la constructora del Ágora. Las 1.388 toneladas de acero durante años estuvieron expuestas a la oxidación, rotura y saqueo de los chatarreros.</span></b></div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcKJQNoXpAWFidryRjro_u_qC1BauLaiiuGBMVO46WF8qaVNTEkLRqRSUlXGDtkpMSzpumnV4I7nIHUMA6FyNvonvNh0tEYzCBL-yWFsE2BGGsDrVZtM5HeN_xr2ZBq50g4LW4cy80KZUd6WsGFZk6ZZmQiVAu8nEA0i4qDRYbHQ0jSLq0leB7GAK0BA/s1960/3XBHDQSOWRFPJ7GYPLL5I4YAIY.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1166" data-original-width="1960" height="380" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcKJQNoXpAWFidryRjro_u_qC1BauLaiiuGBMVO46WF8qaVNTEkLRqRSUlXGDtkpMSzpumnV4I7nIHUMA6FyNvonvNh0tEYzCBL-yWFsE2BGGsDrVZtM5HeN_xr2ZBq50g4LW4cy80KZUd6WsGFZk6ZZmQiVAu8nEA0i4qDRYbHQ0jSLq0leB7GAK0BA/w640-h380/3XBHDQSOWRFPJ7GYPLL5I4YAIY.jpg" width="640" /></a></div><br /><div><ul style="text-align: left;"><li>- Con estos cambios del proyecto original, la factura final del edificio ascendió a 100 millones de euros, un <b>sobrecoste de 45 millones</b> sobre el presupuesto inicial. </li></ul></div><div><ul style="text-align: left;"><li>A ello hubo que añadir los <b>desperfectos</b> que inmediatamente se vieron sobre el trencadís azul que se desprendía de la fachada, que hicieron que desde 2017 se habilitaran andamiajes para su reparación. De hecho, se han retirado 150 metros cuadrados de trencadís de los más de 7.500 metros cuadrados de la fachada y se han añadido otros tantos que nunca se pusieron y que se pintaron simplemente de azul para a inauguración de 2009. También los paneles provisionales de vidrio del cierre de cubierta han tenido que ser sellados correctamente.</li></ul></div><div><b><span style="color: #990000;">Aspecto que tuvo el edificio ágora desde 2017</span></b></div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-lFy9jYIMtZ7aLAKxWeyyvr00ebaaqseDUC768l68rtW5WJYYK2-ar-Il_zFBjSTXXVRJu_252qb-ZBFNRmj5CR1FdSE7sDs8pcBHiQ2QOlqM4gSmdsvo3ws2gMk0GGliLPsEDRubxGf2WgI-JNFzPahBAnPUY5QpbAWoUnqTW3jj1y8ZQI3t4O05Mg/s941/224362c1-7536-48d9-a0eb-edbc97f6bb46.jpeg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="560" data-original-width="941" height="388" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-lFy9jYIMtZ7aLAKxWeyyvr00ebaaqseDUC768l68rtW5WJYYK2-ar-Il_zFBjSTXXVRJu_252qb-ZBFNRmj5CR1FdSE7sDs8pcBHiQ2QOlqM4gSmdsvo3ws2gMk0GGliLPsEDRubxGf2WgI-JNFzPahBAnPUY5QpbAWoUnqTW3jj1y8ZQI3t4O05Mg/w653-h388/224362c1-7536-48d9-a0eb-edbc97f6bb46.jpeg" width="653" /></a></div><br /><div><br /></div></div>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="425" src="https://www.youtube.com/embed/DvmzyDIZ-ng" title="YouTube video player" width="670"></iframe><div><br /></div><div>Desde 2018 el ayuntamiento de Valencia llegó a un acuerdo con Fundación la Caixa para terminar las obras de remodelación del interior y encargarse de la reapertura del edificio en el contexto de sus salas de exposición Caixaforum. La apertura se había previsto para 2020, pero la crisis de la Covid19, lo ha prrogado hasta su apertura oficial de ayer 22 de junio de 2022.</div><div><br /></div><div>La Fundación la Caixa ha invertido 19 millones de euros, más un presupuesto anual de 5 millones para su funcionamiento, para crear una serie de espacios (6.500 metros cuadrados útiles) dedicados a salas de exposiciónes y centro cultural.</div><div><br /></div><div>El arquitecto que ha diseñado las estructuras y "paisajes interiores" es <b><a href="https://www.ruiz-geli.com/" target="_blank">Enric Ruiz- Geli</a></b>, director del estudio Cloud 9 y profesor de la universidad Virginia Tech, que ha concebido la obra como una gran plaza pública desde donde el público podrá acceder libremente a los seis distintos espacios en que se vertebra y que se interconectan. Es el sentido que se le quiso dar cuando se bautizó al edificio como ágora, el espacio público griego donde confluir todos los ciudadanos</div><div><br /></div><div><b><span style="color: #990000;">Proyecto de Ruiz-Geli en sección y planta. El resultado final ha variado en algo. En cuanto a la planta y, tal y como artísiticamente la ha entendido el arquitecto, formaría un espacio en forma de ojo.</span></b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIuoZtrXUYnJgWRQWyjRg5XBPNbiL_YH_PkJhxBxNN1j2FL-mwoAMlBjBRPhT1p-YKkWOaVKYXR7UaeKAWPfRgzLs-W8JGclfSce5vJA8ZLOAKgamshs3P5f8N-6Jwe8vdk2c4AVIL6ufGQQdkvA7tuce4weg1K2zrSVyiXqQqKr8lrZQH7N6kk8T2iQ/s660/15175184135318.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="536" data-original-width="660" height="520" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIuoZtrXUYnJgWRQWyjRg5XBPNbiL_YH_PkJhxBxNN1j2FL-mwoAMlBjBRPhT1p-YKkWOaVKYXR7UaeKAWPfRgzLs-W8JGclfSce5vJA8ZLOAKgamshs3P5f8N-6Jwe8vdk2c4AVIL6ufGQQdkvA7tuce4weg1K2zrSVyiXqQqKr8lrZQH7N6kk8T2iQ/w640-h520/15175184135318.jpg" width="640" /></a></div><div> <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8gxXELhjdScib8t3iQZ4GhQ963-2NZt9Jw3-RZmbY39ANx5V33cV9_k2Iq9H747mgOr1AIUctB1epLEWzwwywz6VN3JpLJwAYJAO_OluO1tB-iArOu0oevIU9LYAm6TwI43Fmw1SCPepEbnFQ1OtWANO-QKq1UDKW4LL00oxjgyWS1B5eUHvSnCQ2xA/s733/conoce%20caixaforum%20valencia%20spa%202.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="521" data-original-width="733" height="454" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8gxXELhjdScib8t3iQZ4GhQ963-2NZt9Jw3-RZmbY39ANx5V33cV9_k2Iq9H747mgOr1AIUctB1epLEWzwwywz6VN3JpLJwAYJAO_OluO1tB-iArOu0oevIU9LYAm6TwI43Fmw1SCPepEbnFQ1OtWANO-QKq1UDKW4LL00oxjgyWS1B5eUHvSnCQ2xA/w640-h454/conoce%20caixaforum%20valencia%20spa%202.jpg" width="640" /></a><br /></div><div><br /></div><div><b><span style="color: #990000;">Imagen tomada del proyecto donde se ven las estructuras orgánicas y vivas de las dependencias destinadas a restaurante/cafetería. En piso sobreelevado, la nube cuyo aspecto final ha vaariado un poco. En frente un gran panel para audiovisuales.</span></b></div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7wLOfwFHF3kQXc6BuRzbWAS_1Y8RXJiSubC7oLpcu4Cb0HGXSrENT_ztxv_40xZnl3VLDBJZ_7HVf6g0Bfl0gdMsg_VxZxkg_smJYK4SJ2UEnaWWlVptHKeNhaNISPA3l2EmBy5bRWphKUrO6nlwLtEsCiOpw3OqEbkxIgb36ZR4I3HZOsIh9aN3FMw/s660/15175184938321.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="660" height="388" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7wLOfwFHF3kQXc6BuRzbWAS_1Y8RXJiSubC7oLpcu4Cb0HGXSrENT_ztxv_40xZnl3VLDBJZ_7HVf6g0Bfl0gdMsg_VxZxkg_smJYK4SJ2UEnaWWlVptHKeNhaNISPA3l2EmBy5bRWphKUrO6nlwLtEsCiOpw3OqEbkxIgb36ZR4I3HZOsIh9aN3FMw/w640-h388/15175184938321.jpg" width="640" /></a></div><br /><div>El centro posee un graderío o auditorio para 300 personas que se enfrenta al edificio de la librería y oficinas. </div><div><br /></div><div><b><span style="color: #990000;">El Auditorium con la instalación del artista Frederic Amat. Este espacio huele a roble, con asientos forrados de tela vaquera y una cubierta de cartón reivindica la protección de los bosques.</span></b></div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGN854rpUUTNV0BsUwyNyW-sO4p8yw0vu7CcTNqMz6-iNc1V5qfv9HU1J9ON42CAjJj4_5EdJu_V40Hau2vlCFZe1Xf9doXJosgebdDLPY6940MY8XDC86ftlhaYN2irLHbsrelcS6SkmsvW2iBRRehGN_D592OTapHCAB6KeqapAzYrUpKbif3r5w9g/s1000/Val_Frame_big8.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="653" height="983" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGN854rpUUTNV0BsUwyNyW-sO4p8yw0vu7CcTNqMz6-iNc1V5qfv9HU1J9ON42CAjJj4_5EdJu_V40Hau2vlCFZe1Xf9doXJosgebdDLPY6940MY8XDC86ftlhaYN2irLHbsrelcS6SkmsvW2iBRRehGN_D592OTapHCAB6KeqapAzYrUpKbif3r5w9g/w642-h983/Val_Frame_big8.jpg" width="642" /></a></div><br /><div><b><span style="color: #990000;">Edificio de Administración, librería y sala Vip del centro en dos alturas. </span></b><b><span style="color: #990000;">El ceramista Toni Cumella ha aplicado el trencadís a las bóvedas.</span></b></div><div><b><span style="color: #990000;"><br /></span></b></div><div><b><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsRbu7GqeyIQ3aPcquS9VZwu_3WnQLfNmpLCx85UOWvc0t_D7Ta7-6jms-J4xmLHaMxrTPsPP7d0OGpl1OyJ_rNOZtQd8B_bh4MEXQpnFeKK-Izi19qHFBOvasscO34qu5-8QV02iurt0Xt8ZsTwe4TanMd80JxAftF4NnzGGgKQXNqxuqtcbHKue07A/s828/ATUVXAI44JFNLEOKRDCEL6JFJY.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="552" data-original-width="828" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsRbu7GqeyIQ3aPcquS9VZwu_3WnQLfNmpLCx85UOWvc0t_D7Ta7-6jms-J4xmLHaMxrTPsPP7d0OGpl1OyJ_rNOZtQd8B_bh4MEXQpnFeKK-Izi19qHFBOvasscO34qu5-8QV02iurt0Xt8ZsTwe4TanMd80JxAftF4NnzGGgKQXNqxuqtcbHKue07A/w640-h426/ATUVXAI44JFNLEOKRDCEL6JFJY.jpg" width="640" /></a></div></b></div><div><br /></div><div><b><span style="color: #990000;">El restaurante y la cafetería, también a doble altura, están recubiertos por un jardín vertical.</span></b> </div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBamtGwIdNqo8tE5SU28tCxZMQUi7whO8xa8LMP5B6rrnyuNWeaAl6F61_5CAdkHNCOxjd55tLwB8sNylqEtpQVqjDKCoqJ1RRNFg7W3ien5rHcv060F2vrZUuQ1yuelcOFJyUQ-aO0BQYG9LEi4AeZQYAItWZoCKh2vv5wnTpn5NhCEgjq-M3Bl7o2g/s828/E2JYCMOYOVFA7EPOGZRD3CPCMA.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="552" data-original-width="828" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBamtGwIdNqo8tE5SU28tCxZMQUi7whO8xa8LMP5B6rrnyuNWeaAl6F61_5CAdkHNCOxjd55tLwB8sNylqEtpQVqjDKCoqJ1RRNFg7W3ien5rHcv060F2vrZUuQ1yuelcOFJyUQ-aO0BQYG9LEi4AeZQYAItWZoCKh2vv5wnTpn5NhCEgjq-M3Bl7o2g/w640-h426/E2JYCMOYOVFA7EPOGZRD3CPCMA.jpg" width="640" /></a></div><div><br /></div><div>El centro del complejo es la Nube, que más bien parece una nave espacial por su aspecto externo y la forma de acceder a ella. Está destinado especialmente destinado a los niños y las familias. Quiere servir de espacio de encuentro y experimentación sobre el uso de la IA en la educación. Con experiencias interactivas y laboratorio donde ensayar proyectos de investigación. La entrada es especial y la experiencia dura 90 minutos.</div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi9-3V6i3t5_CasqlLj6GUNaXpPzNPzqMSrk_qcbe41ONoG3M8rOXQUGhTPW1KILvy1pVBTPS3zWAdH42Ce6jByFBgd8g5nYVQVSFsBcvHvOHNM4WeWmfW8_BUed2h06tbpjCjKw7VECcBaEDNFGuq5p73oVIKgV_yzWH6bGqg-biuCYFo31E12xgOEYg/s1000/Val_Frame_big5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="667" data-original-width="1000" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi9-3V6i3t5_CasqlLj6GUNaXpPzNPzqMSrk_qcbe41ONoG3M8rOXQUGhTPW1KILvy1pVBTPS3zWAdH42Ce6jByFBgd8g5nYVQVSFsBcvHvOHNM4WeWmfW8_BUed2h06tbpjCjKw7VECcBaEDNFGuq5p73oVIKgV_yzWH6bGqg-biuCYFo31E12xgOEYg/w640-h426/Val_Frame_big5.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjM0udQf1FUAGki-FIXone16Dvw5a5DNs_-73BEWCP_Be2oYUos8BDPq58EWPqYjHNtQPVdSmyCUeEokHgNn9cSFYtolOKguaJx5hLeLlvYXGGEu_Dda4BpwD8TYRznZpeO891tYj9eymRtDSUub2RWwE2ukRMjV4Oc3NSfyxLKi0zIKAwB2xxJHqFCvw/s1036/la%20nube.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="665" data-original-width="1036" height="410" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjM0udQf1FUAGki-FIXone16Dvw5a5DNs_-73BEWCP_Be2oYUos8BDPq58EWPqYjHNtQPVdSmyCUeEokHgNn9cSFYtolOKguaJx5hLeLlvYXGGEu_Dda4BpwD8TYRznZpeO891tYj9eymRtDSUub2RWwE2ukRMjV4Oc3NSfyxLKi0zIKAwB2xxJHqFCvw/w640-h410/la%20nube.jpg" width="640" /></a></div><br /><div>Entrando por el graderío que eleva la segunda planta se emplazan las dos salas de exposición de entre 400 y 700 metros cuadrados. Para su inauguración hay os exposiciones: una sobre los faraones, con 137 piezas del Museo Británico, y otra sobre paisaje y naturaleza, con obras de 24 artistas.</div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj09_ESlQ-M5nkdGkTP2faRXF0SA6yj1f8YUIg7Yizm4j1DC-KffX5pr3biFOFMvHuXRMHJzwR2Bd0uoPIvwpb9i19eN3zW3US7k7_-WzrI2twB6DL654sUh4Uqn3AvzWiUNKEPEjEVNu-10MNYO4t8GYhc9kapBdx23mgMLCUv6VNl1wjjAwD39_5xFA/s728/02-GRADAzoom.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="360" data-original-width="728" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj09_ESlQ-M5nkdGkTP2faRXF0SA6yj1f8YUIg7Yizm4j1DC-KffX5pr3biFOFMvHuXRMHJzwR2Bd0uoPIvwpb9i19eN3zW3US7k7_-WzrI2twB6DL654sUh4Uqn3AvzWiUNKEPEjEVNu-10MNYO4t8GYhc9kapBdx23mgMLCUv6VNl1wjjAwD39_5xFA/w640-h316/02-GRADAzoom.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6utbL6gc8GVLHpleTGaGfdG_Z1TY_xrUXDkdOxMMai5VpstNO3Kzzy24oF5x08LieMqKlig2Bt5V8OvdiLGah-yyaY2pLKFOqCV6cP1VqIng5zkMJBjetDks_L-ENwTgJ9tjaR1z_9uZjnPEM96dVUmq3WUQ4HDvE0yDkz3NPgiJkkEQBRkTT7_spGw/s1000/Val_Frame_big6.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="764" height="840" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6utbL6gc8GVLHpleTGaGfdG_Z1TY_xrUXDkdOxMMai5VpstNO3Kzzy24oF5x08LieMqKlig2Bt5V8OvdiLGah-yyaY2pLKFOqCV6cP1VqIng5zkMJBjetDks_L-ENwTgJ9tjaR1z_9uZjnPEM96dVUmq3WUQ4HDvE0yDkz3NPgiJkkEQBRkTT7_spGw/w641-h840/Val_Frame_big6.jpg" width="641" /></a></div><div><br /></div><div><div>Además de las salas de exposición, el centro cuenta con dos obras de arte de instalación permanentes de las artistas valencianas <b>Inma Femenía</b> y <b>Anna Talens</b>.</div><div><br /></div><div><b>Femenía </b>ha proyectado para el centro una escultura intangible que reproduce el fenómeno óptico del arcoíris, <i>"Arc al cel"</i>. Representa la combinación de arte, naturaleza, ciencia y arquitectura que la artista ha interpretado como la esencia de CaixaForum València. </div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtir28eEEabcdPhaGpvIhAZLNHIR2cQfMABxNbH83qnspO_6JSKJESqeSuCsbnayrCBhmg_bNrkEPPjlKY7XZlj35cRnwWcuNJIJjK3XQqp45Q-foX5A5xEZ2IuV3G1wXTaxPww6_9YYgfQCCQJI6WIsWaVUOYnyeVHc_lCgyxcotErYjuRtwqKwvoFQ/s1000/Val_Frame_big2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="750" height="841" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtir28eEEabcdPhaGpvIhAZLNHIR2cQfMABxNbH83qnspO_6JSKJESqeSuCsbnayrCBhmg_bNrkEPPjlKY7XZlj35cRnwWcuNJIJjK3XQqp45Q-foX5A5xEZ2IuV3G1wXTaxPww6_9YYgfQCCQJI6WIsWaVUOYnyeVHc_lCgyxcotErYjuRtwqKwvoFQ/w631-h841/Val_Frame_big2.jpg" width="631" /></a></div><div><br /></div><div>Por su parte, Talens propone con "Palafit" una escultura que tiene como referente la arquitectura agraria propia de los ecosistemas acuáticos. Se trata de un palafito dorado de sección triangular, pensado para recordar y sacralizar el modo de vida de los agricultores de la Albufera y de las zonas acuáticas de Levante.</div></div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCKXbw4oxaiz34iQ_TPW1K66ufmRpGnNFDT07Y3UDC2N0zAUwqvRuwUPNMNiG221ZHDGL569ByKVZhRHZy0VhlLm_Gd8wsoGGEdxvA0g_bM5urkD82O9lY0hUuB7E_1K8JGQG-ccBFFX3myvF7rfxdjOGSrLlrt1auw-PMiZT-DB0m8l3b7WzmVR6roA/s1000/Val_Frame_big1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="750" data-original-width="1000" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCKXbw4oxaiz34iQ_TPW1K66ufmRpGnNFDT07Y3UDC2N0zAUwqvRuwUPNMNiG221ZHDGL569ByKVZhRHZy0VhlLm_Gd8wsoGGEdxvA0g_bM5urkD82O9lY0hUuB7E_1K8JGQG-ccBFFX3myvF7rfxdjOGSrLlrt1auw-PMiZT-DB0m8l3b7WzmVR6roA/w640-h480/Val_Frame_big1.jpg" width="640" /></a></div><div><br /></div>Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-50870685082715470502022-06-21T22:57:00.000+02:002022-06-21T22:57:42.143+02:00UN DINOS PARA UN SIMPOSIO. "Mar oscuro del vino" que recitó Homero y bebe con moderación.<p>Durante el siglo VI a. C., los dinos o grandes vasijas globulares eran el alma de las fiestas ceremoniales masculinas, los simposios. Su principal función era ser el depósito donde mezclar el vino y el agua que luego se bebía en la celebración. Su boca ancha permitía introducir otro recipiente dentro para enfriar el líquido y los cántaros pequeños (enócoe) que luego lo vertían en las copas en que se bebía (kílix).</p><div class="sketchfab-embed-wrapper"> <iframe allow="autoplay; fullscreen; xr-spatial-tracking" allowfullscreen="" execution-while-not-rendered="" execution-while-out-of-viewport="" frameborder="0" height="480" mozallowfullscreen="true" src="https://sketchfab.com/models/1be4e7cbb67e40c0863c9176084f6e65/embed?ui_theme=dark" title="Dinos con Tetis y Peleo" web-share="" webkitallowfullscreen="true" width="640" xr-spatial-tracking=""> </iframe> <p style="color: #4a4a4a; font-size: 13px; font-weight: normal; margin: 5px;"> <a href="https://sketchfab.com/3d-models/dinos-con-tetis-y-peleo-1be4e7cbb67e40c0863c9176084f6e65?utm_medium=embed&utm_campaign=share-popup&utm_content=1be4e7cbb67e40c0863c9176084f6e65" style="color: #1caad9; font-weight: bold;" target="_blank"> Dinos con Tetis y Peleo </a> by <a href="https://sketchfab.com/man?utm_medium=embed&utm_campaign=share-popup&utm_content=1be4e7cbb67e40c0863c9176084f6e65" style="color: #1caad9; font-weight: bold;" target="_blank"> Museo Arqueológico Nacional </a> on <a href="https://sketchfab.com?utm_medium=embed&utm_campaign=share-popup&utm_content=1be4e7cbb67e40c0863c9176084f6e65" style="color: #1caad9; font-weight: bold;" target="_blank">Sketchfab</a></p></div><p>El dinos necesitaba un pedestal adicional para alzarse del suelo y tal vez ese fue el motivo de que esta pieza fuera sustituida a partir del siglo V por la crátera. Una nueva forma de cerámica de grandes volúmenes con asas y basa. </p><p><b><span style="color: #990000;">Dinos de Sophilos, 580 a.C. Altura: el cuenco 28,80 cm y la peana 46,30 cm. Ancho del cuenco 42 cm. Museo Británico.</span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdhCFo3kr--RclSzCyYJtOqMA2k4yaUWQSsT96Ai1LGaGco8zJtW0d1ADqDt-ySNbgvKZK9X4VUcADiLXYAEAfwDgM8_6YQFkXPPNkOCC431As4IYQrZg6WmTlm6vm_7yvk2pvj08ND4k8JfjWmEOiPnBFxnHyVbWBgzsxWk_HBYNmP-c96g6yFFKIdA/s947/dinos%20%20british.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="947" data-original-width="550" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdhCFo3kr--RclSzCyYJtOqMA2k4yaUWQSsT96Ai1LGaGco8zJtW0d1ADqDt-ySNbgvKZK9X4VUcADiLXYAEAfwDgM8_6YQFkXPPNkOCC431As4IYQrZg6WmTlm6vm_7yvk2pvj08ND4k8JfjWmEOiPnBFxnHyVbWBgzsxWk_HBYNmP-c96g6yFFKIdA/s16000/dinos%20%20british.jpg" /></a></div><p><b><span style="color: #990000;">Criado en un simposium sacando vino de una crátera mediante un enócoe para rellenar su kílix. </span></b><span style="color: #990000;"><b>Tondo de una copa ática de figuras rojas, ca. 490-480 a.C.</b></span><b><span style="color: #990000;">, Museo del Louvre.</span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgc-Nri_h7gY9zgOiLckUhGMyu52wNm1APcySWq_Ge8KN7pw5WsrVgYCquoz8wN9hBBDI-ymV1VX5Hpe8Fn4iY07eitezf-IcfEeaFtVFw3IOZfLUgW7muNwiJaGmK4NZdRkhSooW3MkKEWPY7Qpl9sndqJL_DIort0mZR76J-JFYtblClscGVOAjpK7g/s2400/Banquet_Louvre_G133.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2300" data-original-width="2400" height="614" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgc-Nri_h7gY9zgOiLckUhGMyu52wNm1APcySWq_Ge8KN7pw5WsrVgYCquoz8wN9hBBDI-ymV1VX5Hpe8Fn4iY07eitezf-IcfEeaFtVFw3IOZfLUgW7muNwiJaGmK4NZdRkhSooW3MkKEWPY7Qpl9sndqJL_DIort0mZR76J-JFYtblClscGVOAjpK7g/w640-h614/Banquet_Louvre_G133.jpg" width="640" /></a></div><br /><p>El <i>dinos </i>que vamos a ver con detalle artístico se atribuye al más prolífico de los pintores de figuras negras de finales del siglo VI, el pintor de Antimenes. Este pintor se caracteriza por su estilo de pintura limpio y ordenado, así como en su narrativa legible y directa. </p><p><b><span style="color: #990000;">Dinos ático de figuras negras con soporte atribuido al círculo del pintor de Antimenes. Terracota, Arcaico Tardío, ca. 520-510 a. C. Diámetro 33 cm. Museo Getty.</span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPvQIsiuLTJqP0lk3QVd1wNmVOqpPVTUZkKv82z2wosa3PRAv_-0KzOI6taq2GxEGT25UaAKMIMFISkdqFdqkwHMxbqJyX4DtVbDGsMo6870fwkU-TVcXggLRBAN1uzFGsyP5Tz54smEQs06BerPbuzeRVWNz9w1Rk01ROHwugMrDlJGIJ-BWKe1Mm4w/s3000/dinos%20de%20anti.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3000" data-original-width="2234" height="856" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPvQIsiuLTJqP0lk3QVd1wNmVOqpPVTUZkKv82z2wosa3PRAv_-0KzOI6taq2GxEGT25UaAKMIMFISkdqFdqkwHMxbqJyX4DtVbDGsMo6870fwkU-TVcXggLRBAN1uzFGsyP5Tz54smEQs06BerPbuzeRVWNz9w1Rk01ROHwugMrDlJGIJ-BWKe1Mm4w/w637-h856/dinos%20de%20anti.jpg" width="637" /></a></div><p>En este dinos se libra una batalla alrededor de la parte superior del borde, que evoca las hazañas heroicas de los guerreros míticos. La composición, a modo de un friso, intercala cuatro cuadrigas para dividir las escenas de lucha . </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimunbCa6nWspP4896kNLh1R7Y7r8fNRj7VZ6j355Xs2CdyXpiHWkJIEeX9kF4IUjfaA9VQEJSbm12GA0LTGTk0kOaP2zyQfpQyyvDVPFl6hKZt4qTvAeYiaFhaGA2HfQbbOMWedqlAFu_0QmlDg4gvJXPiBam0Wl_GWrBXUTBgcguBQwM2quiyWY_OMA/s3000/59b75d9a-b925-4744-93bc-76111ac7f715_3000.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2995" data-original-width="3000" height="638" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimunbCa6nWspP4896kNLh1R7Y7r8fNRj7VZ6j355Xs2CdyXpiHWkJIEeX9kF4IUjfaA9VQEJSbm12GA0LTGTk0kOaP2zyQfpQyyvDVPFl6hKZt4qTvAeYiaFhaGA2HfQbbOMWedqlAFu_0QmlDg4gvJXPiBam0Wl_GWrBXUTBgcguBQwM2quiyWY_OMA/w640-h638/59b75d9a-b925-4744-93bc-76111ac7f715_3000.jpg" width="640" /></a></div><br /><p>Grupos de infantería (hoplitas), arqueros y un solo jinete se enfrentan entre los carros. Pequeños detalles en rojo sirven para clarificar cada figura.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNFpOuP8xi-henyVNCGpm1a9Yc0-Wc8c_D_UseSOTufveCP1VpiKqdsLVjoF9phw5u866nZW9AUJhWG7qrqQxdqLEatrDVs6zih-RvNhaqpoZwd1eNaiQfQ1KrEQPIoRCqfKQcUq7cK8YbteEOOaJOnMQO1lex5QavksuEionPs84zxi8uAH9GJn9x3w/s916/detalle1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="377" data-original-width="916" height="264" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNFpOuP8xi-henyVNCGpm1a9Yc0-Wc8c_D_UseSOTufveCP1VpiKqdsLVjoF9phw5u866nZW9AUJhWG7qrqQxdqLEatrDVs6zih-RvNhaqpoZwd1eNaiQfQ1KrEQPIoRCqfKQcUq7cK8YbteEOOaJOnMQO1lex5QavksuEionPs84zxi8uAH9GJn9x3w/w640-h264/detalle1.jpg" width="640" /></a></div><br /><p>Pero lo que más me ha llamado la atención son los detalles del borde por el interior. Cuatro grandes barcos surcan el mar a toda vela. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDm8ZIwpUi8CxCyKS8rzILD_M9VVBR1CBNvA3JbF3gVtWNp13W1LoyB3WQgjRJA50lbiAa4wVQJKnZ24lmEbf9fDAx-BiRMhAcWI56jo9zlibt7ChR-xStMtDHYgYwCm4FTVych0laYnWxnR02np6lm0xGahnhVB5k8LwqVJEFws5V8vHPJis6XP_tHw/s1024/86df2b21-962c-4742-ac6e-3e737b4df496_1024.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="959" data-original-width="1024" height="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDm8ZIwpUi8CxCyKS8rzILD_M9VVBR1CBNvA3JbF3gVtWNp13W1LoyB3WQgjRJA50lbiAa4wVQJKnZ24lmEbf9fDAx-BiRMhAcWI56jo9zlibt7ChR-xStMtDHYgYwCm4FTVych0laYnWxnR02np6lm0xGahnhVB5k8LwqVJEFws5V8vHPJis6XP_tHw/w640-h600/86df2b21-962c-4742-ac6e-3e737b4df496_1024.jpg" width="640" /></a></div><p>En cada barco asoman las cabezas de las filas de remeros y un timonel. Las popas tienen cabezas de cisne talladas y un ariete en forma de cabeza de jabalí. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioaiOz1nx5S8JNNP7kNuSTgcZiCF6EnRsT7azP4r8RWmlGG-8xCKPKup_mh-OzbfPEG9yq-_Uj5LnQRQKOxbUD3WrHP3KYDU5Hx_p09R9UpaUd82UYM6zI6b6WMIip93lN8O4lWs3knC_j8vW535xpidSzGGi7661sAIXObbvF5Tpt0ptD15ZFD3-FfQ/s1024/barcos%201.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="497" data-original-width="1024" height="310" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioaiOz1nx5S8JNNP7kNuSTgcZiCF6EnRsT7azP4r8RWmlGG-8xCKPKup_mh-OzbfPEG9yq-_Uj5LnQRQKOxbUD3WrHP3KYDU5Hx_p09R9UpaUd82UYM6zI6b6WMIip93lN8O4lWs3knC_j8vW535xpidSzGGi7661sAIXObbvF5Tpt0ptD15ZFD3-FfQ/w640-h310/barcos%201.jpg" width="640" /></a></div><p>Mientras bebían, los simposias a menudo recitaban poesía y celebraban las hazañas mitológicas de dioses y héroes, tal vez motivados por las imágenes pintadas en su cerámica. </p><p><b><span style="color: #990000;">Escena de simposium. Un joven sostiene un kylix (copa poco profunda), le flanquean otros dos jóvenes que sostienen o beben de un skyphoi. Copa ática de figuras rojas, ca. 490-480 a.C. Museo del Louvre.</span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIJdK32TMRM7bBAeU0vPiKwNyfQUDgdveaNqP1EEn7l06hzc8cyloOQiRgeDoYx6tMKAiluzJGhja2d4Ud6hQBoq1oWRXnsrQAHwE-fgVzbB0bFH2huR_kCJxKPMLqNjc4eT9ECuLdAb6E-Q5Aw_jLzXnTAgMTH7aCJp4eMwQmqhmnRieLaRWTQQouoA/s1920/Banqueters_Cage_Louvre_G133.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1020" data-original-width="1920" height="340" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIJdK32TMRM7bBAeU0vPiKwNyfQUDgdveaNqP1EEn7l06hzc8cyloOQiRgeDoYx6tMKAiluzJGhja2d4Ud6hQBoq1oWRXnsrQAHwE-fgVzbB0bFH2huR_kCJxKPMLqNjc4eT9ECuLdAb6E-Q5Aw_jLzXnTAgMTH7aCJp4eMwQmqhmnRieLaRWTQQouoA/w640-h340/Banqueters_Cage_Louvre_G133.jpg" width="640" /></a></div><p>El artista crea un ingenioso diseño y metáfora visual. Es una clara referencia a las imágenes creadas por Homero del "mar oscuro del vino". Cuando el cuenco estuviera lleno de líquido, los barcos parecerían a aquellos que miraban dentro como si estuvieran navegando directamente en la superficie del vino mismo. Más allá de proporcionar un efecto visual atractivo, el motivo ofrece una lección para los simposiastas. Así como los barcos pueden naufragar en mares tormentosos, los bebedores pueden naufragar por beber demasiado vino. El consumo moderado y constante era la forma de garantizar una velada tranquila.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicBhjqTG7fldu0Tre5zrrmymHb9bmquct_ajU7EFM0JMl8cY6womJgYM7Gmibw3GSVS4d4zYiacXNruFsh-AdH9P7NgjDfxnYQMkTrOE70yi8estvN82DyDmyigbGlQS0uEEBtnhcDWpLlYRk8Q-fmLrW2BG3X11h9wxTehMlNLZDa1-Pa_dF-5C15pg/s1024/barcos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="477" data-original-width="1024" height="298" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicBhjqTG7fldu0Tre5zrrmymHb9bmquct_ajU7EFM0JMl8cY6womJgYM7Gmibw3GSVS4d4zYiacXNruFsh-AdH9P7NgjDfxnYQMkTrOE70yi8estvN82DyDmyigbGlQS0uEEBtnhcDWpLlYRk8Q-fmLrW2BG3X11h9wxTehMlNLZDa1-Pa_dF-5C15pg/w640-h298/barcos.jpg" width="640" /></a></div><p>Este dinos fue descubierto en 1873 en una tumba de Capua donde había sido reutilizado como urna para cenizas. El soporte original se ha perdido.</p>Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-16868451547924767002022-06-13T11:26:00.004+02:002022-06-13T11:26:26.203+02:00EXAMEN DE EVAU DE HISTORIA DEL ARTE DE JUNIO DE 2022. COMUNIDAD DE MADRID.<div>Las condiciones del examen modelo Covid19 hace que el examen de arte, pese a sus grandes dificultades de temario, sea asequible. Hay que responder a:</div><blockquote style="border: none; margin: 0px 0px 0px 40px; padding: 0px; text-align: left;"><ul style="text-align: left;"><li>Dos preguntas de las que se califican sobre 2 puntos cada una (A.1, B.1, A.2, B.2.), es decir, entre las de los temas y las de los comentarios de imagen. </li><li>Dos preguntas de las que se califican sobre 3 puntos cada una (A3, B3, A4 o B4), es decir, entre las de los términos y las de los artistas. Que a su vez tiene su propia elección interna, pues se ofrecen ocho términos para desarrollar 6 o 5 autores para caracterizar sólo 3.</li></ul></blockquote><p> </p>
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="900" msallowfullscreen="" src="https://app.box.com/embed/s/aun7xojij015afeyz2l4nwivzftjwud1?sortColumn=date&view=list" webkitallowfullscreen="" width="670"></iframe> <div><b><span style="color: #073763;">Los temas</span></b> han sido proporcionados, importantes y claros. Nada que objetar.</div><div><br /></div><div><div><ul style="text-align: left;"><li><b>LA ARQUITECTURA GRIEGA DEL PERIODO CLÁSICO</b>, atendiendo a:</li></ul></div></div><blockquote style="border: none; margin: 0px 0px 0px 40px; padding: 0px; text-align: left;"><div><div>a) Características generales</div></div><div><div>b) Tipos de edificios y ejemplos más representativos</div></div></blockquote><div><div><br /></div><div><ul style="text-align: left;"><li><b>VELÁZQUEZ</b>, atendiendo a:</li></ul></div></div><blockquote style="border: none; margin: 0px 0px 0px 40px; padding: 0px; text-align: left;"><div><div>a) Características generales y evolución de su pintura</div></div><div><div>b) Obras más significativas</div></div></blockquote><p><br /></p><p><b><span style="color: #073763;">Las imágenes</span></b> una más sencilla que la otra. </p><p> La obra de <b>Rodin</b> de<b><span style="color: #990000;"> los burgueses de Calais</span></b>, no es la más representativa de la obra del escultor impresionista, pero sobre todo, si llegas al movimiento impresionista sueles centrarte en la pintura.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOjXym19DR2rB1svaMRW8znOuyDWkAQ4Rd5b7Y3kyFX29z_NDt4b_jBN_a48blCx1W67UZBnXsmQtAjB-GfpiuAgfY6XYJIHF92b8ecivjA2WY-z4BSl5wX03N7wVMow9Fa9rM_FZhL1HPBDT1iWSf01uDHvl3CHhlEe_kCrrHWzCiRxxUze3Tqc3bXA/s1110/Rodin%20los%20burgueses%20de%20Calais.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="834" data-original-width="1110" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOjXym19DR2rB1svaMRW8znOuyDWkAQ4Rd5b7Y3kyFX29z_NDt4b_jBN_a48blCx1W67UZBnXsmQtAjB-GfpiuAgfY6XYJIHF92b8ecivjA2WY-z4BSl5wX03N7wVMow9Fa9rM_FZhL1HPBDT1iWSf01uDHvl3CHhlEe_kCrrHWzCiRxxUze3Tqc3bXA/w640-h480/Rodin%20los%20burgueses%20de%20Calais.jpg" width="640" /></a></div><div><br /></div>Sin embargo, la otra imagen es clara y ya ha caído infinidad de veces. Se trata de la vista exterior, pero desde el crucero y cabecera de la <b><span style="color: #990000;">iglesia románica de San Martín de Frómista (Palencia)</span></b>. Paradigma de la arquitectura románica y de las iglesias de pequeño tamaño en el camino de Santiago.<div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLtC_h91g6HGIJdDAy6C_OyHZ5eojB2VHW9ig8H1N7iAXgwPiq2pfnGDJ7ZPGY41ptWyUOYu62zwBemFf555b9XUcx5TH8XcKJ77wMy4LMNhEa0DqEvQZy9of1GzY4e0NrqyxcpdsB-RHfIlzpf9icBIjhKN-5eNOaBEp1R1zYAu9rpcp2e0g_XkI8vA/s1656/San%20Mart%C3%ADn%20de%20Fr%C3%B3mista.%20Exterior%20desde%20cabecera.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1320" data-original-width="1656" height="510" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLtC_h91g6HGIJdDAy6C_OyHZ5eojB2VHW9ig8H1N7iAXgwPiq2pfnGDJ7ZPGY41ptWyUOYu62zwBemFf555b9XUcx5TH8XcKJ77wMy4LMNhEa0DqEvQZy9of1GzY4e0NrqyxcpdsB-RHfIlzpf9icBIjhKN-5eNOaBEp1R1zYAu9rpcp2e0g_XkI8vA/w640-h510/San%20Mart%C3%ADn%20de%20Fr%C3%B3mista.%20Exterior%20desde%20cabecera.jpg" width="640" /></a></div><br /><div><b><span style="color: #0b5394;">Los</span></b> <b><span style="color: #0b5394;">términos o conceptos</span></b> al poder elegir se convierte en la pregunta más fácil y es posible incluso elegir las dos.</div><div><ul style="text-align: left;"><li>Opción A. <b>Manierismo, Impresionismo, Arte Hispano musulmán, Escuela de Chicago, pintura al óleo, tríptico, columna salomónica, relieve.</b></li></ul><ul style="text-align: left;"><li>Opción B. <b>Arte Asturiano, Romanticismo, Futurismo, Rococó, termas, ábside, escorzo, collage.</b></li></ul><p><b><span style="color: #0b5394;">Los artistas</span></b>, es siempre una pregunta que puede ser complicada si da la casualidad que hay algún artista que no se ha llegado a dar, pero al existir posibilidad de elegir sólo 3 tampoco resulta difícil.</p><ul><li>Opción A. <b>Van der Weyden, Miguel Ángel, Delacroix, Juan de Herrera, Mondrian.</b></li></ul><ul><li>Opción B. <b>Ghiberti, José de Churriguera, Kandinsky, Le Corbusier, Praxiteles.</b></li></ul></div></div>Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-30448651609865709432021-01-01T13:12:00.001+01:002021-01-01T13:12:20.119+01:00YU KAWASHIMA, 日本画家 川島優. LA PINCELADA DEL SILENCIO<p><b>Yu Kawashima,</b> <b>川島優</b>, es uno de los pintores japoneses más prometedores de la década que dejamos atrás. Su estilo me recuerda a otro pintor que ya he tratado en este blog,<b><a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/ikenaga-yasunari-pintor-japones-nihonga.html" target="_blank"> Ikenaga Yasunari</a></b>. Son pintores que siguen el mismo objetivo, el de recuperar la esencia de la pintura japonesa tradicional, ‘Nihonga’, pero actualizándola con toques sutiles de la historia del arte occidental.</p><p>Mi acercamiento a su obra ha sido a través de la inauguración en Hong Kong de su más reciente exposición individual en la <a href="https://www.whitestone-gallery.com/exhibitions/hk-q-yu-kawashima-122020/" target="_blank">Whitestone Gallery</a>. La muestra, que permanecerá abierta hasta el 23 de enero de 2021, es pequeña pero capaz de transmitirnos los principales rasgos de su obra. Para una visión más profunda es mejor recurrir a la exposición celebrada en junio de este mismo año en la <a href="https://www.whitestone-gallery.com/exhibitions/tyo-n-yu-kawashima-062020/" target="_blank">Whitestone Ginza New Gallery de Tokio </a></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh30Ki9nnS5AlZIUFx6cw-DnzLOkP5Jou45nZfftVPBNTmwMecQAip5cLcV1cL6n0EHXR6sis-RCPIwagECKeN251O9iypC0g9xm0orj_UBECuqcOK8Uh8IlGUb6u0Bs9ZCuj8fAg4nBlyA/s1430/exposici%25C3%25B3n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1113" data-original-width="1430" height="498" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh30Ki9nnS5AlZIUFx6cw-DnzLOkP5Jou45nZfftVPBNTmwMecQAip5cLcV1cL6n0EHXR6sis-RCPIwagECKeN251O9iypC0g9xm0orj_UBECuqcOK8Uh8IlGUb6u0Bs9ZCuj8fAg4nBlyA/w640-h498/exposici%25C3%25B3n.jpg" width="640" /></a></div><br /><p><span style="color: #3333ff; font-weight: 700;"><span style="font-family: inherit; font-size: medium;">Datos biográficos.</span></span></p><p><b>Yu Kawashima </b>nació en la prefectura de Shizuoka, Japón, en 1988. </p><p>Según lo que el mismo cuenta, la vocación de pintor le vino cuando todavía estaba en la escuela primaria al contemplar una colección de pinturas que poseía su tío de <b>Masakuni Hashimoto Gahō.</b> Este maestro japonés de "Nihoga" de la era Meiji jugó un papel importante en la supervivencia y modernización de la pintura tradicional y representa el punto de partida de nuestro pintor: trabajar con los materiales tradicionales pero replanteándose los temas. </p><p>En la escuela secundaria, siguió practicando el arte de la acuarela y el dibujo. Pero no será hasta su ingresó en la facultad de Bellas Artes de la Prefectura de Aichi, donde adquirirá la maestría en el arte secular. En la universidad dominó las técnicas de la pintura japonesa y sus materiales y adquirió una formación profunda del arte y la filosofía occidental. La conciliación entre el estilo tradicional japonés y el pensamiento occidental será el pilar básico de su forma de pintar. </p><p>Después de licenciarse en el año 2012, empezó a exponer sus trabajos e inmediatamente consiguió un gran éxito en 2014 al recibir el primer premio del concurso "FACE" que organiza el Museo de Arte Sompo de Tokyo, con su obra Toxic (2013). Desde 2015 expone individualmente o en colectivas de forma recurrente en distintas galerías y ferias de arte de Asia.</p><p><b><span style="color: #cc0000;">Yu Kawashima. "Toxic", 2013. Tinta mineral y papel de plata sobre papel de lino y panel de madera. 194 x 111 cm.</span></b></p><p><b></b></p><p><b></b></p><div class="separator" style="-webkit-text-stroke-width: 0px; clear: both; color: black; font-family: "Times New Roman"; font-size: medium; font-style: normal; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; font-weight: 400; letter-spacing: normal; orphans: 2; text-align: center; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; text-decoration-thickness: initial; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; widows: 2; word-spacing: 0px;"><b><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGBWXGrhyC2pQeooUaCtOwx4Eboo3SpqmK75vJ_fMDDCFEIvKLjG7nNK4J4UikF7C4s6i9z-XHZVPFa_nzsrSBvA68mUEI2V1eFzp4qKCZLUvobqtlcjjeZU5wV4250nzWmuz9n9lIFBcd/s800/toxic+2013.webp" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1864" data-original-width="1044" height="1147" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGBWXGrhyC2pQeooUaCtOwx4Eboo3SpqmK75vJ_fMDDCFEIvKLjG7nNK4J4UikF7C4s6i9z-XHZVPFa_nzsrSBvA68mUEI2V1eFzp4qKCZLUvobqtlcjjeZU5wV4250nzWmuz9n9lIFBcd/w642-h1147/toxic+2013.webp" style="cursor: move;" width="642" /></a></b></div><p></p><p><b><span style="color: #2b00fe;">Su tesis filosófico-pictórica.</span></b></p><p>Su tesis doctoral, aprobada en 2018, explica la intención de sus trabajos. Su título es bastante clarificador: <i><a href="https://www.aichi-fam-u.ac.jp/academics/da19_kawashjma.pdf" target="_blank"><b>La expresión pictórica como manifestación dialéctica de los sentimientos internos: una transformación de la "ansiedad"</b></a>. </i>Su<i> </i>obra pretende ser su personal via de escape de una sociedad en la que no se siente a gusto. </p><p><b>Kawashima </b>tiene la sensación de que el mundo moderno en que vivimos y los medios artificiales de los que nos rodeamos no satisfacen plenamente al ser humano y de ahí que sienta una desazón interna. El pintor añora otra realidad, que no es a la que se enfrenta en el día a día. Para él, las tecnologías y los medios de información visual como la televisión, las revistas y las redes sociales nos alejan de lo natural y de la verdad. Esta desnaturalización es lo que provoca en el hombre la sensación de no encajar en la realidad, lo que se traduce en un sentimiento de incongruencia y ansiedad.</p><p><b>Kawashima </b> pretende reconciliarse con su interior y para ello utiliza, además de su herencia oriental, la base teórica de filósofos pre-existencialistas occidentales del siglo XIX como <b>Sören Kierkegaard</b> y <b>Friedrich Nietzsche. </b>Comparte con ellos la búsqueda de una existencia auténtica. coincide con ellos en que la ansiedad que sentimos en el mundo moderno nos hace tomar consciencia de que lo que vivimos no es lo natural, que existimos por encima de la superficialidad en la que vivimos. El hecho que experimentemos angustia nos permite reconocer nuestra verdadera existencia y nos permite buscar las maneras de trasmitirla. Él propone la pintura para encontrar su yo existencial profundo y enfrentarse a esa angustia vital.</p><p><b><span style="color: #990000;">Yu Kawashima. De la serie "Efecto adverso", 2015.</span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9T6NGUrd74SDsaOdtBCLPSY1E1xZSx4EDkdHHi9mCSNjnsPZP5vMXec_mmOj2TxK3h6wliPqCTXE6UlsqYUMHZwcp8H_k0V9bjDqjQYfRVP0z52z1mHNbCzv_s8erd8EAaI70fTp_P7QH/s1242/%25E3%2580%258AEfecto+adverso%25E3%2580%258B+2015+100M+Panel+de+madera+con+papel+de+lino%252C+tinta%252C+pintura+de+roca%252C+papel+de+aluminio..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="751" data-original-width="1242" height="386" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9T6NGUrd74SDsaOdtBCLPSY1E1xZSx4EDkdHHi9mCSNjnsPZP5vMXec_mmOj2TxK3h6wliPqCTXE6UlsqYUMHZwcp8H_k0V9bjDqjQYfRVP0z52z1mHNbCzv_s8erd8EAaI70fTp_P7QH/w640-h386/%25E3%2580%258AEfecto+adverso%25E3%2580%258B+2015+100M+Panel+de+madera+con+papel+de+lino%252C+tinta%252C+pintura+de+roca%252C+papel+de+aluminio..jpg" width="640" /></a></div><div><b><span style="color: #2b00fe;"><br /></span></b></div><div><b><span style="color: #2b00fe;">Características de estilo e influencias pictóricas aplicadas a su obra.</span></b></div><p>Es evidente que el <b><span style="color: #2b00fe;">Nihonga</span></b> es la referencia inmediata y formal para expresarse. Utiliza materiales y técnicas de las artes tradicionales japonesas como el papel de lino sobre un panel de madera y pigmentos minerales para fabricar la tinta. La pintura es monócroma, pero abarca unos matices increíbles de tonos negros, grises y blancos.<b> </b>Utiliza pinceles muy finos para aplicar linealmente los detalles de calidad de cada uno de los cabellos de sus figuras.</p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='657' height='547' src='https://www.blogger.com/video.g?token=AD6v5dyOQ6SoCsQvXP-4GpKHQ0MzANjLU2NBBBVtSl4IrTZ4hoBQ-9tY6Jg6AAFMlr0MQgnF-l-rhc3YTGv87dNGXg' class='b-hbp-video b-uploaded' frameborder='0'></iframe></div><b><div><b><br /></b></div>Kawashima</b> además lava la superficie del papel con agua para crear en sus fondos una textura envejecida, como si se tratara de paredes de hormigón deterioradas. Con este recurso hace visible las huellas del tiempo y su proceso de autoexploración. <div><br /></div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAQCZibBTpukqYXcDXiCwfCruEfc_PWWL4rTdz7Ln7zjxOoa_vC5hHMxMCtt-QMf8sJ8EJ4Imll_ZXnNLXi9Bs7HC6gW5pEddLAMKmA1VUfNrS5O9agGdyJPhQ-ITBnuc0tV6L959r8wHa/s615/D9g1Z35VUAAk6T3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="614" data-original-width="615" height="638" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAQCZibBTpukqYXcDXiCwfCruEfc_PWWL4rTdz7Ln7zjxOoa_vC5hHMxMCtt-QMf8sJ8EJ4Imll_ZXnNLXi9Bs7HC6gW5pEddLAMKmA1VUfNrS5O9agGdyJPhQ-ITBnuc0tV6L959r8wHa/w640-h638/D9g1Z35VUAAk6T3.jpg" width="640" /></a></div><p>Ocasionalmente, para proporcionar efectos de contraste, puede incorporar en sus pinturas finas hojas de cobre y plata, que sirven para descomponer la figura y deteriorarla, como si las pasáramos por la memoria.</p><p><span style="color: #990000;"><b>Yu Kawashima. Destinatario, 2019.</b> </span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZu4HpfWX6QzATMXp9movmALUcj5KNM-BGaG_kPaMooZavz0s8wrMbxD4z3DBKnxR__DGjKp2xHWAla_tCDytT4FCcwN91G3ocEe4qdJJoe_niS64n2rmgnN2_hdGvp0cegfY9A6bho64u/s2048/%25E3%2580%258ADESTINATARIO%25E3%2580%258B+2019+6F+detalle+Papel+de+lino%252C+tinta%252C+pintura+de+roca%252C+papel+de+aluminio+sobre+un+panel+de+madera..jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="1536" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZu4HpfWX6QzATMXp9movmALUcj5KNM-BGaG_kPaMooZavz0s8wrMbxD4z3DBKnxR__DGjKp2xHWAla_tCDytT4FCcwN91G3ocEe4qdJJoe_niS64n2rmgnN2_hdGvp0cegfY9A6bho64u/s864/%25E3%2580%258ADESTINATARIO%25E3%2580%258B+2019+6F+detalle+Papel+de+lino%252C+tinta%252C+pintura+de+roca%252C+papel+de+aluminio+sobre+un+panel+de+madera..jpg" /></a></div><p>Otro recurso pictórico que utiliza a menudo es el utilizar un patrón geométrico que, bien como fondo o bien como proyección en perspectiva, sirve para enmarcar sus figuras. Este formato le sirve para enlazar pasado y presente, puesto que sobre el papel apreciamos la realidad y al mismo tiempo unas formas articiales que pueden ser interpretadas tanto como un homenaje a la tradición japonesa o la tecnología. Pueden ser sencillos mandalas simbólicos que representan estados espirituales y que recuerda la decoración japonesa tradicional de muchos objetos como porcelanas o textiles, como pueden ser piezas de diseño industrial.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0_cc6C-LXeFYXjQpJb7cduAc7PCot6xHDG5irV2tRrBOn0Dd0RyC3AaYO3bQW6gHsw8tUQLCHiL41lddGAJPAaIc_9YQUjlj4O5ldi01c53hkMj6hz0RsNyUmnkXex6GlBs4p0aOYLKYU/s2048/D0D8LTAVsAA56q_.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1722" data-original-width="2048" height="538" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0_cc6C-LXeFYXjQpJb7cduAc7PCot6xHDG5irV2tRrBOn0Dd0RyC3AaYO3bQW6gHsw8tUQLCHiL41lddGAJPAaIc_9YQUjlj4O5ldi01c53hkMj6hz0RsNyUmnkXex6GlBs4p0aOYLKYU/w640-h538/D0D8LTAVsAA56q_.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><b><span style="color: #990000;">Patrones para telas de kimono de la era Edo.</span></b></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0UMWWMK_ZiBV2xSXHEj4_wjuM_Vt45sk1UhIyxtZP6Ytm746xt2yEmZmsMs0m-eETm3DIQPvfYcO_Sb6bAzrp_NZU519UPBkyNv7iZoi0lS-e_A7u4FfdQ6Zd_eKEMbySdjWE5A7xjSSg/s2048/patrones+de+la+era+Edo+1680+para+kimonos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1579" data-original-width="2048" height="494" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0UMWWMK_ZiBV2xSXHEj4_wjuM_Vt45sk1UhIyxtZP6Ytm746xt2yEmZmsMs0m-eETm3DIQPvfYcO_Sb6bAzrp_NZU519UPBkyNv7iZoi0lS-e_A7u4FfdQ6Zd_eKEMbySdjWE5A7xjSSg/w640-h494/patrones+de+la+era+Edo+1680+para+kimonos.jpg" width="640" /></a></div><p>Hay en su obra también admiración por los maestros japoneses y occidentales del siglo XIX y XX que, de alguna manera, asoman en las obras de gran formato. </p><p></p><ul style="text-align: left;"><li>Sobre todo le atrae la obra de <b><b>Kiyoteru </b>Kuroda Seiki</b>, el pintor que introdujo en Japón las nuevas tendencias pictóricas que se hacían paso en París a finales del siglo XX. De este maestro no le interesa tanto el color o el impresionismo, que es lo que se suele destacar de su obra de sus años en Francia, sino su interpretación revolucionaria para la época de la mujer y su interrelación con el simbolismo. El tríptico "<i><span style="color: #990000;"><b>Sabiduría, Impresión, Sentimiento"</b></span></i> que realizó en 1897 es una de sus inspiraciones más claras. Dejando a un lado las diferencias entre las imágenes desnudas y vestidas de las mujeres, es un mismo mundo introspectivo donde la mujer sirve como canalización simbólica para manifestar estados de ánimo y sentimientos profundos.</li></ul><p></p><p><b><span style="color: #990000;">Kuroda Seiki, Sabiduría, Impresión, Sentimiento, c. 1897, óleo sobre lienzo, Kuroda Memorial Hall, Tokio. Esta obra de Kuroda además fue un escándalo porque rompió el tabú del desnudo femenino en Japón. </span></b><span style="color: #990000;"><b>Sus tres desnudos, justificados por el título alegórico del cuadro, están representados con la plasticidad y el volumen tridimensional propios de la pintura académica francesa. Sin embargo, el fondo plano dorado recuerda a los biombos dorados populares durante el período Momoyama de Japón (1573-1615).</b></span></p><p><b></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBfbHQCjVHj8bZB0x-BHEfuRktSSP7QyeWw0yQ21gynoIjVwgK2gO_heClQ42gZv_1dCaMPSC1FSctJpppYUM0Cpb_3LWq_KWmHx7JlCSCWO6ZxZdXAT05Sx4KpJywoUgFaEBFCBYOLuV_/s798/Kuroda-Seiki+Wisdom%252C+Impression%252C+Sentiment+-1899.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="486" data-original-width="798" height="390" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBfbHQCjVHj8bZB0x-BHEfuRktSSP7QyeWw0yQ21gynoIjVwgK2gO_heClQ42gZv_1dCaMPSC1FSctJpppYUM0Cpb_3LWq_KWmHx7JlCSCWO6ZxZdXAT05Sx4KpJywoUgFaEBFCBYOLuV_/w640-h390/Kuroda-Seiki+Wisdom%252C+Impression%252C+Sentiment+-1899.jpg" width="640" /></a></b></div><div style="font-weight: bold;"><b><br /></b></div>Tanto para <b>Kawashima </b>como para <b>Kuroga</b>, la<b> </b>mujer es el centro de su cuadros. <b>Kawashima </b>desnuda a sus modelos, es más todas aparecen bajo vestidos recatados, a veces excesivos. Sus mujeres son muy jóvenes, algunas casi niñas. Algunas con rostros y cuerpos andróginos. Son estereotipaciones en las que se mezclan varias mujeres, aunque siempre es la misma.</div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBjLcAPglLBXLSFoHWZE6jxaHXQ6E7SI2aiDRrYKls4vOG7mhTqMufUTWy-F1zTm1BQInC741yTrPX8qj9FcxMyKquv_924jVdGvlReRn1T9q1lyLlu1BNQbY0VNn1PmRYZ4PyOI0r9x5O/s1337/a596d881aa2b83256a18094b45f0a610.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1337" data-original-width="1080" height="766" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBjLcAPglLBXLSFoHWZE6jxaHXQ6E7SI2aiDRrYKls4vOG7mhTqMufUTWy-F1zTm1BQInC741yTrPX8qj9FcxMyKquv_924jVdGvlReRn1T9q1lyLlu1BNQbY0VNn1PmRYZ4PyOI0r9x5O/w619-h766/a596d881aa2b83256a18094b45f0a610.jpg" width="619" /></a></div><br /><div><br /></div><div>Analicemos una de sus composiciones más interesante para ver como conjuga todos estos rasgos y qué puede haber detrás de algunas de su mejores creaciones.</div><div><b><span style="color: #2b00fe;"><br /></span></b></div><div><b><span style="color: #2b00fe;">Re-Actor.</span></b><p></p><p><b>Yu Kawashima </b>también realiza trípticos con mujeres que ocultan misterios. A través del gesto, de los ojos y de las manos se esbozan expresiones sutiles que te obligan a reflexionar y a contemplar con un silencio religioso. El mejor conjunto es el de <i><b><span style="color: #cc0000;">"Re-actor. Toxic, Zeta, Inside"</span></b> </i>del año 2017. Como en el tríptico de <b>Kuroga,</b> solo la mujer del panel central fija su mirada en el espectador, mientras que las otras dos mujeres se vuelven y se recogen sobre sí mismas con una mirada furtiva hacia abajo. </p><p><b><span style="color: #990000;">Yu Kawashima, <i>"Re-actor. Toxic, Zeta, Inside" , </i>2017.</span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrZQ1_A7AFt8aMI5E5jSk6bpaRu7g62haxuZaUjBZNW0La4R7QOdixxuYeNGC29p0JijEWHc11OfoKky_BVVQ6KqXRypjpvQrwtJpGW2C650cGCzksZH9inNM3GtXoSpI9Q3UHAMC0Vylx/s1602/tr%25C3%25ADptico.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="952" data-original-width="1602" height="380" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrZQ1_A7AFt8aMI5E5jSk6bpaRu7g62haxuZaUjBZNW0La4R7QOdixxuYeNGC29p0JijEWHc11OfoKky_BVVQ6KqXRypjpvQrwtJpGW2C650cGCzksZH9inNM3GtXoSpI9Q3UHAMC0Vylx/w640-h380/tr%25C3%25ADptico.jpg" width="640" /></a></div><p>El fondo no naturalista de la pared de hormigón y del patrón geométrico realza el simbolismo de las figuras. Los conceptos que encarnan estas figuras son sentimientos o pensamientos del propio artista. Al presentarse en formato de tríptico y sobreelevar el panel central, las figuras adquieren un sentido intemporal que se podría definir como sagrado. Pasan a ser imágenes de culto como los iconos religiosos de los altares cristianos. </p><p>Las mujeres de los laterales sea aúpan sobre pedestales a modo de figuras escultóricas, como escoltando a la imagen central. Pero el hecho de que vistan ropas opuestas (blancas y negras) y se levanten sobre podiums también opuestos nos da la clave de qué pueden simbolizar. Estos paneles recrean a las dos fuerzas fundamentales, opuestas y complementarias, que se encuentran en todas las cosas. Según el pensamiento taoísta, el yin y el yang rige el universo y, por ello, cada ser, objeto o pensamiento posee un complemento del que depende para su existencia y que a su vez existe dentro de él mismo. De esto se deduce que nada existe en estado puro ni tampoco en absoluta quietud o inmutabilidad, sino que todo está en una continua transformación. Además, que cualquier idea puede ser vista como su contraria si se la mira desde otro punto de vista. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7jzHnrsXzybU06Hz02mTCPZgS6Tl2DvSMwZm_lHsjUN5M9uPdXfJMyXm9xUadtdGRv42X5PWZeyBdf7MbqsP1J_Gtmef0CVSGPIx80ZwOINTX97P9w3upEa5tAjvs00f14QykQso590lj/s943/toxic.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="943" data-original-width="599" height="994" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7jzHnrsXzybU06Hz02mTCPZgS6Tl2DvSMwZm_lHsjUN5M9uPdXfJMyXm9xUadtdGRv42X5PWZeyBdf7MbqsP1J_Gtmef0CVSGPIx80ZwOINTX97P9w3upEa5tAjvs00f14QykQso590lj/w631-h994/toxic.jpg" width="631" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjry7O5dcUmsC164M0WKntTqhaHo35dYNKFbSQh7HZiHUuS0BwlCP-j4-Y7lloTc5knPbnaKyiMTvFeMN5v3VSokT8hgR2Ys-tHK73dsUyCkrbqwjWFjF_NdiGvL3RrE35oxQtBCYsCWWYo/s719/00.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="719" data-original-width="449" height="1006" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjry7O5dcUmsC164M0WKntTqhaHo35dYNKFbSQh7HZiHUuS0BwlCP-j4-Y7lloTc5knPbnaKyiMTvFeMN5v3VSokT8hgR2Ys-tHK73dsUyCkrbqwjWFjF_NdiGvL3RrE35oxQtBCYsCWWYo/w629-h1006/00.jpg" width="629" /></a></div><div><br /></div>Con respecto a la imagen central, la mujer recuerda una postura ritual de alguien embarcado en el camino esotérico de ser Buda (Bosatsu) y alcanzar el supremo conocimiento o iluminación. Las posturas de las manos y de sus dedos no dejan dudas sobre el significado misterioso de la joven que parece asistir a una profunda transformación interior y autorrealización. El círculo que la aureola puede ser también el símbolo de la iluminación y la divinidad.</div><div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiNvHO3fjU-64ey391bMUgrE5pXm3f2t_Pcda324VDfRsPuBexX4VksD-LYKLPIpypsb-85G-LF98zSMHOtm3m0K-TPWbeYNT94oNoqsOQF2ueXh7zqf0urAg-kAX9aJzbEEnXWyXHreLp/s726/0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="726" data-original-width="459" height="1024" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiNvHO3fjU-64ey391bMUgrE5pXm3f2t_Pcda324VDfRsPuBexX4VksD-LYKLPIpypsb-85G-LF98zSMHOtm3m0K-TPWbeYNT94oNoqsOQF2ueXh7zqf0urAg-kAX9aJzbEEnXWyXHreLp/w647-h1024/0.jpg" width="647" /></a></div><div><br /></div><div><b><span style="color: #cc0000;">Kokuzo Bosatsu (Akasagarbha). Periodo Kamakura, siglo XIII. Kokūzō simboliza la sabiduría de Buda "vasta e ilimitada" que impregna el universo. En Japón, los creyentes rezan a Kokūzō para que les conceda sabiduría en su búsqueda hacia la iluminación. También rezan a Kokūzō para que mejore su memoria, habilidades técnicas y talentos artísticos.</span></b> </div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjlY_4xk6iqj_hkwNvsDYZUSjeEWLx5T5kAccW3V8oPo2bRcyZKDQJole2CbyQyKUr0b2NHOkbI4iLHke0NUw_cAfYr7Z4zFwoVrR1vFHozJkEpOcbfavMYzU1RP9u0nGfKmusUn1xXuZw/s1442/statua+de+Kokuzo+Bosatsu+Era+de+Kamakura%252C+siglo+XIII+1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1442" data-original-width="834" height="1121" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjlY_4xk6iqj_hkwNvsDYZUSjeEWLx5T5kAccW3V8oPo2bRcyZKDQJole2CbyQyKUr0b2NHOkbI4iLHke0NUw_cAfYr7Z4zFwoVrR1vFHozJkEpOcbfavMYzU1RP9u0nGfKmusUn1xXuZw/w649-h1121/statua+de+Kokuzo+Bosatsu+Era+de+Kamakura%252C+siglo+XIII+1.jpg" width="649" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p></p><ul style="text-align: left;"><li>Hay en su teoría pictórica también referencias al pintor francés <b>Gustave Moreau. </b>De éste le interesa le mundo de «símbolos personales » a los que recurrió para que sus cuadros despertaran emociones e imágenes evocadoras. También le seduce los temas que abordó y que en cierta forma a <b>Kawashima </b>también le interesan como la angustia, el miedo, la muerte, el amor o el deseo. de ahí que huya de un tema narrativo y muchos de sus cuadros lleven por título conceptos abstractos. Pero es el pintor inglés <b><a href="http://algargosarte.blogspot.com/2015/09/francis-bacon-caracteristicas.html" target="_blank">Francis Bacon</a></b> el pintor occidental que cala más profundamente en su forma de entender la pintura. Parecen alejados porque estéticamente se expresan de forma muy distinta, pero ambos comparten la búsqueda expresionista y simbólica de transmitir su propia ansiedad en el sociedad contemporánea que les ha tocado vivir.</li></ul><ul style="text-align: left;"><li>Como pintor del siglo XXI, no podemos soslayar la importancia que tiene la tecnología. Aunque a él le incomode, no deja de ser un pintor de su tiempo y utiliza las <a href="https://twitter.com/yu_kawashima" target="_blank">redes sociales</a> y los medios como la fotografía para su proceso creativo</li></ul><p></p><p><b><span style="color: #2b00fe;">Por último, la polémica.</span></b></p><p>La obra con la que se dio a conocer en 2014, Toxic, resultó polémica porque utilizaba una fotografía como elemento de inspiración, lo que no me parece un desdoro, y algunos internautas le acusaron de plagio. En la composición inferior se demuestra cómo una foto de estudio de la actriz japonesa <b>Fumi Nikaido</b> fue la referencia indudable. </p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxGe8Z8JZSE9HcFYVxd5SD32flcpFaEZlledYJGhj1UoEcONwBr3j48LoU7TwYp7dPTa4I0ye_dIpuxSM0T0GvOJXBdCJoGx66OEWhsPFrRRjjJLo-IwKX4ly_1Zcso-KfuAttOyHW-UDg/s624/Fumi+Nikaido.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="624" data-original-width="500" height="775" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxGe8Z8JZSE9HcFYVxd5SD32flcpFaEZlledYJGhj1UoEcONwBr3j48LoU7TwYp7dPTa4I0ye_dIpuxSM0T0GvOJXBdCJoGx66OEWhsPFrRRjjJLo-IwKX4ly_1Zcso-KfuAttOyHW-UDg/w621-h775/Fumi+Nikaido.jpg" width="621" /></a></div><p>Gracias a ello descubrimos que usa la fotografía como punto de partida para muchas de sus obras y que la actriz le inspira en algunas de sus composiciones, bien es verdad que transformando el rostro de su musa en un personaje distinto.</p><p></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLsAT7v49PosCW3jyEWLz1HDU71XBw_64d1-SAJkGdVYrNXnSnw0Pl38LKip6Hp7lATYwUmLWQKw0kAFmxudfHU2-LGlZO-kJvuxx1cJ_JL80ntD5_ppfSG2eTvYmcZXHaYPcttECowRsx/s1154/photos+de+Fumi+nikaido.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="843" data-original-width="1154" height="474" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLsAT7v49PosCW3jyEWLz1HDU71XBw_64d1-SAJkGdVYrNXnSnw0Pl38LKip6Hp7lATYwUmLWQKw0kAFmxudfHU2-LGlZO-kJvuxx1cJ_JL80ntD5_ppfSG2eTvYmcZXHaYPcttECowRsx/w648-h474/photos+de+Fumi+nikaido.jpg" width="648" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3bgfBAHXSFmBZoaNwatjyfIEUed8waO-gaPBfwa8tCapKiIQHFpxkcD7m4A0xynw-lM2EmbU8xtDu8qvAPZP2UMVsAOXLEK5g0nZtWNUvOJ2exR18DF2t5pKdDWIpZzRaDtad7jrXoLrf/s2046/D0D8LTBUcAEpKjF.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2046" data-original-width="2043" height="648" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3bgfBAHXSFmBZoaNwatjyfIEUed8waO-gaPBfwa8tCapKiIQHFpxkcD7m4A0xynw-lM2EmbU8xtDu8qvAPZP2UMVsAOXLEK5g0nZtWNUvOJ2exR18DF2t5pKdDWIpZzRaDtad7jrXoLrf/w646-h648/D0D8LTBUcAEpKjF.jpg" width="646" /></a></div><br /><p>Para saber más sobre este pintor deberíais seguir su <a href="https://twitter.com/yu_kawashima" target="_blank">twitter</a> o verle en persona en el siguiente vídeo.</p>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="415" src="https://www.youtube.com/embed/D3OCBeorz-Q" width="660"></iframe></div><div><br /></div><div><div><span style="font-family: inherit;">También podéis ver en este mismo blog:</span><br /><br /></div><div style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 12px;"><a href="http://algargosarte.blogspot.com.es/2014/10/ukiyo-e-imagenes-de-un-mundo-flotante.html">UKIYO-E, IMÁGENES DE UN MUNDO FLOTANTE. LA PINTURA POPULAR JAPONESA DURANTE EL SHOGUNATO TOKUGAWA.</a></div></div><div style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 12px;"><br /></div><div><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: 12px;"><a href="https://algargosarte.blogspot.com/2014/10/ikenaga-yasunari-pintor-japones-nihonga.html" target="_blank">IKENAGA YASUNARI. PINTOR JAPONÉS "NIHONGA". LA BELLEZA FEMENINA, UN "HAIKU".</a></span></span></div>Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-45574674980135537272020-07-10T13:11:00.002+02:002020-07-10T13:11:49.192+02:00EL EXAMEN DE HISTORIA DEL ARTE DE LA EBAU DE JULIO DE 2020. COMUNIDAD DE MADRID.La posibilidad de que este año por motivo del Coronavirus queden abiertas las preguntas de las dos opciones, ha hecho que este examen de temario inabarcable pueda ser asequible para los alumnos. Voy a analizar el examen y ponerme en la piel del alumno medio y pensar qué elegiría para realizar.<br />
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Este es el examen de 9 de julio de 2020 de Historia del Arte de la Comunidad de Madrid.<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="900" msallowfullscreen="" src="https://app.box.com/embed/s/ha8sdgwdy969ob71ht55rtfme55h3icq?sortColumn=date&view=list" webkitallowfullscreen="" width="640"></iframe>
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Bajo la nueva fórmula de examen COVID se pueden elegir dos preguntas cualesquiera entre las cuatro que valen dos puntos. Es decir podíamos hacer los dos temas o las dos imágenes o un tema y una imagen. Analicemos el examen.<br />
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<b><span style="color: blue;">Los temas.</span></b><br />
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No creo que ninguno ofrezca ninguna dificultad. La verdad es que son extensos y se puede escribir bastante sobre cada uno. El problema estaría en que sólo valen dos puntos.<br />
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el tema en la opción A ha sido: "<i><b>LA ARQUITECTURA EN LA ROMA ANTIGUA</b>, atendiendo a los siguientes epígrafes: a) Características generales b) Principales tipos de edificios y su función, con ejemplos representativos de cada uno de los tipos."</i> Para mi es uno de mis temas favoritos y es fácil de exponer y se pueden poner infinidad de ejemplos, por lo que sin duda lo hubiera elegido para hacer el comentario.<br />
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El tema de la opción B, <i><b>LA ESCULTURA BARROCA</b>, atendiendo a los siguientes epígrafes: </i><i>a) Características generales </i><i>b) Principales escultores y obras más representativas en España. </i>No creo que sea un tema difícil, pero sí en comparación al anterior, porque exige centrarse en la escultura española donde hay muchos autores y escuelas y, sin embargo desprecia la escultura italiana y la obra de Bernini, que es mencionada en los epígrafes de la asignatura a través de 4 obras. Si quisiera lucirme y sabiendo que puedo contestar cualquier pregunta tal vez elegiría ésta para impresionar al corrector. Teniendo en cuenta la media de los alumnos que se presentan a la prueba como alumno la descartaría y buscaría una imagen de la que pudiera decir muchas cosas.<br />
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<b><span style="color: blue;">Imágenes de obras de arte.</span></b><br />
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Las dos imágenes que han caído son muy reconocibles. Sin embargo, creo que hay una mucho más fácil para desarrollar un comentario que la otra.<br />
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Sin duda elegiría la de la opción B: <b><span style="color: #990000;">el exterior de la iglesia bizantina de Santa Sofía</span></b>. Es la síntesis de los elementos principales de construcción de la arquitectura bizantina. aunque hay unos confusos minaretes turcos que pueden equivocar al alumno. Una vez que acabemos de describir los elementos externos, podríamos pasar a analizar su aspecto interno y acordarnos de los mosaicos que la decoraban. Planta, Justiniano, siglo VI .... Da para escribir mucho.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQFQMsTumoZSsu5oL1ljE2CgIoem-MkxIjUKPh74N0s2IjDGBV5dw2X87FVJDNis1IxqRXkLo7IyLQdTaIwz5tzS2_NmapP-d7zo_PNL6HEAmOyBcYd0UXfdKtuMcSbOPe-eVqNSmZHBLh/s1600/santa+sofia+exterior.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1040" data-original-width="1450" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQFQMsTumoZSsu5oL1ljE2CgIoem-MkxIjUKPh74N0s2IjDGBV5dw2X87FVJDNis1IxqRXkLo7IyLQdTaIwz5tzS2_NmapP-d7zo_PNL6HEAmOyBcYd0UXfdKtuMcSbOPe-eVqNSmZHBLh/s640/santa+sofia+exterior.jpg" /></a></div>
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La otra imagen, la de la opción B, <b><span style="color: #990000;">el Guernika de Pablo Picasso,</span></b> es muy reconocible pero probablemente el alumno no pasará por distintas razones más allá que reconcer la obra, el autor, el siglo y el tema que trata. Además es una obra del periodo de confinamiento, por lo que o no habrá dado tiempo para verla o si se ha analizado es porque también se ha visto en Historia de España, ya que interpreta el acontecimiento del bombardeo de Guernika en 1937 durante la Guerra Civil española. Por tanto, la descarto.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeHcYYnx-p3f3AJGlis_OYhx17pUVXGqa1tH4mNiUnCyA4oY11GEznkNjftLmuTqQgzVKShKx7Zk7AELRQhyphenhyphendR6ak3l3pMm_hc-x56Mn_QIkjrzrKhlfmBqrULChmcDSfL2kLGPHQ5M32-/s1600/Guernika.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="461" data-original-width="1017" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeHcYYnx-p3f3AJGlis_OYhx17pUVXGqa1tH4mNiUnCyA4oY11GEznkNjftLmuTqQgzVKShKx7Zk7AELRQhyphenhyphendR6ak3l3pMm_hc-x56Mn_QIkjrzrKhlfmBqrULChmcDSfL2kLGPHQ5M32-/s640/Guernika.jpg" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: blue;">Preguntas de tres puntos.</span></b><br />
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El nuevo formato COVID permite que también se pueda elegir 2 de las cuatro opciones que hay de preguntas que valen tres puntos. Se trata de preguntas de conceptos y de autores. En estas preguntas a su vez hay la posibilidad de elegir y descartar algunos conceptos o autores. En los términos se han de hacer 6 de los 8 términos propuestos, pudiendo obtener una calificación máxima de 0,50 puntos por término. Y de la pregunta de artistas, el alumno puede elegir 3 de los 5 artistas propuestos, explicando en cada uno de ellos la época, las características y sus principales obras, no superando las diez líneas por artista. La calificación máxima será de 1 punto por respuesta.<br />
<br />
Veamos qué dos preguntas hubiera elegido.<br />
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Creo que es mucho más fácil haber escogido las dos preguntas de los términos, puesto que son muy generales y en cinco líneas puedes describir qué son y poner algún ejemplo. Si por algún casual, hay algún término que no suena se pueden soslayar hasta dos. En los dos casos creo que no hay conceptos extraños.<br />
<br />
A.3 <b>Arte Paleocristiano, Renacimiento, Neoclasicismo, Impresionismo, bajorrelieve, dintel, pintura al temple, arco de medio punto.</b><br />
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B.3 <b>Arte Helenístico, Arte Gótico, Arquitectura del Hierro, Dadaísmo, isocefalia, orden jónico, grabado, acueducto.</b><br />
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Si, por ejemplo, creyese que hubiera alguna de las preguntas de términos que no pudiera alcanzar los tres puntos o que me puedo lucir en una de la pregunta de autores. Elegiría claramente la A.4: <b>Van Eyck, Miguel Ángel, Goya, Juan de Herrera, Mies van der Rohe. </b>Como hay que<b> </b>desarrollar solo<b> </b>3, mis opciones serían Van Eyck, Miguel Ángel y Goya/Juan de Herrera,<br />
<br />
La pregunta de autores B.4 : <b>Mirón, Murillo, Cézanne, Gropius, Kandinsky</b>. Me parece que reúne a autores menos significativos y de los que se puede decir mucho menos. Por lo cual la descartaría.<br />
<br />Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-22673249970264778582020-06-30T20:51:00.000+02:002020-07-01T18:17:27.212+02:00FRANCIS BACON. TRÍPTICO INSPIRADO EN LA ORESTIADA DE ESQUILO.<br />
<b><span style="color: #990000;">Tríptico inspirado en la Orestiada de Esquilo, 1981. Óleo sobre lienzo, en tres partes. Cada uno 198 x 147,5 cm.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
La casa de subastas Sotheby’s celebró el 29 de junio de 2020 su primera venta global digital de la era del coronavirus. El mercado del coleccionismo de arte había estado parado durante muchos meses por lo que la expectativa era grande. De las ventas destacó el «<b><span style="color: #990000;">Tríptico inspirado en la Orestíada de Esquilo</span></b>» (1981) de <b>Francis Bacon</b>, por el que se pagaron más de 84,55 millones de dólares. La venta multimillonaria de la obra de Bacon era de esperar por varias razones. En primer lugar, la obra no salía al mercado desde 1987 en que la adquirió un empresario y destacado coleccionista noruego. En segundo lugar, porque es uno de los pocos trípticos que pintó Bacon que todavía no está en un museo.<br />
<br />
Los trípticos son sus obras más icónicas y un formato al que regresó repetidamente. Entre 1962 y 1991 pintó 28 trípticos en este tamaño, fascinado por el poder y el equilibrio compositivo que le proporcionó este formato. El fascinante tríptico de <b>Francis Bacon</b> es un tratado magistral sobre la experiencia humana y sobre la tensión psicológica que atormentó al artista toda su vida. Con una grandeza escalofriante presenta trágicamente en tres lienzos sus preocupaciones atemporales: la misericordia y el castigo, la justicia y la venganza, el sacrificio y la autoconservación. Ejecutado en 1981, en el cenit de su carrera, ofrece un retorno magistral al mismo texto clásico que inspiró T<a href="http://algargosarte.blogspot.com/2015/09/francis-bacon-caracteristicas.html" target="_blank">res Estudios para Figuras de la Crucifixión, 1944, que inició el debut estílístico de Bacon</a>.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Tres estudios de figuras al pie de una Crucifixión. Óleo sobre tablero, 94 x 73.7 cm (cada tabla). c. 1944. Londres, Tate. </span></b><br />
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El tríptico que nos ocupa se inspira en la única trilogía griega antigua existente, la tragedia de la Orestiada, escrita por Esquilo en el siglo V a. C. La obra griega gira en torno a los temas de culpa y venganza. El público era consciente de que antes de zarpar hacia la Guerra de Troya, Agamenón, el rey de Argos, sacrificó a su hija Ifigenia para apaciguar a la diosa Artemisa, que estaba bloqueando el progreso de su flota. La primera obra comienza con el regreso de Agamenón a Argos, y el drama gira en torno a su esposa Clitemnestra, y su plan finalmente exitoso para asesinar al rey y vengar la muerte de su hija. La segunda obra sigue a Orestes, el hijo de Agamenón y Clitemnestra, que se venga de la muerte de su padre cometiendo matricidio. Y la tercera y última parte ve a Orestes perseguido por las Furias, antiguas deidades griegas de venganza, que lo atormentan hasta casi enloquecer. Orestes apela a Atenea, quien le organiza un juicio por sus pares.<br />
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La pintura de Bacon evita la legibilidad narrativa, pero ciertos símbolos y figuras se relacionan directamente con la tragedia griega. En la obra de Esquilo, cuando Agamenón regresa de Troya, Clitemnestra coloca túnicas rojas para que camine, presagiando su traición; aquí, el estrado sobre el que se encuentra la figura decapitada es de color rojo sangre. </div>
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En el panel izquierdo, hay siniestro rastro de sangre que se cuela por debajo de la puerta, mientras una gruesa herida de pintura roja y púrpura lacera el cuerpo de una forma monstruosa que cuelga en el aire. Posiblemente la figura representa a las Furias.<br />
<br />
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<br />
Del mismo modo, en el panel de la derecha, la mitad superior de la figura, parece estar caminando hacia la oscuridad de más allá de la puerta. El cuerpo está distorsionado más allá del reconocimiento y ni siquiera el espejo refleja la figura al fondo.<br />
<br />
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<br />
Más allá de esta inspiración en la Orestiada, la pintura representa al propio Bacon y sus propias Furias, que lo persiguieron durante toda su vida. La culpa que lo atormentaba después del suicidio de su antiguo compañero <b>George Dyer</b>, el luto por la muerte de su antiguo amante <b>Peter Lacy</b> y el rechazo y los malos tratos que sufrió por parte de su padre en su infancia. Es a través del filtro de un texto clásico como Bacon comunica a los espectadores sus aflicciones psicológicas. El mismo pintor relata que intentó "crear imágenes de las sensaciones que algunos de los episodios crearon dentro de mí. No podría pintar Agamenón, Clitemnestra o Cassandra, ya que eso habría sido simplemente otro tipo de pintura histórica cuando todo está dicho y hecho. Por lo tanto, traté de crear una imagen del efecto que se produjo dentro de mí." Algo visceral pero refinado, espantoso pero abstracto. </div>
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<br /></div>
La forma tríptica no solo refleja la estructura tripartita de Orestiada, sino que también evoca a los retablos cristianos. Bacon, a pesar de su firme ateísmo, confió en la liturgia cristiana para transmitir su sentido de la fatalidad inevitable de la existencia humana. Sobre un pedestal en forma de cruz se sienta un hombre desfigurado; dos figuras lo flanquean. El pigmento rojo sangre que se filtra desde el vacío negro en el panel izquierdo, y que se despliega debajo de la cruz en el panel central, le da a la composición una resonancia específicamente cristiana. A través de estas alusiones litúrgicas, Bacon expone las claves expresionistas de la crucifixión, en la línea de <b>Matthias Grünewald</b>.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Matthias Grünewald, Retablo de Isenheim. Temple y óleo sobre madera de Tilo, 1512-1516. </span></b><span style="color: #990000;"><b>Musee d’Unterlinden, Colmar, Francia.</b></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUJ8c4ewelbXUiS0dYbqcEQmATiY2hlkdcUJBFKWfHkAK5wOGnPjHBwMKqezpjIEUyxyK1aZovwwFSkCE5d-bPLH-320DTvg-20ebldVQpqKRZuab6BLCFPrMgsK7nzr-1lymZNWWmrW6B/s1600/Grunewald-Altar-de-Isenheim.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1218" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUJ8c4ewelbXUiS0dYbqcEQmATiY2hlkdcUJBFKWfHkAK5wOGnPjHBwMKqezpjIEUyxyK1aZovwwFSkCE5d-bPLH-320DTvg-20ebldVQpqKRZuab6BLCFPrMgsK7nzr-1lymZNWWmrW6B/s640/Grunewald-Altar-de-Isenheim.jpg" /></a></div>
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Para representar un efecto mayor de imposibilidad de escapar al destino, Bacon confina sus figuras externas dentro de estructuras en forma de jaula, un motivo que se repite a lo largo de su obra. Claustrofóbicas y expuestas, las figuras de Bacon se retuercen dentro de su atrapamiento, haciendo una mueca ante los espectadores, similar a las figuras torturadas en las jaulas de <b>Alberto Giacometti</b>. Ante las puertas que no llevan a ninguna parte, las figuras tiemblan anticipando su destino. Las formas hinchadas y oblongas demuestran la influencia perenne del biomorfismo de <b>Picasso</b> en la práctica de Bacon.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Izquierda: Alberto Giacometti. La Caja (Primera Versión), 1949-1950. Collección privada. Derecha: Pablo Picasso. Desnudo frente al mar, 1939, The Metropolitan Museum of Art.</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgADF6_AcK86b4r-EiU0hwn7t0_6O6evbdteMUZCtnzsBypE9VPXUkOzRHUHsF0D6J9p5PUnOK4QXjqZ5XimjGoLDCufAL3vyLcBHl382OXrIJh_LOhCPHL5FCsWfbheiwCsdW04S5qQY0j/s1600/giacometti+y+picasso.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="907" data-original-width="1185" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgADF6_AcK86b4r-EiU0hwn7t0_6O6evbdteMUZCtnzsBypE9VPXUkOzRHUHsF0D6J9p5PUnOK4QXjqZ5XimjGoLDCufAL3vyLcBHl382OXrIJh_LOhCPHL5FCsWfbheiwCsdW04S5qQY0j/s640/giacometti+y+picasso.jpg" /></a></div>
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</div>
<br />
Las formas biomórficas desfiguradas del tríptico están cargadas de un malestar inquietante y de una corriente surrealista, que adivina violencia erótica en la línea de <b><span style="color: #990000;">El Gran Masturbador</span></b> de <b>Salvador Dalí</b>. La cabeza de la figura central se desliza hacia abajo y se ubica en los genitales. De la boca salen dientes que brillan en la carne hueca para atraer a los espectadores directamente a la boca de la bestia. Establecido como el punto focal de la pintura, los dientes dentados de la figura central, también pueden ser una metáfora de una herida.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrpYv-BRbM4bsnM-DLz9TzWUd9r9pWor2oTkqTOna6ZSLkzeFba5zTPqxjq65MzizbD8Y5l7LaBfMJBhnqYonFYxKq9I7aICvd6Awo2ewPummEBqmjNRJRmO7_wCemAXNgN6svTWEIPwfd/s1600/Imagen12.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1041" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrpYv-BRbM4bsnM-DLz9TzWUd9r9pWor2oTkqTOna6ZSLkzeFba5zTPqxjq65MzizbD8Y5l7LaBfMJBhnqYonFYxKq9I7aICvd6Awo2ewPummEBqmjNRJRmO7_wCemAXNgN6svTWEIPwfd/s950/Imagen12.jpg" /></a></div>
<br />
Muchos más misterios y símbolos personales esconden los lienzos aparentemente sin muchos detalles de Bacon: como la silla que se entrevé en la oscuridad de la habitación, el espejo sin reflejo o las puertas que no llevan a ninguna parte... Una personalidad compleja ya tormentada.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWJAdFLSD0ZqSMY-h5DCMH1wxQD2tkrw77qjszAxF9juk6hU7ndIipCaC4nu2ss3gnbS2KBqr_nbBwx8bs-MKcNjmqLCj58jRD9iQR4w0ekvk9a701lgxiM7an8dfKAMRuOTGDPBH3YSwP/s1600/Francis+Bacon+in+his+London+studio%252C+1966.+Photo+by+Mario+Dondero.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1073" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWJAdFLSD0ZqSMY-h5DCMH1wxQD2tkrw77qjszAxF9juk6hU7ndIipCaC4nu2ss3gnbS2KBqr_nbBwx8bs-MKcNjmqLCj58jRD9iQR4w0ekvk9a701lgxiM7an8dfKAMRuOTGDPBH3YSwP/s950/Francis+Bacon+in+his+London+studio%252C+1966.+Photo+by+Mario+Dondero.jpg" /></a></div>
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<b><span style="color: blue;">Más sobre Francis Bacon en este otro artículo del blog.</span></b><br />
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
<b><span style="color: blue;"><a href="https://algargosarte.blogspot.com/2020/06/francis-bacon-triptico-inspirado-en-la.html" target="_blank">Francis Bacon. Características artísticas de un pintor inclasificable.</a></span></b><br />
<br />Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-45503417468104841312020-05-25T17:42:00.001+02:002020-05-25T17:42:58.690+02:00LOS RELIEVES DE LA PUERTA ROMÁNICA DE LA IGLESIA DE SANTA MARÍA EN CAPITOLIO DE COLONIA.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrVa-7lknh64p5CCRKozWTHlqFlzbNBvO_c0FWOxSYU8XIhVe5AChP1sMqczypkVIaitjrIORcfssMfGh6O8KujyHAWxyTp1CfkYX1Cn_PXJg35yoeiw9pv8fk2sHQ4xY9K0QjrVC475Ud/s1600/vista+general.+mediados+del+siglo+XI.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="834" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrVa-7lknh64p5CCRKozWTHlqFlzbNBvO_c0FWOxSYU8XIhVe5AChP1sMqczypkVIaitjrIORcfssMfGh6O8KujyHAWxyTp1CfkYX1Cn_PXJg35yoeiw9pv8fk2sHQ4xY9K0QjrVC475Ud/s1220/vista+general.+mediados+del+siglo+XI.jpg" /></a></div>
<br />
Hay algunas obras románicas que a mi juicio no han sido suficientemente valoradas por la historia del Arte y que son todavía casi unas desconocidas hasta para estudiosos de este estilo. En este artículo voy a resaltar una de ellas, las impresionantes <b style="color: #990000;">tallas en madera de la puerta de la iglesia de Santa María en el Capitolio, de Colonia</b>, que podéis ver con todo su esplendor en la imagen superior. Esta obra tiene tres elementos excepcionales para merecer ser destacada: su antigüedad, el material en que se hicieron los relieves y su expresividad estilística.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Detalles de dos de las escenas de la puerta con momentos de los apóstoles y Cristo en Getsemaní. Los apóstoles durmiendo y la amonestación de Cristo a Pedro y al resto de los apóstoles por no velar junto a él en esa noche. La labra es preciosista en los marcos, pero además se aprecian el detalle y la expresividad de las figuras y los restos de policromía, que hacen de esta obra algo excepcional.</span></b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwjwlYXL5wU8iBSH9ZtkcdE_xHtni9WRLkSSjTpuaSOM3CWjR4s43S-oyAVLnLwQxJGKWprMUN08dereJVvJ6Wap6PE4_Rs7ZAc-6a4XOyUTk0jlnNYtSexRW6tzPTUHfnOH4JW0rpvOMl/s1600/Christ+in+Gethsemane%252C+the+sleeping+apostles+-+Christ+appoints+Petrus+and+the+twelve+disciples+2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="848" data-original-width="1215" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwjwlYXL5wU8iBSH9ZtkcdE_xHtni9WRLkSSjTpuaSOM3CWjR4s43S-oyAVLnLwQxJGKWprMUN08dereJVvJ6Wap6PE4_Rs7ZAc-6a4XOyUTk0jlnNYtSexRW6tzPTUHfnOH4JW0rpvOMl/s640/Christ+in+Gethsemane%252C+the+sleeping+apostles+-+Christ+appoints+Petrus+and+the+twelve+disciples+2.jpg" /></a></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<b><span style="color: blue;">Sobre la iglesia románica y la antigüedad de la puerta. </span></b><br />
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
<br />
Santa Maria "im Capitol" es la Iglesia de Nuestra Señora más antigua de Colonia. Y con sus 100 metros de largo y 40 de ancho, es también la mayor de las doce iglesias románicas del casco antiguo de la ciudad. Su sufijo "im Capitol" ("en el Capitolio") se refiere a que fue construida sobre el antiguo templo romano dedicado a la triada capitolina que habría en ese lugar desde el siglo II d. C. en la antigua ciudad romana de Colonia (<i>Colonia Claudia Ara Agrippinensium</i>). Hubo una iglesia intermedia, que sería la que propiamente se asentó sobre los cimientos del templo capitolino alrededor del año 690. La iglesia actual fue erigida entre los años 1040 a 1065 como templo de la fundación agustina canonesa (orden secular femenina). Fueron sus patronos dos nietos del emperador <b>Oton II</b>, la abadesa <b>Ida</b> y su hermano <b>Hermann II</b>, obispo de Colonia y consejero hasta 1056 del emperador <b>Enrique III</b>. La puerta es coetánea a la iglesia románica erigida a mediados del siglo XI.<br />
<b><br /></b>
<span style="color: #990000;"><b>La iglesia de Santa María en Capitolio de Colonia tiene una cabecera al este con forma de trébol con tres ábsides. El principal recepciona el altar y los dos perpendiculares de los brazos sirven de acceso desde la calle y desde el monasterio respectivamente. Tiene nave longitudinal y naves laterales que llevan a un westwerk o macizo occidental flanqueado por dos torres. Las dimensiones y forma de la cabecera son una copia exacta de la Iglesia de la Natividad en Belén. Posee también una cripta donde fueron enterrados los fundadores</b></span><b style="color: #990000;">. Este programa de construcción refleja las ambiciones políticas del arzobispo. El altar de la cruz y la nave del nuevo edificio fueron </b><span style="color: #990000;"><b>consagrados en 1049 por Bruno von Worms , recién elegido Papa León IX. Sin embargo, su construcción continuó hasta 1065</b></span><b style="color: #990000;">.</b><br />
<b style="color: #990000;"><br /></b>
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8BvNb8WqmNRn8Vnefc2s5Ls0s7XwNk6KBp4mOzF64FWj52-2nHCfEe5rNoU3Rvx44NIA-iJJf81-vGBQcAwJknCgqrG5Xhy0cZeUnvk5XR_V6xvrqt_ZlX7rQTXRivLI_6L3bxpR_FZGa/s1600/iglesia+de+santa+maria+in+capitl.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1022" data-original-width="1261" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8BvNb8WqmNRn8Vnefc2s5Ls0s7XwNk6KBp4mOzF64FWj52-2nHCfEe5rNoU3Rvx44NIA-iJJf81-vGBQcAwJknCgqrG5Xhy0cZeUnvk5XR_V6xvrqt_ZlX7rQTXRivLI_6L3bxpR_FZGa/s640/iglesia+de+santa+maria+in+capitl.jpg" /></a></div>
<br />
La edad de la puerta ha sido confirmada por los dendrólogos que la datan con mucha precisión. Los robles con los que se hicieron los tablones verticales fueron talados hacia 1039. Esto confirma que es la puerta original que fue tallada e instalada como puerta de entrada principal del ábside norte hacia el 1060.<br />
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<b><span style="color: blue;">Sobre el madera y su conservación.</span></b><br />
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El portal no sólo es excepcional por su edad, si no también porque está construida totalmente en madera y ésta ha perdurado durante casi mil años de antigüedad. Sabemos que una puerta de entrada de madera de calidad y bien mantenida puede aguantar siglos y de hecho se conservan todavía algunas en un estado aceptable del Barroco o del Renacimiento. Pero puertas que se remonten a la Edad Media y a un tiempo más allá, ya son excepcionales. Del siglo XI, se puede decir que es la única que se conserva. A modo de comparación, puede que la más antigua que conservemos en España se remonte al siglo XIII y, aunque estéticamente es bella, no busca ser una referencia iconográfica como la de Colonia, sino que es puramente funcional.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Puerta de dos hojas de la fachada sur de la entrada a la iglesia del monasterio de San Salvador de Vilar de Donas, Lugo. Está hecha con madera de castaño y data del siglo XIII. Los paños de la parte exterior están reforzados con elementos de forja. Los herrajes tienen motivos vegetales. La parte interior está unida con seis traviesas y listones de madera en cada una de las hojas. </span></b><br />
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<br />
<b><span style="color: #990000;">Esta puerta de la iglesia del monasterio de San Salvador de Vilar de Donas nos puede servir además para darnos una idea sobre cómo pudo conservarse la de Colonia, puesto que vemos que conserva un porche (hoy cerrado por una cubierta moderna) que la preservaba de las inclemencias del tiempo.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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Sorprende además de la puerta de Santa María in Capitol que esté bastante completa. La lógica degradación de la edad, la intemperie, las humedades, los hongos y las termitas no han podido con ella. Teniendo en cuenta los años que posee, tampoco el ser humano la han dañado notablemente. El desgaste por el uso y el roce de miles de personas es evidente, pero lo más milagrosos es que ha salido indemne de peligros mayores como el vandalismo o las destrucciones de las guerras.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Los principales daños de la puerta de Santa María in Capitol están en la parte inferior de la puerta. Han desaparecido filigranas de las molduras decorativas y una de las tablas verticales con santos en la hoja izquierda. Parece evidente que l</span></b><b><span style="color: #990000;">as figuras del piso inferior e</span></b><b><span style="color: #990000;">stán muy deterioradas porque son las que estaban al alcance de las personas. En los pisos superiores, sin embargo, los principales daños se concentran a lo sumo en los rostros de algunos personajes.</span></b><br />
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<br />
Una de las circunstancias principales que han salvado la puerta es que tras unas décadas de estar a merced de la intemperie, en el siglo XII, fue cubierta con un porche de entrada que le evitó la humedad de la lluvia y los cambios bruscos de temperatura.<br />
<br />
También ha sido un factor decisivo para su conservación la calidad de la madera escogida para crear tanto la estructura de la puerta como sus relieves. Las hojas de la puerta están hechas con tres tablones de roble verticales y los paneles y marcos están tallados en nogal, maderas muy apreciadas en ebanistería por su resistencia. El roble es relativamente más barato que el nogal, por lo que era ideal como estructura de soporte. El nogal era más denso y más adecuado para aquellas partes labradas que están más expuestas al exterior y al desgaste por el roce. La sabia elección de trabajar sobre el duramen (parte interior más densa y dura del tronco) para realizar la obra ha servido para librarse de los xilófagos de la madera, las terribles termitas y los hongos de pudrición, que prefieren alimentarse de maderas más blandas.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Detalle del panel de Jesús y sus apóstoles en un extraño Pentecostes o Asunción a los cielos. Las caras de casi todos han sido borradas por la erosión del roce puesto que esta placa queda a metro y medio del suelo. La imagen nos permite ver el roble inferior de la tabla soporte y los clavos de hierro que fijan la madera del panel horizontal a la misma. Arriba a la derecha se puede ver el hueco de un clavo grueso que fijaría un pomo con forma de piña como los otros dos que están en esa banda. Estos pomos servían de tiradores y al mismo tiempo de topes sobresalientes para preservar los relieves cuando las puertas se abrían. </span></b><br />
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<br />
En el siglo XX, el ser humano fue determinante para ayudarla a subsistir y paradójicamente para estar a punto de hacerla desaparecer. En en este siglo cuando el románico se revaloriza y se toma conciencia del valor artístico de la obra por lo que se actuó con diligencia para impedir su destrucción. A comienzos del siglo XX se la despojó de su función como puerta física de entrada a la iglesia y para protegerla se la trasladó a un lugar cercano pero más interior de ese vestíbulo. En los años 30 se hicieron trabajos de limpieza y de restauración que destaparon la policromía que contenía y la cercaron con una verja de hierro para evitar que fuese toqueteada. Durante la Segunda Guerra Mundial, para evitar la destrucción por los bombardeos que sufrió Colonia, fue desmontada y ocultada en distintos lugares de Alemania. Hasta 1950 no regresó a la iglesia pero ya sólo para adornar el pasillo sur.<br />
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<b><span style="color: #990000;">La puerta en su ubicación actual con la verja metálica que hace tan difícil hoy fotografiarla.</span></b><br />
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<b><span style="color: blue;">Lo que hoy tenemos. Descripción.</span></b><br />
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Lo que hoy conservaos es una magnifica puerta de dos hojas de 485 cm de alto por 248 cm de ancho. Cada una está formada por una estructura de tres robustos tablones de roble verticales de 5 centímetros de espesor sobre los que se han clavado marcos ornamentales (molduras y piñas decorativas redondas) y paneles figurativos tallados en madera de nogal. Cada ala dispone de tres escenas transversales apaisadas que ocupan todo el ancho y dos grupos de relieves emparejados en vertical de la mitad de tamaño. En la base se sitúan dos relieves verticales más por ala. En algún momento se perdió una de las placas y algunas partes de las molduras.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Detalles de la parte media de la puerta con sus molduras, pomos y los paneles apaisados y los de forma más cuadrangular o cortos.</span></b><br />
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<b><span style="color: blue;">Sobre su inspiración y el entronque con la tradición imperial. </span></b><br />
<br />
Como ya he dicho, es uno de los pocos ejemplos medievales que sobreviven de este tipo de puertas de paños de madera con relieves. Sin embargo, conservamos los vestigios de dos supervivientes lígneos mucho más antiguos, nada menos que del siglo V: las puertas de <b><span style="color: #990000;">S. Ambrogio en Milán</span></b> y de <span style="color: #990000; font-weight: bold;">Santa Sabina en Roma</span>. La puerta de Colonia se puede comparar con ellas, por su calidad y por su tamaño. A mi juicio, e independientemente de los marcos de piedra, la nuestra gana a las anteriores en belleza y en conservar más elementos originales y menos restauraciones reinterpretativas. De las puertas paleocristianas me interesa especialmente su edad y que son las precursoras del uso didáctico que le da el cristianismo a las puertas y a las zonas de acceso de sus iglesias: servir de libro gráfico para que los fieles comprendan los pasajes claves del Nuevo y Antiguo Testamento. Estas puertas -y probablemente otras más desaparecidas- son evidencias de que existían en el siglo XI y, por tanto, que pudieron ser la inspiración para la fábrica de la puerta monumental de Colonia, un libro instructor muy expresivo para difundir los mensajes del cristianismo a una masa de población iletrada.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Detalle de la parte superior de la puerta lígnea que da acceso a la nave principal desde el atrio de San Ambrosio de Milán, finales del siglo IV. Los fragmentos originales se encuentran en el museo diocesano. La puerta sufrió modificaciones en el siglo XVIII por lo que el aspecto de la actual puerta protegida por un cristal trasluce unos relieves de no mucha antigüedad. Son más interesantes los relieves en piedra a bisel de su marco arquitectónico.</span></b><br />
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<b><span style="color: #990000;">La puerta lígnea de la basílica de Santa Sabina, data de la segunda mitad del siglo V. Es la más original de las dos puertas paleocristianas que aporto. Está hecha de madera de ciprés. Originalmente estaba formado por 28 cuadrados, pero sólo le quedan 18. Está enmarcada en una estructura en mármol de época flavia. Mide 5,41 metros de alto por 3, 22 de ancho, pero probablemente midiera mucho más de ancho puesto que parece haber sido adaptada para el marco exterior de mármol, lo que hace pensar que no era este su lugar inicial ni es todo lo original que debiera. Es evidente que su estado actual refleja numerosas restauraciones en diversos siglos. Las escenas representadas provienen del Antiguo y del Nuevo testamento, pero no parecen seguir una narrativa lógica, posiblemente porque la puerta fuese desmontada y luego recompuesta con los retazos mejor conservados.</span></b><br />
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Y es que en Centroeuropa, desde que se creó el Sacro Imperio Romano Germánico por Carlomagno, la élite gobernante buscó recuperar el espíritu romano. Éste admiración imitativa siguió en Alemania durante la dinastía otoniana (siglo X) y perduró durante la primera mitad del siglo XI, siglo ya considerado románico. Las dinastías del Sacro Imperio pretendían entroncar la idea de su Imperio con la antigüedad tardía y con la realidad bizantina y uno de los medios para conseguirlo era recuperando las formas artísticas tradiciones. Desde el punto de vista de las artes figurativas se pusieron en marcha varios proyectos que bebían en esas fuentes de inspiración, los más llamativos fueron los miniados de códices en pintura y los relieves narrativos en distintos materiales y formatos: diversos objetos en marfil y puertas monumentales en bronce y madera.<br />
<br />
<b><span style="color: blue;">¿Qué tradición figurativa había en Alemania antes de mediados del siglo XI?</span></b><br />
<br />
En miniado, la más destacada de las obras que más pudieron influir sobre nuestra puerta, son los <b><span style="color: #990000;">"<i>Evangelios de la abadesa Hitda de Meschede</i>"</span></b>. Se da la circunstancia que también fue realizado en Meschede, un monasterio de mujeres de Westfalia con estrechas conexiones con Colonia. Hay investigadores que dicen que fue encargado por nuestra abadesa Ida, la que mandó construir la <b><span style="color: #990000;">iglesia de Santa María del Capitolio</span></b>, aunque la mayor parte piensa que la mecenas fue otra abadesa de nombre parecido, Hitda, también emparentada con la familia real otoniana y borgoñona. Este códice revela una influencia muy profunda del estilo bizantino hasta en los rasgos fisonómicos de los personajes. Las escenas bíblicas son de gran formato y centradas en los personajes principales, como los paneles de nuestra puerta. En cuanto al estilo, hay también una cierta relación basada la expresividad de los personajes y la variedad cromática, con pinceladas intensas y vivos colores.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">El Codex de Hitda es una selección de pasajes de los Evangelios, encargado aproximadamente hacia el 1020. Se conserva en el Hessische Landesbibliothek, Darmstadt, Alemania. Dos escenas del códice con la Anunciación y el bautismo de Cristo en el Jordán. Me interesa la contextualización espacial de las escenas con estructuras arquitectónicas y vegetación de ribera, respectivamente, que las hace muy interesantes.</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfzAcfE_8y3dJJ7voE5F87B5K8XY0gchc9N54b-oM4DORkcSD1l3XAnnlZmQ5umnWx2nD1FlwbfTR0cFySCyQEFQzJeJkelFh-cVaNMNm94g29K0H8OUfCp-WHg4yZU9BNdrfYnec3rxn7/s1600/evangelariod+e+hitda+1020.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="996" data-original-width="1438" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfzAcfE_8y3dJJ7voE5F87B5K8XY0gchc9N54b-oM4DORkcSD1l3XAnnlZmQ5umnWx2nD1FlwbfTR0cFySCyQEFQzJeJkelFh-cVaNMNm94g29K0H8OUfCp-WHg4yZU9BNdrfYnec3rxn7/s640/evangelariod+e+hitda+1020.jpg" /></a></div>
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<b><span style="color: #990000;">La iluminación representa a la propia Hitda con un vestido negro y un velo con cordones blancos, presentando un libro costoso a una estatua de San Walburga, la santa patrona de Meschede. Su interacción tiene lugar debajo de una elaborada superestructura arquitectónica de la iglesia. San Walburga fue una abadesa del siglo VIII del monasterio de Heidenheim. Fue venerada como protectora contra el hambre y la peste, y su culto se extendió por Alemania, Flandes y Francia. </span></b><span style="color: #990000;"><b>La imagen evoca un marfil bizantino que representa la coronación del emperador Otto II y la emperatriz Teófano, y reconoce conscientemente la posición superior aristocrática y espiritual que la abadesa tenía sobre la congregación de clérigos y parroquias subordinadas pertenecientes a la fundación, también como sobre la comunidad de hermanas.</b></span><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzxx4uWNrpes5hKsLjGeQEVHW2dxKU0pn_1WA2BrdZ6aKLBeQ25RLWDcU71lo0843Cs50Jpiiv6qXHmhI-j1ICFvjfJJAT6GFSrWwSfrRwMp6xqQtULaBF8oGUpI_UXo5JSA8r3Wlw12e5/s1600/Hitda_Codex_-_dedication_miniature_f6r_-_DarmBib_1640.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1125" data-original-width="832" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzxx4uWNrpes5hKsLjGeQEVHW2dxKU0pn_1WA2BrdZ6aKLBeQ25RLWDcU71lo0843Cs50Jpiiv6qXHmhI-j1ICFvjfJJAT6GFSrWwSfrRwMp6xqQtULaBF8oGUpI_UXo5JSA8r3Wlw12e5/s850/Hitda_Codex_-_dedication_miniature_f6r_-_DarmBib_1640.jpg" /></a></div>
<br />
La fascinación por el marfil bizantino es un hecho desde el siglo X. Conservamos numerosos ejemplos en la regíón renana. El marfil sirve para decorar objetos ceremoniales como libros, relicarios y muebles. Se engastan placas de marfil de origen bizantino o local en las tapas de evangeliarios.<br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<b><span style="color: #990000;">La pieza que mejor representa esta influencia es la muy conocida Crucifixión de Tongres, donde se aprecian los característicos conceptos de volumen y serenidad de las figuras a la antigua. En la parte inferior de la placa están las personificaciones de "Tierra" (izquierda) y "Mar" o " Agua "(derecha), mientras que" Sol "y" Luna "están en la parte superior.) alrededor de 1000.</span></b><br />
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El evangeliario de Ulrico (Oudalricus-Evangelistar), un abad del monasterio de Lorsch que murió en 1075, tiene una preciosa encuadernación del manuscrito con una placa de marfil tanto en la portada como en la contratapa. La que está en la portada, que representa la crucifixión, las tres mujeres ante la tumba y la ascensión, probablemente se produjo en Franconia durante el siglo XI. Los marcos ornamentales de marfil pueden datarse en los siglos XII o XIII.<br />
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A veces se llegó al mismo pastiche por imitar las formas bizantinas, como en la placa de marfil de Otton II y su esposa bizantina Theophana. Toda la iconografía y técnica corresponden al arte griego, sin embargo los letreros son latinos, aunque realizados en caracteres helenos.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Marfil que representan al emperador Otton II y su esposa Theophana, coronados y bendecidos por Jesucristo. Museo de Cluny, París, 982-983. </span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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Pero los marfiles que más relación tienen con nuestras puertas son los dieciséis paneles de Magdeburgo-Sforza. Es un conjunto de marfiles sobrevivientes que ilustran episodios de la vida de Cristo. Puede que decoraran algunos muebles litúrgicos, como una puerta de presbiterio, un púlpito o un frontal de altar. Lo que es indudable que formaban parte de un conjunto del que probablemente hemos perdido más de la mitad de las placas. Hay investigadores que lo atribuyen a talleres milaneses, un importante centro imperial y artístico, pero otros hablan de talleres centroeuropeos. Lo interesante de estas placas son las formas que se presentan bajo un aspecto bidimensional, en el que se ha excluido toda referencia a la perspectiva. Un lenguaje simplificado y con tendencia a la geometrización que anuncia ya el hieratismo románico.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Esta placa representa a Cristo entronizado sobre un fondo de tablero de ajedrez abierto. Está bendiciendo un modelo de una iglesia que le presentó el emperador Otto el Grande (r. 962–973) y una gran cantidad de santos, incluido San Pedro, con las llaves que nos permiten reconocerlo. El marfil estaba destinado a la iglesia imperial de Otto dedicada a San Mauricio en Magdeburgo (Sajonia), que fue elevada a la sede de un arzobispado en 968. MET de Nueva York.</span></b><br />
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Todas las placas de los marfiles de Magdeburgo miden casi 13 cm de alto por 12 cm de ancho.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Cristo sanando a los poseídos de Gerasa, c. 968 d. C., marfil - Hessisches Landesmuseum Darmstadt - Darmstadt, Alemania.</span></b><br />
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No es descabellado que el arzobispo <b>Hermann II</b> (1036 a 1056) y su hermana <b>Ida</b>, personajes influyentes del Imperio y cofundadores de la iglesia de Colonia, hubieran podido admirar estos ejemplos de libros miniados y marfiles, Pero sobre todo, habrían admirado las magníficas puertas de bronce que encargó el obispo y santo Bernward el año 1015 para la catedral de Hildesheim. Es probable que en su diseño imitase los antiguos ejemplos paleocristianos.Las puertas muestran imágenes en relieve de la Biblia, escenas del Libro del Génesis en la puerta izquierda y de la vida de Jesús en la puerta derecha. Se considera el ciclo de imagen monumental más antiguo conocido en la escultura alemana, y también el ciclo más antiguo de imágenes fundidas en metal en Alemania.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Las puertas de Bernward en la Catedral de Santa María de Hildesheim. Bronce, hacia el año 1015.</span></b><br />
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En esta puerta ya se puede ver claramente que Bernward quiso pasar de las imágenes religiosas hechas para unos pócos, los que podían tener un libro o un marfil, a la explicación didáctica de las verdades de fe del cristianismos a una población general, de la que buena parte de todavía era pagana e iletrada. Ese sentido ético y narrativo sería la seña de identidad del nuevo estilo románico.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Las puertas de Bernward en la Catedral de Santa María de Hildesheim. Bronce, hacia el año 1015. Detalle de la anunciación. </span></b><b><span style="color: #990000;">La composición de la escena es simple y efectiva</span></b><span style="color: #990000;"><b> en un espacio arquitectónicos que representa un paisaje urbano y una habitación a la vez. Las figuras están en alto relieve, especialmente las cabezas que quedan totalmente libres del fondo. Sin embargo, este guiños a la realidad tridimensional se contrarresta por la planitud del fondo y porque los los pies sobresalen del suelo.</b></span><br />
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Por todo lo anteriormente dicho, podemos concluir que nuestra puerta de madera de Colonia era un proyecto único. Que respondía a un empeño personal de un mecenas, alguien que concibió la idea y que también puso cuantiosos medios pecunarios para encargarla. También podemos concluir que fue fruto de un contexto histórico en el que confluía una tradición de siglos anteriores con una nueva era, Todavía pervivía el gusto de una élite de época carolingia y otoniana que pretendía imitar formas expresivas que revivieran la gloria imperial con las nuevas necesidades de la iglesia y la sociedad que patrocinaban obras que llegaran a un público amplio, al que había que adoctrinar con imágenes sencillas. Y, por último, de estas reflexiones previas también hemos sacado la idea de que en Colonia y en la zona de Renania-Franconia había grupos de artistas o artesanos capaces de realizar este proyecto, ya fuera en trabajo en miniado, marfil o bronce... ¿y por qué no en madera?.<br />
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<b><span style="color: blue;">La iconografía y el estilo de la puerta de Santa María en Capitolio de Colonia.</span></b><br />
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Sobre la puerta de Santa María in Capitol de Colonia, se representan 22 escenas que cuentan momentos de la vida de Cristo según el nuevo testamento de una forma muy didáctica y expresiva.<br />
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El ala izquierda está dedicada a la infancia y juventud de Cristo (desde la Anunciación a María hasta el bautismo de Cristo). Mientras que la derecha ofrece los momentos claves de la pasión, muerte y resurrección de Cristo. Los paneles han sufrido cambios en su lugar original por lo que algunas escenas se adelantan a otras. En los cuatro paneles inferiores, que se extienden sobre ambas alas, se muestran la tentación de Cristo y su glorificación por parte de los ángeles.<br />
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<b><span style="color: #990000;"><a href="https://de.wikipedia.org/wiki/Holzt%C3%BCr_von_St._Maria_im_Kapitol" target="_blank">Identificación de los paneles según la Wikipedia.</a></span></b><br />
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<table class="wikitable" style="background-color: #f8f9fa; border-collapse: collapse; border: 1px solid rgb(162, 169, 177); color: #202122; font-family: sans-serif; font-size: 14px; margin: 1em 0px;"><tbody>
<tr><th style="background-color: #eaecf0; border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em; text-align: center;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">Ala izquierda (nacimiento y adolescencia)</span></span></th><th style="background-color: #eaecf0; border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em; text-align: center;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">Derecha (vida, Pasión, muerte y Resurrección) </span></span></th></tr>
<tr><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">1. </span></span><span style="color: #0b0080;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-image: none; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial;">Anunciación a María</span></span><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;"> y </span></span><span style="color: #0b0080;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-image: none; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial;">Visitación.</span></span></td><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">12. </span></span>Entrada en Jerusalén</td></tr>
<tr><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">2. </span></span>Anunciación a los pastores.</td><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">13. </span></span>Curación de un ciego</td></tr>
<tr><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">3. </span></span>Nacimiento de Cristo</td><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">14. Resurrección de </span></span>Lázaro</td></tr>
<tr><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">4. Los tres magos antes de </span></span>Herodes</td><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">15. Oración en </span></span>Getsemaní</td></tr>
<tr><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">5. Adoración del niño.</span></span></td><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">16. Preparación del </span></span>cordero pascual.</td></tr>
<tr><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">6. </span></span>El sueño de José<span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;"> y la huida </span></span><a href="https://de.wikipedia.org/wiki/Flucht_nach_%C3%84gypten" style="background: none; color: #0b0080; text-decoration-line: none;" title="Escape a Egipto">a Egipto.</a></td><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">17. </span></span>Sacramento de la Eucaristía</td></tr>
<tr><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">7. Herodes con dos soldados</span></span></td><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">18. Ascensión</span></span></td></tr>
<tr><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">8. Buscando consejo de los sabios</span></span></td><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">19. </span></span>Cristo en la cruz</td></tr>
<tr><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">9. </span></span>Herodes<span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;"> entrega las armas</span></span></td><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">20. A</span></span>scensión de Cristo</td></tr>
<tr><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">10. </span></span><span style="color: #0b0080;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-image: none; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial;">La matanza de los Inocentes</span></span></td><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">21. Mujeres en la tumba</span></span></td></tr>
<tr><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">11. </span></span>Ofrenda en el templo<span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;"> y </span></span><span style="color: #0b0080;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-image: none; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial;">bautismo de Cristo</span></span><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;"> en el Jordán</span></span></td><td style="border: 1px solid rgb(162, 169, 177); padding: 0.2em 0.4em;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">22. </span></span>Pentecostés</td></tr>
</tbody></table>
Hay una gran moldura cilíndrica decorada con hojas de acanto que enmarca exteriormente ambas hojas de la puerta. Esta es complementada con un listón plano con inscripciones mayúsculas en latín rotuladas en blanco sobre un fondo rojo oscuro. El texto, formulado en verso, narra lo que se representa en las escenas que circunvala. Estos volvieron a ser visibles, junto con parte de la policromía después de la restauración de 1936. El encuadre propiamente de cada uno de los relieves consiste en un entrelazado parecido a los marcos de los miniados de los libros ottonianos.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTZbN5_GJSQj0CgtJ1trDJIPV73hfaKJzcytkz8RyZDr6IMlXSVYQv3FVJhwZ-2QdAxRQYJJO8qzNPb_JSQnZG2pOZoYpFQUisj34CYF_FwzSRnL3Z7DlATr9W-_Qc8byh6DyY3Sct4xkV/s1600/texto.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="722" data-original-width="1596" height="288" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTZbN5_GJSQj0CgtJ1trDJIPV73hfaKJzcytkz8RyZDr6IMlXSVYQv3FVJhwZ-2QdAxRQYJJO8qzNPb_JSQnZG2pOZoYpFQUisj34CYF_FwzSRnL3Z7DlATr9W-_Qc8byh6DyY3Sct4xkV/s640/texto.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Anunciación y Visitación.</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgh6SSJrqA2uKVxKAJjOrVTmWNKl3NZQKL-tYZTMad7hc0EKXB9L-9yKVZUrv3iljbRdDSv9VZC2c5cHUw7DS7i4IrHZFi1nEo-VFNLMyFUwy74aRTrTHHCFFXoiNk56F2skK6Xq54nq4Hg/s1600/1anunciacion+y+visitacion.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1187" data-original-width="1520" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgh6SSJrqA2uKVxKAJjOrVTmWNKl3NZQKL-tYZTMad7hc0EKXB9L-9yKVZUrv3iljbRdDSv9VZC2c5cHUw7DS7i4IrHZFi1nEo-VFNLMyFUwy74aRTrTHHCFFXoiNk56F2skK6Xq54nq4Hg/s640/1anunciacion+y+visitacion.jpg" /></a></div>
<br />
La representación de figuras y túnicas, el lenguaje claro de los gestos, los detalles iconográficos y los patrones de composición, así como los adornos de los marcos y el esquema de color tienen paralelos en la iluminación de libros contemporáneos y la orfebrería y en la talla de marfil de Renania-Maasland. Una característica del arte otoniano es el movimiento pronunciado, vivo, casi dramático de las figuras. La postura y los gestos expresan las escenas.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Anunciación a los pastores y Natividad.</span></b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<br />
<b><span style="color: #990000;">Herodes recibe a los Magos y Adoración Reyes Magos.</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxBp_K_MxqAT9CwAssQZ4k4QsZPnseexKKLsgmCH6vwUcrytiR5OlpW6iA8gu4hUCCwwRYbgsaNdLjQ1T2fugMqZIn-r1bHTGQDmr8a6U_rVm8RqUkUHHPHjD2XugGSNHYCtJ6v1NbTxYT/s1600/3herodes+y+reyes+magos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="988" data-original-width="1600" height="394" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxBp_K_MxqAT9CwAssQZ4k4QsZPnseexKKLsgmCH6vwUcrytiR5OlpW6iA8gu4hUCCwwRYbgsaNdLjQ1T2fugMqZIn-r1bHTGQDmr8a6U_rVm8RqUkUHHPHjD2XugGSNHYCtJ6v1NbTxYT/s640/3herodes+y+reyes+magos.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: #990000;">Sueño de José y huida a Egipto.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgd7USPf5ee8qJEz-sLYdLyo-sLVAAFzcMiUdTvsMgwvhFl2X5V2Ki-IIp9R3FmZuBgsf3fkUIPHOjRtP78nCOFILcwx2VJKGcg3YoguyeIQIY6qGCRx5jeWNbbCbWHr1UjlpIIiFg1EW70/s1600/4huida+a+egipto2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1102" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgd7USPf5ee8qJEz-sLYdLyo-sLVAAFzcMiUdTvsMgwvhFl2X5V2Ki-IIp9R3FmZuBgsf3fkUIPHOjRtP78nCOFILcwx2VJKGcg3YoguyeIQIY6qGCRx5jeWNbbCbWHr1UjlpIIiFg1EW70/s640/4huida+a+egipto2.jpg" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b><span style="color: #990000;">Curación de un ciego y resurrección de Lázaro.</span></b></div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXLYXf-yUyWYBZNB4GGBk_cZAKnyk84iGLX7jrhsLcgJO5A06O9v9XOkUAz564e3crw-m5FKEO9q_dcmS7YU5ZP9S2cBONHVxrr4rlreXn976IGwCInAn7LQ8g2BSQwviHXJ_sTOqsogdz/s1600/49844914117_e6046b0ae2_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1535" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXLYXf-yUyWYBZNB4GGBk_cZAKnyk84iGLX7jrhsLcgJO5A06O9v9XOkUAz564e3crw-m5FKEO9q_dcmS7YU5ZP9S2cBONHVxrr4rlreXn976IGwCInAn7LQ8g2BSQwviHXJ_sTOqsogdz/s640/49844914117_e6046b0ae2_o.jpg" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
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<b><span style="color: #990000;">Última cena.</span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0n6psDutURNUhtvV3Bl0kmhsU0LaldiEtejy6BPl97mVN-A8vrhDEKMgFUl0aOtSSGM-JyJAlQn0BJokGM88ayWAS2CT1QU7kgicoFqdtxJJcJ2NA8tO00ujCSRpZrrXJqQLK8fJ0ZpEe/s1600/49844607871_0622b231b4_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1121" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0n6psDutURNUhtvV3Bl0kmhsU0LaldiEtejy6BPl97mVN-A8vrhDEKMgFUl0aOtSSGM-JyJAlQn0BJokGM88ayWAS2CT1QU7kgicoFqdtxJJcJ2NA8tO00ujCSRpZrrXJqQLK8fJ0ZpEe/s640/49844607871_0622b231b4_o.jpg" /></a></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipFxnHmhzXQ6aqZo5kifW_IhYOdbAqYjPg_DUflNJz1enkKWY3M-coXvjzNAhdvSQR1mW_brxAR5Qx9luulmsgmZowD7V6CFwRsxE-BT5Jx_DHhhepxYSJ_vQ4cs1WS_4OIypbC3gDz80t/s1600/49844606221_e2bfedf64e_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipFxnHmhzXQ6aqZo5kifW_IhYOdbAqYjPg_DUflNJz1enkKWY3M-coXvjzNAhdvSQR1mW_brxAR5Qx9luulmsgmZowD7V6CFwRsxE-BT5Jx_DHhhepxYSJ_vQ4cs1WS_4OIypbC3gDz80t/s640/49844606221_e2bfedf64e_o.jpg" /></a></div>
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<br /></div>
<br />Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-23480595156423346582020-05-13T22:41:00.001+02:002020-05-14T09:11:56.654+02:00KYZICOS, LA OCTAVA MARAVILLA DEL TEMPLO DE ADRIANO. EL ORDEN CORINTIO COLOSAL.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvhwgS0ZhoW4IADuh02FdqaXglx_jMQbeiA7LTH8r4y5auTFlvbwgGG_UKdMaPkv8KlbbmexTfRZWB4gsuUoyt2aDYfWRdZVOW9aZDksoDYcC_FWG2zbMPKsf-MEKYM97pzHpCiTqGUGg1/s1600/capitel+y+exacavaci%25C3%25B3n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="410" data-original-width="731" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvhwgS0ZhoW4IADuh02FdqaXglx_jMQbeiA7LTH8r4y5auTFlvbwgGG_UKdMaPkv8KlbbmexTfRZWB4gsuUoyt2aDYfWRdZVOW9aZDksoDYcC_FWG2zbMPKsf-MEKYM97pzHpCiTqGUGg1/s640/capitel+y+exacavaci%25C3%25B3n.jpg" /></a></div>
<br />
Puede que estemos ante el capitel más grande que hizo la civilización grecorromana. Se trata del capitel que se encontró en el año 2013 en las excavaciones de la antigua ciudad de Kyzicos o Cyzicus, en la actual Turquía. Sus dimensiones resultan maravillosas. El capitel tiene 190 cm de diámetro por su base, 250 cm de altura y un peso de aproximadamente 20 toneladas. Perteneció al desaparecido templo de Adriano, levantado el año 136 en la antigua ciudad.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdlJSkZ8Ugx1lSG3bhZActo1K85LTKX_UNEPsfLUWr5GWT-Uaqkg8nFdEjDuM124dQ0jhmWmi2wpNCLGQcQOrvcRnbE13BQWrBj1WHyLPPsNu_BMIDqembPF1KAT8y_2HzWqAJYiNRE7A4/s1600/capitel+corintio+en+Cyzikios+turquia+templo+de+Adriano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="818" data-original-width="818" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdlJSkZ8Ugx1lSG3bhZActo1K85LTKX_UNEPsfLUWr5GWT-Uaqkg8nFdEjDuM124dQ0jhmWmi2wpNCLGQcQOrvcRnbE13BQWrBj1WHyLPPsNu_BMIDqembPF1KAT8y_2HzWqAJYiNRE7A4/s640/capitel+corintio+en+Cyzikios+turquia+templo+de+Adriano.jpg" /></a></div>
<br />
Kyzikos de Mysia estaba situada en el Mar de Mármara y es especial por este capitel y por su ubicación topográfica inusual, en el estrecho tómbolo que conecta el continente asiático con la una antigua isla costera (Arctonnesus), lo que le confería la posibilidad de tener tres puertos muy resguardados y una conexión por una franja de tierra con Asia. Su ubicación estratégica fue lo que originó su fundación en torno al siglo VIII a. C. Al final del periodo helenístico pertenecía al reino de Pérgamo, por lo que cuando este estado fue unido a Roma en el siglo I a. C. empezó su proceso de romanización.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Localización en Google maps de la antigua ciudad</span></b><br />
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<iframe allowfullscreen="" aria-hidden="false" frameborder="0" height="490" src="https://www.google.com/maps/embed?pb=!1m18!1m12!1m3!1d133715.65985947938!2d27.902205880324!3d40.38787920185598!2m3!1f0!2f0!3f0!3m2!1i1024!2i768!4f13.1!3m3!1m2!1s0x14b42d2d7324adc5%3A0xdbd361f83525665a!2zS3l6aWtvcyBIYWRyaWFuIFRhcMSxbmHEn8Sx!5e1!3m2!1ses!2ses!4v1589384020618!5m2!1ses!2ses" style="border: 0;" tabindex="0" width="640"></iframe>
<br />
<b><br /></b>
<b>Mitriades del Ponto</b> asedió la ciudad el año 77 a. C, cuando intentó expulsar a los romanos de Asia Menor, pero su ubicación táctica la convirtió en una posición inexpugnable y no logró tomarla. Como recompensa por la heroica defensa y lealtad, la ciudad recibió numerosos privilegios de Roma y el control sobre el área del norte de Mysia hasta Troas.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Reconstrucción de la ciudad con un supuesto istmo, a la derecha. A la izquierda un paso con puente.</span></b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIsVt7gWSV_F_j402FyLkskEEFGsQgbo6a1rwICJpBF92mFbJG8xajgDr3_IGrI_JGMKM0A4wd43v7c95tZQ9Thhy_56LEKs1LetXrAOPBIRteqY3wwNpCNLRELd9_P6zqTxfnJs-kK2dX/s1600/Captura+de+pantalla+completa+13052020+194948.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIsVt7gWSV_F_j402FyLkskEEFGsQgbo6a1rwICJpBF92mFbJG8xajgDr3_IGrI_JGMKM0A4wd43v7c95tZQ9Thhy_56LEKs1LetXrAOPBIRteqY3wwNpCNLRELd9_P6zqTxfnJs-kK2dX/s640/Captura+de+pantalla+completa+13052020+194948.jpg" /></a></div>
<br />
Sin embargo, la ciudad no pudo resistir a los fenómenos naturales y sufrió graves daños por terremotos. De hecho hacia el año 117 un seísmo destruyó el templo principal de la ciudad dedicado a Júpiter. El años 124 el emperador <b>Adriano</b>, que visitaba sus dominios orientales, mandó reconstruir o mejor dicho levantar un nuevo templo. Fue construido bajo la supervisión o el patrocinio de un tal <b>Aristainetos</b>, como se ha recogido por una inscripción. Los habitantes quisieron dedicar a Adriano el nuevo templo cuando éste murió y se le divinizó. Por lo tanto, Kyzikos se convirtió en otra ciudad que construyó un templo dedcado al emperador en Asia Menor como Esmirna, Pérgamo y Éfeso. Otro terremoto lo volvió a dañar el año 155.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Nos han llegado testimonios numismáticos que nos permiten hacernos una idea del templo a través de monedas de la zona (<i>koinon</i>) de Bitinia y Misia, donde en el anverso se conmemora el emperador Adriano y en el reverso un templo octástilo que podría ser el de nuestra ciudad. </span></b><br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3F76BvFZVckR3hcVLyweqV4GIM_O3ztaq3n3pHjlz2OuCfA0fRkLN7VH9nhNgtpXmeIvAW88q6f-4rdnY29LS4Wlddf6aD3cwl0qtJcF77Jhp4IH6pXdWmVLynAxLhavM088goJB3jrPd/s1600/image05143.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="745" data-original-width="1500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3F76BvFZVckR3hcVLyweqV4GIM_O3ztaq3n3pHjlz2OuCfA0fRkLN7VH9nhNgtpXmeIvAW88q6f-4rdnY29LS4Wlddf6aD3cwl0qtJcF77Jhp4IH6pXdWmVLynAxLhavM088goJB3jrPd/s640/image05143.jpg" /></a><br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Plano hipotético de la ciudad de Kyzikos según </span></b><span style="color: #990000;"><b>el coleccionista británico, escritor y viajero</b></span><b><span style="color: #990000;"> Robert Rustafjaell que visitó las ruinas en julio de 1901. En el plano ubica varios puertos y monumentos, entre ellos los restos del templo de Adriano justo al norte del puerto que daba al golfo de Artace. También se pueden ver el teatro, el anfiteatro y la acrópolis que dominaban sobre las alturas de la ciudad. No está del todo claro si el tómbolo que hoy une la ciudad al continente existía en tiempo antiguos, lo que sí es seguro es de existir era un pasillo de tierra muy estrecha.</span></b><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3gLEj4VMOaPXNvVSUXGv7M1_VIpny92VP-1faid67vkJVMgWJK2L8ZWZ88-fLVK4MlAmFUUEQvBPu9cFxUJhorNG9kPvLgaKHgkl502DB1_ugRUcz_OJukLajxr6_1T2MnguZHCNuZlpJ/s1600/plano+de+la+ciudad+segun.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="921" data-original-width="884" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3gLEj4VMOaPXNvVSUXGv7M1_VIpny92VP-1faid67vkJVMgWJK2L8ZWZ88-fLVK4MlAmFUUEQvBPu9cFxUJhorNG9kPvLgaKHgkl502DB1_ugRUcz_OJukLajxr6_1T2MnguZHCNuZlpJ/s680/plano+de+la+ciudad+segun.jpg" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: #990000;">Plano actual de lo descubierto en las excavaciones del siglo XXI.</span></b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgh9AJX47IsXq2wUxKGIR9Sya3cjXcuKK73LQMhJ17xWzK2GgJ2O2ZfWCtGjxKKo9T3IOM6csxXeZkDd5f84AdCmgflbX4WXENcHSGW0dlbMi_SpdlB6qmiTsYSNx8wJOTwKBh2v4-SRwln/s1600/mapa+actual.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="711" data-original-width="761" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgh9AJX47IsXq2wUxKGIR9Sya3cjXcuKK73LQMhJ17xWzK2GgJ2O2ZfWCtGjxKKo9T3IOM6csxXeZkDd5f84AdCmgflbX4WXENcHSGW0dlbMi_SpdlB6qmiTsYSNx8wJOTwKBh2v4-SRwln/s640/mapa+actual.jpg" /></a></div>
<br />
El templo posiblemente se levantaba en el suroeste de la ciudad sobre una gran plaza de 400 metros de largo por 100 metros de ancho. Se terminó tan increíble obra ya en tiempos del emperador <b>Antonino Pío</b>, el sucesor de<b> Adriano</b>. El poeta <b>Aelius Aristides</b> en su obra <b><i><span style="color: #990000;">"Panegírico de Cyzicus"</span></i> </b>lo ensalza el año 167 como obra completada, posiblemente después de la última reparación motivada por los terremotos del 155.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjnwQc1FPsC_mLr3e6CqSqLNQv9WHTOQXXTYBOS46502gS6tdCXY8QphSrB3ZYe9q8jEIS0NE79pLDeEXjNMLQXYCu5Ro8ZJ4d4XibLflCDY7VUqWh2_An2f3-IKKEuV6CK5JPG6nkYlJoN/s1600/Captura+de+pantalla+completa+13052020+194653.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjnwQc1FPsC_mLr3e6CqSqLNQv9WHTOQXXTYBOS46502gS6tdCXY8QphSrB3ZYe9q8jEIS0NE79pLDeEXjNMLQXYCu5Ro8ZJ4d4XibLflCDY7VUqWh2_An2f3-IKKEuV6CK5JPG6nkYlJoN/s640/Captura+de+pantalla+completa+13052020+194653.jpg" /></a></div>
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Solo recientemente (desde el 2010) los arqueólogos han descubierto evidencias de la grandeza del templo levantado en el siglo II. Se calcula que el templo debió ser octástilo con 16 columnas de largo hasta completar una longitud de 160 m y un ancho de 70 m, desde su base (se calcula que el largo del estilóbato era de 116 m). La orientación de sus fachadas principales sería este-oeste.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Reconstrucción.</span></b><br />
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Se trataba de un templo díptico de columnas corintias gigantes, puesto que su altura de 21,35 m, las convirtieron en las más altas del mundo grecorromano. Por ejemplo, las columnas del Templo de Zeus en Baalbek sólo tenían 19 m de alto. Hoy ninguna queda en pie. Todo son restos muy fracturados del que se salva el gran capitel que ha motivado el artículo.<br />
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Bajo un estereóbato oculto por una pequeña colonia de 7 u 8 metros de altura repletos de vegetación, se conservan bóvedas de hormigón. Se calcula que son hasta 7 con algunas de más de tres metros de arco. Se suponen que tenían la función estructural de sostener el pesado edificio en mármol, pero seguramente también tendría otras funcionalidades no conocidas. De hecho se han descubierto huecos de ventilación que se abrían tanto a los lados largos como cortos del templo.<br />
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<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<b><span style="color: #990000;">Esquina occidental del estereóbato. La vegetación tapa casi el lugar de las estructuras abovedadas.</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgr-HM3Wsqsl-b7SW8hcGlJRodKmTKJCQeK3_vgKtivyyKVKggNJU-7nCEqptGhzIXJF8hpSpJG5ZAAlFBmjA15o9gNwyWReehNzMpfHWvconD9ZpTYaouMpvNVSsiltSmkoGiV-o1hDg-T/s1600/vista+a%25C3%25A9rea+del+templo+de+Adriano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="604" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgr-HM3Wsqsl-b7SW8hcGlJRodKmTKJCQeK3_vgKtivyyKVKggNJU-7nCEqptGhzIXJF8hpSpJG5ZAAlFBmjA15o9gNwyWReehNzMpfHWvconD9ZpTYaouMpvNVSsiltSmkoGiV-o1hDg-T/s640/vista+a%25C3%25A9rea+del+templo+de+Adriano.jpg" /></a></div>
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Los terremotos acabarán con Kyzikos y su templo y los restos se convirtieron en una cantera para <b>Justiniano</b>, quien extraerá de allí material para la construcción de Hagia Sophia. Los otomanos continuarán usando el templo como cantera para hacer cal y para reutilizarlo en construcciones de la zona. Conocemos por el viajero italiano<b> Ciriaco de Ancona</b> que cuando él visitó el yacimiento por primer vez en 1431 todavía conservaba 33 de sus columnas completas con arquitrabes. También habló de su cella y de una estatura de Adriano que había en su interior. Pero cuando regresó por segunda vez trece años después, en 1444, habían desaparecido dos columnas, junto con gran parte de los arquitrabes y muros de la cella. Posiblemente fueron destruidos para fabricar cal, puesto que se han encontrado numerosos pozos, datados desde la edad media a mediados del siglo XX, donde se cocía el mármol triturado para obtener la cal.<br />
<span style="color: #990000;"><br /></span>
<span style="color: #990000;"><b>Dibujos de Criaco de Ancona de algunos de los elementos que todavía quedaban en pie del templo cuando él lo visitó y dibujó. en la inscripción aparece</b> <b>Aristainetos como el que lo erigió (¿patrocinador o arquitecto?)</b></span><br />
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Pero si el nuevo templo era inmenso, la suntuosidad de su decoración no se quedaba atrás y todos los elementos arquitectónicos fueron esculpidos en mármol blanco de alta calidad. Los fragmentos arqueológicos de estos frisos, arquitrabes, fustes, basas, cornisas y capiteles se amontonan ahora en la explanada ubicada frente al podio del templo y a lo largo de la estructura del largo del estereóbato. También hay restos en los museos cercanos de Erdek y Bandirma. Los fragmentos encontrados de distintos fustes nos aportan la información de que algunos de ellos no fueron totalmente rematados, pues algunas de las acanaladuras se muestran incompletas.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Leones, ovas, grecas, flores, zarcillos, ovas, dados, volutas, hojas de acanto, palmetas y un largo etcétera de detalles decorativos se han "salvado" de la destrucción en un irresoluble puzzle de piezas repartido por muchos lugares cercanos y no tanto. Forman un paisaje ruinosos pero muy interesante.</span></b><br />
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<b><span style="color: #990000;">Es posible caminar entre estos restos y sentir la belleza de sus diseños y conmovernos ante el colosalismo del monumento. Pero sólo quedan los despojos de una batalla entre el edificio contra la naturaleza y la humanidad.</span></b><br />
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En cuanto al capitel encontrado en 2013, debió pertenecer a una de las columnas del lado sur del borde occidental del templo. Se encontró aproximadamente a 20-22 m de la ubicación real. En el equino del capitel corintio hay 16 hojas de acanto, ocho en las fila baja y 8 en la superior, rematadas con zarcillos. El ábaco se conserva en parte y está decorado con ovas y formas vegetales. Su longitud ábaco es de 2.80 m y su ancho es de 0.33 m. Según las proporciones dadas por Vitruvio, las dimensiones del alto del capitel de la columna debía ser siete veces la altura del ábaco, por lo que, en consecuencia, la dimensión total del capitel debía ser ser de 2,31 m, lo que no responde a la realidad. De nuevo, de acuerdo con las proporciones teóricas difundidas por Vitruvio, la altura del capitel debería ser igual al diámetro del fuste de la columna, es decir, 2,13 m. La realidad arqueológica demuestra que los encabezados de las columnas del templo no son compatibles con la información dada por Vitruvio. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnu8iRH229kzocQf7h7LroxT89BSBYctLasNag8AZZLvG4qtXXDApr0cjhN8E5HcQWa2wDl9D5ACkd2qUD3v0D6UnS9-zMFWlZXYUDLEdHPAZqwddeXQqvp4-n2emHr-rl7ftuekP8Ote6/s1600/detalle+de+las+hojas+de+acanto.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="973" data-original-width="1151" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnu8iRH229kzocQf7h7LroxT89BSBYctLasNag8AZZLvG4qtXXDApr0cjhN8E5HcQWa2wDl9D5ACkd2qUD3v0D6UnS9-zMFWlZXYUDLEdHPAZqwddeXQqvp4-n2emHr-rl7ftuekP8Ote6/s640/detalle+de+las+hojas+de+acanto.jpg" /></a></div>
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<!-- CORRECT -->
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<br />Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-76765207652308620932020-04-27T00:14:00.000+02:002020-04-27T00:14:52.652+02:00RELIEVES FUNERARIOS ROMANOS DE GLADIADORES. EN MEMORIAM. <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9s65qp9KoRy3m2GHhEvAAJ9hI324qIOqefKvRGTbrBlMcFI-trkiD156mqYMtP85qxYAawuyVGxs5i5jV26ypbxnaO_9s9aOoWrfptjaqFzxPBJpOhSAHMfycy2NXbZJq3Y30VQI9EFTB/s1600/Friso+con+figuras+de+gladiadores%252C+del+siglo+II+al+III+d.+C.%252C+necr%25C3%25B3polis+de+Kibyra%252C+Museo+Burdur+entero.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="374" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9s65qp9KoRy3m2GHhEvAAJ9hI324qIOqefKvRGTbrBlMcFI-trkiD156mqYMtP85qxYAawuyVGxs5i5jV26ypbxnaO_9s9aOoWrfptjaqFzxPBJpOhSAHMfycy2NXbZJq3Y30VQI9EFTB/s650/Friso+con+figuras+de+gladiadores%252C+del+siglo+II+al+III+d.+C.%252C+necr%25C3%25B3polis+de+Kibyra%252C+Museo+Burdur+entero.jpg" /></a></div>
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Los <b><i>munera gladiatoria</i></b> son, sin duda, el espectáculo por excelencia en el mundo romano. Se originaron durante la República como un rito funerario de homenaje por parte de las familias nobles a sus difuntos. Se creía que la sangre del vencido favorecería al espíritu del fallecido en la otra vida. Pero, a su vez, era un recordatorio solemne a través de combates reales entre guerreros de la <i>dignitas</i> del fallecido y de su familia. Estas razones nos explican porqué los relieves con el tema de combates de gladiadores se hicieron tan frecuente en estelas y sarcófagos.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Detalle del friso superior con figuras de gladiadores, de la segunda mitad del siglo II d. C., necrópolis de Kibyra, Museo Burdur. S</span></b><span style="color: #990000;"><b>on relieves arquitectónicos que pertenecieron a tres tumbas monumentales diferentes de <i>munerarii</i>, conmemorando juegos específicos patrocinados por ellos. Fueron encontrados entre 2002-09. </b></span><span style="color: #990000;"><b>La imagen de abajo muestra tres fases de una pelea entre gladiadores. En la primera escena (a la izquierda), los combatientes tratan de asestar golpes alrededor y debajo de los escudos de sus oponentes. En la segunda fase (centro), los luchadores han perdido sus escudos y han entrado en combate cuerpo a cuerpo. El resultado natural es que el gladiador de la derecha cae sobre su espalda. El vencido se ha quitado el casco sugiriendo una apelación y el ganador se mueve para matarlo.</b></span><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigAyB1K_jdfFpPxxxJTpaYfTYjLzIQXEUODE2fZs-81KozpY_GGOiGCHSTNtO2GnLq5X4KbYHVhn14SCmrdIYWrAP3YetsHGBpsnJCc-L_wApQwLpE7bu_vjBjYJOjledXdXpVJW3oJmPj/s1600/Friso+con+figuras+de+gladiadores%252C+del+siglo+II+al+III+d.+C.%252C+necr%25C3%25B3polis+de+Kibyra%252C+Museo+Burdur.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigAyB1K_jdfFpPxxxJTpaYfTYjLzIQXEUODE2fZs-81KozpY_GGOiGCHSTNtO2GnLq5X4KbYHVhn14SCmrdIYWrAP3YetsHGBpsnJCc-L_wApQwLpE7bu_vjBjYJOjledXdXpVJW3oJmPj/s640/Friso+con+figuras+de+gladiadores%252C+del+siglo+II+al+III+d.+C.%252C+necr%25C3%25B3polis+de+Kibyra%252C+Museo+Burdur.jpg" /></a></div>
<br />
Sin embargo, a partir del siglo II a. C., coincidiendo con el fin de la segunda guerra púnica, la función funeraria y de sacrificio religioso de los primeros combates de gladiadores romanos fue poco a poco soslayándose y la representación de los juegos fueron adquiriendo una connotación más política y lúdica. Eso ocurre cuando los herederos se dan cuanta que organizar el <i>munus </i>demostraba ante el resto de los miembros de la sociedad que aquel pariente que lo ofrecía tenían una capacidad económica y organizativa que les habilitaba para ocupar en la sociedad el hueco vacante del difunto. Así, paulatinamente el poder de un personaje se midió por la capacidad de patrocinar combates que podían durar hasta meses e involucrar en la matanza cada vez más a decenas de hombres y animales salvajes.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Detalle del friso superior con figuras de gladiadores, del siglo II al III d. C., necrópolis de Kibyra, Museo Burdur. S</span></b><span style="color: #990000;"><b>on relieves arquitectónicos que pertenecieron a tres tumbas monumentales diferentes de munerarii, conmemorando juegos específicos patrocinados por ellos. F</b></span><b style="color: #990000;">ueron encontrados en 2002. </b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipkChVr1cLxOzy6ERmFMYXs2kSVF6O2pSaUPyYEcgcDWMCMNuiLFmoPbdZzkWhAM0ysbtfwnVNv7IbcUrdcPXqZqXxWATtRvvEAthES761QNFYBQ6H2eHulxFdFS48p-QY_1MnZT0Ma6j6/s1600/DrKLfypWsAEAaJA.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipkChVr1cLxOzy6ERmFMYXs2kSVF6O2pSaUPyYEcgcDWMCMNuiLFmoPbdZzkWhAM0ysbtfwnVNv7IbcUrdcPXqZqXxWATtRvvEAthES761QNFYBQ6H2eHulxFdFS48p-QY_1MnZT0Ma6j6/s640/DrKLfypWsAEAaJA.jpg" /></a></div>
<br />
La primera vez que estos juegos los patrocinó el Estado fue el año 105 a. C., cuando los cónsules entrantes ofrecieron a Roma luchas de gladiadores provenientes de Capua, como parte de un programa de entrenamiento para los militares. El acontecimiento resultó ser inmensamente popular. A partir de entonces, los torneos de gladiadores antes restringidos a los munera privados se incluyeron en los juegos estatales (<i>ludi</i>) que acompañaban a los principales festivales religiosos. Así la lucha de gladiadores podía ser parte de los <i>ludi</i> dedicados a una deidad, como Júpiter, o de los <i>munera</i> que se dedicaban a un ancestro divino o heroico de un patrocinador aristócrata.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Detalle del friso superior con figuras de gladiadores, del siglo II al III d. C., necrópolis de Kibyra, Museo Burdur. S</span></b><span style="color: #990000;"><b>on relieves arquitectónicos que pertenecieron a tres tumbas monumentales diferentes de munerarii, conmemorando juegos específicos patrocinados por ellos. </b></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEia6TST8ihSs2Zn3B9Y7DqV6lcavw-j4Os40PnKODg7rVhJUteONh31AiJ6YkR_JWqiqrNnMP03RFDdUFXPoezwqTg9yqqnhDtexGx9_8EUcILkRAcyfDfjn-2nYGwzXlVjyYqiA7V4WsPp/s1600/8645152050_7184c0eaa1_b.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="665" data-original-width="825" height="514" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEia6TST8ihSs2Zn3B9Y7DqV6lcavw-j4Os40PnKODg7rVhJUteONh31AiJ6YkR_JWqiqrNnMP03RFDdUFXPoezwqTg9yqqnhDtexGx9_8EUcILkRAcyfDfjn-2nYGwzXlVjyYqiA7V4WsPp/s640/8645152050_7184c0eaa1_b.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
A medida que se extendió el imperio, se fue transmitiendo esta costumbre, convertida en espectáculo, de los juegos de gladiadores y se hizo necesario el edificio exclusivo para esta función, conocido como anfiteatro. La extensión de la vida urbana y la romanización lo llevó hasta los últimos rincones del Imperio a través de los patrocinadores que querían prosperar en su comunidad. Así pues, las luchas se desacralizaron casi totalmente y adquirieron funciones exclusivamente políticas y de espectáculo público necesarias para las élites locales y para un público ávido de emociones. La importancia de los gladiadores en la sociedad romana provincial se manifestará no sólo en la aparición de anfiteatros, sino en la representación de los juegos que se daban en él. Nos han llegado ejemplos de representaciones en todo tipo de formatos que nos hablan de la popularidad de estos juegos, sobre todo, mosaicos y frescos que decoraban las estancias de la viviendas y lucernarios y ornatos de objetos múltiples (vasos, joyas, armaduras, marfiles...), pero las mejores representaciones las encontramos en relieves de contexto funerarios en la necrópolis que rodean las ciudades a través de dos modalidades:<br />
<br />
<ul>
<li>1.- En frisos de monumentos funerarios de particulares, donde se representaba combatiendo a los gladiadores. El difunto se acompañaba con estas representaciones, no tanto por una cuestión religiosa como por ser símbolos del poder o éxito personal que había alcanzado en vida. En este caso, lo gladiadores aparecían dando todo el espectáculo posible. No importaba el individuo o el nombre de cada uno, sino representar la acción y la variedad de los distintos combatientes.</li>
</ul>
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<b><span style="color: #990000;">Friso de gladiadores en el museo arqueológico de Patrás, probablemente del monumento de un patrocinador. Finales del siglo I o principios del II d. C. Placa de mármol que representa a tres parejas gladiadores luchando. A la izquierda, dos gladiadores que portan grandes escudos ovales y usan un "subligaculum" con un cinturón de una sola banda. Tienen cascos con bordes elevados y curvos y una visera con una abertura para los ojos. La pareja central representa dos "tracios" o gladiadores tracios con su típica daga curva y su casco con cresta y pico hacia adelante. Y a la derecha, un "retiarius" con tridente y red entrenando, probablemente, según su armadura pesada, con un "murmillo".</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjK70LEmxJfxWUMxYDTeTrZNQ2MXEydrJsbS2b9IV_ScAAa4iIoGDCKG0fXm7S9UNjIdM2tA-AeQCpC2X_aPdKfz1XatFHqE9y-LX26XSfz9u4dkVl3a52c8c4p1lKF2fb9uFiXYpw_XC3P/s1600/Estela+funeraria+de+gladiadores.+Patras%252C+Archaeological+Museum.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="782" data-original-width="1600" height="312" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjK70LEmxJfxWUMxYDTeTrZNQ2MXEydrJsbS2b9IV_ScAAa4iIoGDCKG0fXm7S9UNjIdM2tA-AeQCpC2X_aPdKfz1XatFHqE9y-LX26XSfz9u4dkVl3a52c8c4p1lKF2fb9uFiXYpw_XC3P/s640/Estela+funeraria+de+gladiadores.+Patras%252C+Archaeological+Museum.jpg" width="640" /></a></div>
<ul>
<li> 2.- En las estelas funerarias de los propios gladiadores, que por su fama alcanzan una consideración social y sus familiares poseen la capacidad económica para encargarlos un estela o placa conmemorativa. En este caso es el individuo lo que importa. Normalmente se conserva su nombre y quién encarga el epitafio y se representa al difunto en acto de combate propio de su estilo como gladiador o triunfante. Le suelen acompañar símbolos de sus combates victoriosos como coronas y palmas.</li>
</ul>
<br />
<b><span style="color: #990000;">Estela memorial del gladiador Penelao. Mármol 60 x 36 cm. Siglo III d.C. Probablemente de Eubea. Museo Arqueológico Nacional de </span></b><b><span style="color: #990000;">Atenas</span></b><b><span style="color: #990000;">. </span><span style="color: #990000;">El nombre del difunto, el gladiador ΠΕΝΕΛΑΕϹ - Πηγελάης, está inscrito en la cornisa horizontal del frontón. La inscripción tallada a derecha e izquierda de la cabeza de la figura, en el suelo de la estela, dice: ἐκ τῶν ἰδίων / αὑτὸν μνίας / χάριν - a su cargo, para sí mismo, en recuerdo. Penélao está representado mirando a la derecha, con la vestimenta y el equipo característicos de un gladiador, incluyendo un casco especial, el escudo que protege su cuerpo, y sosteniendo una espada en su mano derecha. La rama de laurel y tres coronas delante de él y la cuarta corona detrás de él simbolizan sus victorias.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjL1RKa-wUN6VIhJOxCVUV6q1OcxbFuit_o6dzupN2I7gCQEL48mkSd_lNWqnzC0bv4jmPDdkTzbArbdhDP5geZLsHEhsNyngb8dcHB6P5wvLW2FoGVCXpoCGG60u5EPLzUsVbgzKVKk4BB/s1600/releive+funerario+Gladiator+memorial+de+Penelaes+Eubea+museo+atenas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1360" data-original-width="1025" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjL1RKa-wUN6VIhJOxCVUV6q1OcxbFuit_o6dzupN2I7gCQEL48mkSd_lNWqnzC0bv4jmPDdkTzbArbdhDP5geZLsHEhsNyngb8dcHB6P5wvLW2FoGVCXpoCGG60u5EPLzUsVbgzKVKk4BB/s800/releive+funerario+Gladiator+memorial+de+Penelaes+Eubea+museo+atenas.jpg" /></a></div>
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<b><span style="color: blue;">Monumentos funerarios con relieves de juegos de gladiadores.</span></b><br />
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Voy a destacar los que a mi juicio son los tres grandes conjuntos de relieves funerarios que hoy en día se conservan.<br />
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<ul>
<li>1.- <b><span style="color: #990000;">Los del monumento de Lusius Storax en Chieti.</span></b></li>
<li>2.- <b><span style="color: #990000;">Los del monumento de la puerta de Stabiae en Pompeya.</span></b></li>
<li>3.- <b><span style="color: #990000;">Los de un posible conjunto de monumentos en la ciudad de Cibyra.</span></b></li>
</ul>
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1.- <b><span style="color: #990000;">Los relieves del monumento de Lusius Storax en Chieti. </span></b>Es uno de los monumentos funerarios que mejor representan el paso de la representación de los gladiadores de un contexto todavía funerario a uno de un claro componente político que se ha datado en la primera mitad del siglo I d. C. El monumento venía a ser un edificio con forma de pequeño templo con una cámara funeraria precedida por un hall de entrada. Arqueológicamente no se ha conservado casi nada del edificio salvo sus ornamentos escultóricos y epigráficos, aún así podemos hacernos una idea por la reconstrucción de la fachada que se ha hecho en el museo de Chieti. Los restos se encontraron cerca de la via Claudia Valeria al entrar en la ciudad de Teate (Chieti), posiblemente estaba en el lugar más codiciado para los enterramientos de los ciudadanos más ricos. Por razones epigráficas y estilísticas (como el tipo de armadura que usan los gladiadores) se ha datado la tumba entre los años 30 y 50 d.C.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Tumba y relieves de Gaius Lusius Storax, </span></b><span style="color: #990000;"><b>Museo Archeologico Nazionale d'Abruzzo en Chieti</b></span><b><span style="color: #990000;">, Italia, 30-50 AD.</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjuCEjg22I08DhY_Uxye7y5C_aw-yQQMbrxFI2OkfTGpmALFoqcLyqRQ0tehmnYOAT4R582Wb01K6OTEAlalhK6WXRBBt-xJqhV_q8XiWEfwRT4VNe0U1Xq0P76dVhb-yKlMnaqXCMieDr/s1600/mausoleo+de+C.+Lusius+Storax+Museo+Abruzzo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="511" data-original-width="960" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjuCEjg22I08DhY_Uxye7y5C_aw-yQQMbrxFI2OkfTGpmALFoqcLyqRQ0tehmnYOAT4R582Wb01K6OTEAlalhK6WXRBBt-xJqhV_q8XiWEfwRT4VNe0U1Xq0P76dVhb-yKlMnaqXCMieDr/s640/mausoleo+de+C.+Lusius+Storax+Museo+Abruzzo.jpg" /></a></div>
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En la puerta de entrada se ubicaba una inscripción que atestiguaba que el propietario del sepulcro era Lusio Storax. Por encima, debía correr un friso con escenas de duelos entre gladiadores que el difunto había patrocinado para sus vecinos el día en que fue nombrado <i>sevir augustalis</i> (sacerdote asignado al culto del emperador) de Teate, el cargo más alto al que un liberto podía aspirar. Por encima del friso, había un frontón triangular, en donde se destacaba a la figura del difunto. En el interior, apoyado contra la pared del fondo, debía haber un retrato en mármol de Lusius Storax, representado en una posición sedente, de la que solo se ha conservado la cabeza.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqXRpcNGxOAy-XTLRje-hn5c7tx0p6Kkic3r9NE9MsSjnSSY_ZfKnmfrz7gvhGI5dIbwv1QFy75b3UNGvAiMMNyxgQUws-hfEXp7zuVzF2BCa1Nod3n84Jm46siKEW3oimLTOMn1Zbc0ce/s1600/Mausoleo+de+C.+Luisius+Storax+Tiate%252C+abruzzo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="777" data-original-width="960" height="518" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqXRpcNGxOAy-XTLRje-hn5c7tx0p6Kkic3r9NE9MsSjnSSY_ZfKnmfrz7gvhGI5dIbwv1QFy75b3UNGvAiMMNyxgQUws-hfEXp7zuVzF2BCa1Nod3n84Jm46siKEW3oimLTOMn1Zbc0ce/s640/Mausoleo+de+C.+Luisius+Storax+Tiate%252C+abruzzo.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
El friso, que es lo que fundamentalmente nos interesa, representa unas luchas de gladiadores. Los gladiadores aparecen en varias poses (saludando, preparándose, luchando, victoriosos y derrotados), como si fuera parte de una sola escena, aunque en realidad las diversas etapas sucederían secuencialmente. El objetivo del donante debió ser documentar ante sus vecinos y la posteridad la suntuosidad de los juegos que ofreció, cuyo costo fue proporcional al número de combatientes involucrados. Artísticamente, el relieve está compuesto con un cuidadoso equilibrio y un patrón de movimiento rítmico. El fondo es neutro y los detalles de las figuras se desarrollan con cuidado, especialmente la musculatura y las telas. Se ha pensado que el estilo está inspirado directamente en modelos de la ciudad de Roma.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Tumba de Gaius Lusius Storax en Chieti, Italia, 30-50 AD. Fragmento izquierdo del friso de los gladiadores.</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEe3yrzF4kmJRMwYq4iTxopfgAdutNKsX0SUGhwnM0Dk4futkTKdX8EaVbmjk1WeBiow7TOTwzvbXQUrqVCm8olitAMA70djiInX_sdD7OiWWJyjitb5EmaPDrCtCjUyCtn-RHJwbECEF0/s1600/relieve+de+gladiadores+fragmento+Gaius+Lusius+Storax+d+Chieti%252C+Italy%252C+30-50+AD.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="462" data-original-width="978" height="302" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEe3yrzF4kmJRMwYq4iTxopfgAdutNKsX0SUGhwnM0Dk4futkTKdX8EaVbmjk1WeBiow7TOTwzvbXQUrqVCm8olitAMA70djiInX_sdD7OiWWJyjitb5EmaPDrCtCjUyCtn-RHJwbECEF0/s640/relieve+de+gladiadores+fragmento+Gaius+Lusius+Storax+d+Chieti%252C+Italy%252C+30-50+AD.jpg" width="640" /></a></div>
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El frontón está incompleto, puesto que falta el vértice superior, probablemente sería el frontón de un templo, como elemento arquitectónico que contextualiza espacialmente la escena. Esta parece representar un evento único y real: la investidura de Lusius Storax como sevir Augustalis en el foro de Teate. Estilísticamente, es un relieve mucho más tosco que el anterior de los gladiadores, más en la línea del <a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/el-relieve-plebeyo-romano-y-la-vida.html" target="_blank">relieve provincial y plebeyo</a>. La composición es abigarrada y estática, ya que todo está dispuesto para que Lusius sea el centro. La perspectiva se resuelve de forma muy primitiva colocando en dos filas superpuestas a los personajes y ubicando en los laterales los elementos anecdóticos.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-kDs6WaPXh6zM2R6igkk7Fh3_lFZIxoLVJL4ry2FswcQ-_JlE_iOLTilYjDO9nv_Ejkmbnqd9pWot18h4gwC21b05-ZdORCpmQFsTlLvcf3oYpFYiqI2ufnIAUJWC9HK9Ql660BwDn-qX/s1600/Monumento_funerario_di_c._lusius_storax.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="683" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-kDs6WaPXh6zM2R6igkk7Fh3_lFZIxoLVJL4ry2FswcQ-_JlE_iOLTilYjDO9nv_Ejkmbnqd9pWot18h4gwC21b05-ZdORCpmQFsTlLvcf3oYpFYiqI2ufnIAUJWC9HK9Ql660BwDn-qX/s640/Monumento_funerario_di_c._lusius_storax.jpg" /></a><br />
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Si empezamos a describir, en las esquinas vemos dos grupos de músicos tocando, cornicinas a la derecha y tubicinas a la izquierda, que probablemente aluden a la presentación del espectáculo que el difunto ofreció a los ciudadanos en el anfiteatro de Teate y que se representa en el friso inferior.<br />
<br />
En el centro tenemos al colegio de <i>seviri Augustales </i>que están en pleno acto de traspaso de la magistratura, los seis que dejan el cargo al final de su mandato y cinco que ingresan. El sexto es Storax que aparece sedente justo en el centro, más sobresaliente y con mayor tamaño, rodeado de otros cuatro togados sedentes que son los <i>quattorviris</i> de Teate, los cuatro magistrados principales de la ciudad, flanqueados por un lictor. Por encima de las cabezas de los personajes de la segunda fila asoman columnas, por ella entendemos que probablemente estemos celebrando el acto en el foro de Teate. La única ruptura de la frontalidad y el estatismo es que uno de los seviri se inclina para comentar algo al oído de Storax. Parece que otros dos de los sedentes están a la derecha contando dinero en una caja, tal vez simbolizando el pago del <i>summa honoraria</i> que ha realizado Storax por los juegos,.<br />
<br />
En el extremo izquierdo del nivel superior, hay una escena que se ha interpretado como una anécdota del día de la celebración de los juegos. Parece que una mujer chilla y levanta los brazos mientras que por debajo de ella un hombre golpea a otro en la cara. Se ha interpreta como un tumulto que tal vez ocurriera entre los espectadores durante los juegos y que se introduce, como ocurre en otros releives plebeyos, para recordar no sólo lo solemne sino también lo cotidiano.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8XAS7jIZVvoCSpdJp3bP1tdaxO9fwpppl3kEHKhRg4aoTryYD2wFFjmq5XW0lgb3oDDzbpAy8TIXI7Zn6pbMp_draF-Et52iDlDxv6HtX_S880yemt2hBY_4slXBUBMcdX3l0w2apwV1L/s1600/mausoleo+de+C.+Lusius+Storax+Museo+Abruzzo+fronton.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="602" data-original-width="1271" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8XAS7jIZVvoCSpdJp3bP1tdaxO9fwpppl3kEHKhRg4aoTryYD2wFFjmq5XW0lgb3oDDzbpAy8TIXI7Zn6pbMp_draF-Et52iDlDxv6HtX_S880yemt2hBY_4slXBUBMcdX3l0w2apwV1L/s640/mausoleo+de+C.+Lusius+Storax+Museo+Abruzzo+fronton.jpg" /></a></div>
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2.- <b><span style="color: #990000;">Los relieves del monumento de la puerta de Stabiae en Pompeya.</span></b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
A la salida de Pompeya por la puerta que conducía a Stabiae se encontró a mediados del siglo XIX un imponente relieve en dos placas. El conjunto tiene aproximadamente cuatro metros y medio de largo con una altura de ciento cincuenta centímetros. Se desconocía el contexto arqueológico del relieve, pero recientes excavaciones en la zona (2016) han descubierto la base de un monumento funerario que podría pertenecer (no llega poner el nombre en la inscripción) a Gneo Aleii Nigidio Mayo. Nigidio fue el empresario de gladiadores más conocido de la ciudad. Hijo de esclavo liberto fue adoptado por parte de la importante familia Alleii y ascendió entre la nueva clase dominante de las últimas décadas de vida en la ciudad de Pompeya. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIw3ew8a3xAE4PQXvxfPUJZKtuNY1roSbKSLnfk6BRVsaJlZT5gifRQAX1-czWCBtawC3aDv50V-eJAlVw6Ow1_uEJI67rn0e-2Dv2NszH77ehqmCq_wUUsKqqKU9_gW0B4vAtV4JqOt6K/s1600/image025.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="683" data-original-width="1024" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIw3ew8a3xAE4PQXvxfPUJZKtuNY1roSbKSLnfk6BRVsaJlZT5gifRQAX1-czWCBtawC3aDv50V-eJAlVw6Ow1_uEJI67rn0e-2Dv2NszH77ehqmCq_wUUsKqqKU9_gW0B4vAtV4JqOt6K/s640/image025.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
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El epitafio, que es el más largo hallado jamás en la ciudad, presenta los elogios del difunto. Cuenta que cuando el dueño de esta tumba, adoptó la toga viril -se hizo mayor de edad- dio un gran banquete para todos los pompeyanos, disponiendo 456 triclinios para que miles de personas celebraran con él y su familia su nueva condición social. Esa misma fiesta también llevó asociado un espectáculo de gladiadores con 416 combatientes, un derroche solo al alcance de unos pocos en la propia Roma. La inscripción también habla de su boda en la también se celebraron combates gladiatorios y cacerías de fieras -venationes- y otros actos de munificencia como donaciones de dinero y plata a los magistrados de las asociaciones. Todo para adquirir prestigio y promover su carrera política y conseguir finalmente ser <i>duoviro</i> de la ciudad. Incluso la inscripción menciona la famosa y monumental trifulca entre nocerinos y pompeyanos en el año 59 d.C. que obligó a clausurar el anfiteatro de Pompeya durante 10 años, hasta que el emperador Nerón por intercesión de su mujer Popea, decidió perdonar a los ciudadanos y se reabrió el edificio.</div>
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El relieve se compone de dos losas perfectamente coincidentes y se distribuye en tres registros, de diferentes alturas. En las tres secciones se representan tres momentos de los juegos: arriba, apertura de los juego; y en la sección central a gladiadores de diferentes especialidades; en el friso de la base se representan la lucha entre humanos y animales y de animales entre ellos. </div>
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El espectáculo comenzaba con la <i>pompa</i>, un desfile que salía de la <i>Porta Triumphalis</i> y en el que se combinan elementos políticos junto con los propios del combate. En cabeza del desfile estaban los lictores (con toga), que anunciaban que tras de ellos venía el editor, y que portaban los símbolos del cargo de este. Detrás los trompeteros o <i>tubicines</i>, cuya fanfarria atrae la atención de los espectadores hacia el desfile. Siguiéndoles cuatro hombres portando sobre sus hombros una plataforma (ferculum) sobre la cual vemos dos estatuillas de herreros, sentados cara a cara ante un yunque, sobre el que están forjando armas. Esto se interpreta que quería simbolizar la garantía de que las armas estaban bien hechas. El individuo que lleva un cartel (<i>titulus</i>) anunciaba el programa del espectáculo.Detrás el que llevaba la palma de la victoria y los que llevan las armas que van a servir en el combate.<br />
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Momentos de los combates.</div>
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Una escena curiosa es la que muestra a un oso que agarra a su bestiario (el gladiador que lucha con los animales) y le clava los dientes en la espalda, mientras los asistentes acuden desesperados por salvar a su compañero.</div>
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3.- <b><span style="color: #990000;">Los de un posible conjunto de monumentos en la ciudad de Cibyra.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;">Friso con figuras de gladiadores, de la segunda mitad del siglo II d. C. Caliza, 90 cms de altura. Necrópolis de Kibyra, Museo Burdur. </span></b><b style="color: #990000;">Encontrados entre 2002-09. Se discute si pudieron pertenecer a uno o varios monumentos funerarios o un friso a manera de balaustrada del teatro o del stadium de la ciudad, ambos cercanos a la necrópolis donde se encontraron, y cuyas piezas fueron reaprovechadas en la necrópolis en algún siglo posterior.</b><br />
<b style="color: #990000;"><br /></b>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgb6F-DOFTIhymjh5XE7JNyz2kxZ6hAEGqGa8Qi79gTbD0JL6M3oSP-zbc41bsGYYGEftpZ-8Z1iRv1TWMJ4JC5I1W7o4q94zkfRfKqydNVNl-u-1MIfL65WW8EgiF2TUQNZE8UXQ134ku8/s1600/Relieve+de+gladiadores+de+Museum_Burdur.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="581" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgb6F-DOFTIhymjh5XE7JNyz2kxZ6hAEGqGa8Qi79gTbD0JL6M3oSP-zbc41bsGYYGEftpZ-8Z1iRv1TWMJ4JC5I1W7o4q94zkfRfKqydNVNl-u-1MIfL65WW8EgiF2TUQNZE8UXQ134ku8/s640/Relieve+de+gladiadores+de+Museum_Burdur.jpg" /></a></div>
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
<b><span style="color: blue;">Estelas y lápidas funerarias de gladiadores.</span></b><br />
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Las lápidas y estelas de gladiadores con sus epitafios revelan sus orígenes, vidas, carreras y actitudes hacia su profesión. Las estelas eran monumentos caros para comprar y erigir, y los inscritos con textos elaborados e incluso imágenes eran aún más caros. Dan una idea de cómo los gladiadores se veían a sí mismos, a sus camaradas de armas y a su profesión, así como a los que los conmemoraban pensaban que debían ser recordados por la posteridad. Las lápidas a menudo están adornadas con imágenes del difunto, junto con su equipo y sus hojas de palma y/o coronas de victoria. Es la muestra del orgullo profesional de estos luchadores de élite. En los epitafios se refuerza este mensaje donde sus familiares destacan además rasgos de destreza como coraje, habilidad, velocidad, ser zurdo... Son también honrados por sus compañeros y por los patrocinadores de los juegos. Veamos algunos ejemplos.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Estela del "<i>secutor</i>" (gladiador) Urbico, siglo III. Antiquarium de Milán. Este gladiador aparece con su perro fiel y un larga dedicatoria. El epitafio nos cuenta que Urbico era de origen florentino y que murió en Mediolanum (Milán), a los veintidós años, después de haber peleado trece veces. Fue muerto por un rival que previamente había salvado. Dedica la estela su mujer, Lauricia, que pasó siete años con él, y sus dos hijas Olimpia y Fortunense. La inscripción concluye amenazando al hombre que le había matado. Y concluye pidiendo a los seguidores del gladiador (<i>amatores</i>) que sigan recordándole. </span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfGGZKUvrCqjNMqAGDlFLy_hbKkyCZzqCCN6dlg3UX7DlJuQxrva15ViwZqfG2r8ltcuWQubzoSQuhS3NYzv4ZA6PQawyOx4uehkegVRHQz9e37iHdx2euVMDYIGjFZC5X4NYXkbNod1F3/s1600/Milano_Stele_del_gladiatore_Urbico.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1449" data-original-width="859" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfGGZKUvrCqjNMqAGDlFLy_hbKkyCZzqCCN6dlg3UX7DlJuQxrva15ViwZqfG2r8ltcuWQubzoSQuhS3NYzv4ZA6PQawyOx4uehkegVRHQz9e37iHdx2euVMDYIGjFZC5X4NYXkbNod1F3/s1050/Milano_Stele_del_gladiatore_Urbico.jpg" /></a></div>
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<b><span style="color: #990000;">Estela funeraria con gladiador, 150 -200 d.C. Thessaloniki, Museo Arqueológico Nacional. </span><span style="color: #990000;">El relieve muestra al fallecido Lupercus, ΛΟΥΡΕΡΚΩ. Probablemente era un "Thraex", un tipo de gladiador romano armado al estilo tracio. Parece estar a punto de comenzar una nueva pelea. Su cabello es muy voluminoso. Exhibe una barba corta y peluda. Lleva un "subligáculo" y un "balteus", una "manica" acolchada en el brazo derecho, y grebas. En su mano izquierda tiene un pequeño escudo rectangular curvado adornado con una cabeza de Medusa, y en la derecha, la "sica", daga característica de los Tracios. A su izquierda, un niño, quizás un sirviente, con su casco decorado con una cimera de grifo, completa la escena. El nombre del chico era Apollonis, ΑΠΟΛΛΟΝΙϹ, como dice la inscripción sobre su cabeza. Además, un perro casi en miniatura salta sobre la pierna izquierda de Lupercus.</span></b><br />
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<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiI1XMk9hdBGDjHkXFA2YF0Yd7TrT29l_wdzJETsRVzmM6CxPpFmegqGk8ALl7OQDrdf0dURGjKV3_oEhhR6lhD6m3Sx2DrIGXtS2gZPttaWIJMwXEEzmbN8gqd1Nmpc5XISI_WQ28gkre_/s1600/relieve+funerario+Gladiator+lupercus+Thessaloniki%252C+National+Archaeological+Museum+s.+II+d.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1091" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiI1XMk9hdBGDjHkXFA2YF0Yd7TrT29l_wdzJETsRVzmM6CxPpFmegqGk8ALl7OQDrdf0dURGjKV3_oEhhR6lhD6m3Sx2DrIGXtS2gZPttaWIJMwXEEzmbN8gqd1Nmpc5XISI_WQ28gkre_/s900/relieve+funerario+Gladiator+lupercus+Thessaloniki%252C+National+Archaeological+Museum+s.+II+d.jpg" /></a></div>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<b><span style="color: #990000;">Estela de</span></b><span style="color: #990000;"><b>l gladiador Eupithanos.</b></span><b><span style="color: #990000;"> Mármol, 88 x 64 x 21 cm. Siglos II - III d.C. Afrodisias, Museo Arqueológico, Turquía. </span><span style="color: #990000;">El relieve es de un gladiador desnudo, que todavía lleva protectores de brazo en la parte superior derecha del brazo, y espinilleras. Sostiene una palma con su brazo derecho, que está parcialmente perdido. Su brazo izquierdo está estirado horizontalmente, y la mano descansa en un casco colocado en lo que es una columna lisa o un escudo alto. Abajo hay dos figuras pequeñas: la de la derecha del hombre tiene espinilleras y un largo escudo, y le mira; la de la izquierda es alada y desnuda. Tiene un texto inscrito en las molduras superior e inferior. El de abajo es el que nos rebela el nombre de a quien conmemora la estela puesto que dice: [?Ε]ὐπιθανὸς πάλου πάλου' // [-- ? --]φ̣ιλυς vac - "Eupitanos de la brigada 1; [ ? ]philos</span></b><br />
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<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<b><span style="color: #990000;">Estela funeraria de Quintus Sossius Albus. Primera mitad del siglo II d.C. Mármol. Museo Arqueológico Nacional de Aquileia. </span><span style="color: #990000;">Según la inscripción latina <i>D(is) M(anibus) // Q(uinti) Sossi / Albi / myrmillonis / Sossia Iusta / lib(erta) patron(o) / bene merenti,</i> esta estela fue dedicada por Sossia Iusta, liberta del mirmillo Quintus Sossius Albus, a su meritorio propietario. Q. Sossius Albus, aquí representado como un gladiador completamente armado, era ciertamente un hombre libre: su condición social está atestiguada por su identificación "tria nomina" (tres nombres) tallada en la estela. Típicamente los gladiadores eran esclavos identificados por inscripciones que informaban de sus apodos. Un hombre libre, un ciudadano romano como lo fue Q. Sossius Albus, podía participar en los juegos de gladiadores sólo por su libre elección o por una invitación imperial especial. </span></b><b><span style="color: #990000;">Nuestro personaje está representado en alto relieve como un murmullo. Lleva un taparrabos (subligáculo) y, según el equipamiento previsto para esta clase de gladiadores, está dotado de un casco con cresta, una espada corta (gladius), un escudo (scutum), una manga protectora en el brazo derecho y una greba (ocre) en la pierna izquierda. Aunque el rostro del difunto está cubierto por la visera de rejilla del casco, el modelado de la figura es muy preciso. Es evidente que Sossia Iusta quería destacar la función de su difunto propietario como gladiador.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjr5hbTv_YVHQVkzj3XkBKaQKTc1oiMgafxUul4KF6mUUdE1xSA952gDDxa-NTsuaC0rq4i05hV3oCNHfo569CBrgqg0ZkhcAqC__eCJpSDKeRkk-yWIIFZuRz6UEpfYTF7oOG4585uicz8/s1600/relieve+funerario+estela+gladiador+aquileasiglo+II.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="882" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjr5hbTv_YVHQVkzj3XkBKaQKTc1oiMgafxUul4KF6mUUdE1xSA952gDDxa-NTsuaC0rq4i05hV3oCNHfo569CBrgqg0ZkhcAqC__eCJpSDKeRkk-yWIIFZuRz6UEpfYTF7oOG4585uicz8/s1080/relieve+funerario+estela+gladiador+aquileasiglo+II.jpg" /></a></div>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<b><span style="color: #990000;">Estela funeraria de HIppolitos A ΙΠΠΟΛΥΤΟΣ. Siglo III d.C. Museo de Éfeso, Turquía. </span></b>E<b><span style="color: #990000;">l relieve representa a un gladiador "thraex" (pl. thraeces), o tracio, era un tipo de gladiador romano, armado al estilo tracio con un pequeño escudo rectangular, cuadrado o circular llamado "parmula" (unos 60 x 65 cm) y una espada muy corta con una hoja ligeramente curvada llamada "sica" destinada a mutilar la espalda sin armadura de un oponente.</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgO_5q2TSCfXqqAvSm1kp1Z6u7txeUcB5xRZNJIaf-Hb7SfRVS-N-gZeZPbWsJjAnYqCDjVHq6tZgUHrfSEt41iCVJJncczO4Gff390xBot26Xq0fBEnkVsj7d9mVss5ba1muSLFK0M-hFN/s1600/relieve+funerario+de+gladiador+Efeso%252C+siglo+III.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1164" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgO_5q2TSCfXqqAvSm1kp1Z6u7txeUcB5xRZNJIaf-Hb7SfRVS-N-gZeZPbWsJjAnYqCDjVHq6tZgUHrfSEt41iCVJJncczO4Gff390xBot26Xq0fBEnkVsj7d9mVss5ba1muSLFK0M-hFN/s880/relieve+funerario+de+gladiador+Efeso%252C+siglo+III.jpg" /></a></div>
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<br />
<b><span style="color: #990000;">Fragmento de un friso que representa la lucha de dos gladiadores ΑΓΟΡΑΚΙΤΟΣ y ΜΑΡΙΣΚΟΣ. Alrededor del siglo II o III d .C. Procede de Turquía pero está en el Museo Arqueológico de Trieste. </span><span style="color: #990000;">Es un combate muy popular en los anfiteatros romanos: la lucha entre "secutores" y "retiarii". Los nombres de los gladiadores se encuentran cerca de las figuras talladas: Αγορ]άκ</span></b><b><span style="color: #990000;">ρ</span></b><b><span style="color: #990000;">ιτος, Agorakritos, el "retiarius", y Μάρισκος, Mariskos, el "secutor". Bajo la tribuna donde está Agorakritos, una inscripción ἀπελύθη ἓξω λούδου, nos recuerda que el "retiarius" fue liberado de los juegos de gladiadores; probablemente, su liberación fue una consecuencia de una extraordinaria victoria en la arena.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbJZiqHsoojxz-YjoAaPN8V5NDn63S4dOx4SA2oKRUrnv7UxJW93KsCL_VDVovp3EJvT6jWCuTxMer3vYgw_h7Y1s33_VL0cJF246xP0JIPHkdUROf0wA5eS9vnIHG3uRFFDY-48TP5O-l/s1600/releive+gladiatores+turquia+museo+de+trieste+s+II+y+III.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1551" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbJZiqHsoojxz-YjoAaPN8V5NDn63S4dOx4SA2oKRUrnv7UxJW93KsCL_VDVovp3EJvT6jWCuTxMer3vYgw_h7Y1s33_VL0cJF246xP0JIPHkdUROf0wA5eS9vnIHG3uRFFDY-48TP5O-l/s640/releive+gladiatores+turquia+museo+de+trieste+s+II+y+III.jpg" /></a></div>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<span style="color: #990000;"><b>Tumba estela de Mentor, un <i>Secutor</i> de Tralles (Aydin), Turquía. Siglo II d.C. Museo Arqueológico de Estambul. La inscripción dice </b></span><b style="color: #990000;">" Mentor fue el vencedor de todos los estadios famosos, y murió de acuerdo con su destino. </b><b style="color: #990000;">El poderoso Moïra [divinidad del destino] me ha llevado al Hades, y ahora yazco en esta tumba. </b><span style="color: #990000;"><b>Mi vida terminó en el manos ensangrentadas de Amarantos". </b></span><b style="color: #990000;">Mentor probablemente no era su verdadero nombre, ya que era frecuente que los gladiadores tomaran seudónimos</b><b style="color: #990000;"> de héroes famosos. En Homero, Mentor es compañero de Ulises, tutor de su hijo Telémaco. </b><b style="color: #990000;">Las seis coronas que se muestran indican que fue seis veces victorioso. </b><b style="color: #990000;">Su casco, su espada corta y su escudo rectangular nos confirman que Mentor era un "<i>secutor</i>".</b><br />
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<b><span style="color: #990000;">Estela de gladiador de Tralles, siglo II d. C. Museo Arqueológico de Estambul.</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiG1o-Vyb-_BM5aQuBtaIPEmJhoVPTJtwA9X0iTgkc7YHM1HXTN7YN-l26DPPN7EZgteJuPTmx8iukame6KMBLnLUQjRaYCuFHPX8oiFpThb0HNdATIdtdBZmJfUGZf8uMk7m2_rAkqfS__/s1600/Estela+de+galdiador+de+Tralles+siglo+II+Museo+arqueol%25C3%25B3cico+de+estambul.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="914" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiG1o-Vyb-_BM5aQuBtaIPEmJhoVPTJtwA9X0iTgkc7YHM1HXTN7YN-l26DPPN7EZgteJuPTmx8iukame6KMBLnLUQjRaYCuFHPX8oiFpThb0HNdATIdtdBZmJfUGZf8uMk7m2_rAkqfS__/s1100/Estela+de+galdiador+de+Tralles+siglo+II+Museo+arqueol%25C3%25B3cico+de+estambul.jpg" /></a></div>
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<b><span style="color: #990000;">Estela funeraria de gladiador. Principios del siglo III d.C. Museo Arqueológico Nacional de Tesalónica. Inscripción. Φιλουμένη Λευκάσπιδι τῷ ἰδίῳ μνήμης χάριν. De Philumena para Leukaspis, su propio marido, en su memoria. </span></b>E<b><span style="color: #990000;">sta estela data de principios del siglo III d.C. El relieve muestra al gladiador Leukaspis de pie frontalmente. Lleva un taparrabos protector, un cinturón y zapatos como botas. Su cabeza está erguida, y los pequeños rizos de su pelo forman una corona. A su izquierda están su “scutum” -escudo- y su casco. Este último tiene una forma redonda, y, en lugar de una visera, sólo dos agujeros para los ojos. Según su armadura, el gladiador Leukaspis pertenece a la categoría de "secutores". Su mano izquierda toca la cresta del casco mientras que su brazo derecho está levantado, sosteniendo la punta de una rama de palma. Cerca del gladiador un pequeño perro se para sobre su pie derecho. Además de la rama de palma, 13 coronas en la esquina superior derecha hacen referencia a sus victorias.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEio8kcgYCOeKzCBfZGBl_4BZ4OQgQU_hj8T9ZsRfsxd5vh39WyC8jwJCTkYEYt-Y9ruM8nMt6yvXVyeTKXYwKG-sh24TSmEKWo68kwrrtj3wE08llSIoIGwViVpQD6PXqA56wuW3no39-HX/s1600/releive+funerario+Gladiator+memorial+de+Tesal%25C3%25B3nica+siglo+III.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1430" data-original-width="1372" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEio8kcgYCOeKzCBfZGBl_4BZ4OQgQU_hj8T9ZsRfsxd5vh39WyC8jwJCTkYEYt-Y9ruM8nMt6yvXVyeTKXYwKG-sh24TSmEKWo68kwrrtj3wE08llSIoIGwViVpQD6PXqA56wuW3no39-HX/s660/releive+funerario+Gladiator+memorial+de+Tesal%25C3%25B3nica+siglo+III.jpg" /></a></div>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<b><span style="color: #990000;">Estela del gladiador Trypheros de Patrás, Grecia. Siglo II o III. La inscripción dice Τρυφερός πρ (ωτόπαλος) πυ (γμών) ια '. «Αλέξανδρος τω ίδίω πατρί μνείας χάριν. (Trypheros, primera categoría (ganada) once peleas. Alexandros a su padre, como recuerdo). Mármol, dim: 52.8 x 30.4 x 2.7 cm. </span><span style="color: #990000;">Estela de mármol blanco con frontón, en cuyo tímpano hay un pequeño escudo redondo o una phiale. En el campo hueco está representado en relieve un gladiador pesado, girado a la derecha; usa un casco que cubre toda su cara y hombros, perforado con quince agujeros delante de la cara; tórax bandas entrelazadas que cubren el brazo derecho; en su mano derecha sostiene una daga; cinturón compuesto de eslabones; Gran escudo rectangular de cuero, colgado con un arnés de cuero por el cuello. La pierna derecha está protegida por una cnemida con una rodillera arriba. La pierna izquierda está desnuda y solo tiene bandas en la rodilla y arriba del tobillo. A la derecha, su hijo, en Eros alado, extiende una gran palma con su mano derecha mientras que, con su mano izquierda, sostiene una corona; a la izquierda del gladiador, once coronas de victorias dispuestas en dos líneas. La inscripción está grabada debajo de la representación en una pancarta lisa.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNmAMa-C6XNIOsaTPMfD-6l_lEQkcU-0UkmAFUpyHJEarhUUOymzrmXmsDtSB5zpfitkHoKRq2roCQ3RHkkHymG0TKZ1XoJSwknAicoNr6nk99q34Dv0NpnoyJaLufrfTyQwZzotRRfja_/s1600/relieve+gladiador+patras%252C+siglos+II+o+III.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="723" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNmAMa-C6XNIOsaTPMfD-6l_lEQkcU-0UkmAFUpyHJEarhUUOymzrmXmsDtSB5zpfitkHoKRq2roCQ3RHkkHymG0TKZ1XoJSwknAicoNr6nk99q34Dv0NpnoyJaLufrfTyQwZzotRRfja_/s1050/relieve+gladiador+patras%252C+siglos+II+o+III.jpg" /></a></div>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<b><span style="color: #990000;">Relieve del sarcófago que representa a un "Retiarius" contra un "Secutor". Siglo III d.C. Museo de Éfeso, Turquía. </span><span style="color: #990000;">La losa describe la fase final de una lucha entre dos gladiadores. En el lado derecho hay un gladiador equipado como un "retiarius",que lucha contra un "secutor". El equipo de defensa del retiarius es mínimo: sólo un "galerus", un alto protector de hombro, protege su hombro izquierdo. Ataca con un tridente o "fuscina" sostenido con ambas manos, y sostiene una daga en su mano izquierda. El secutor lleva un casco con visera cerrada, un taparrabos (subligáculo); un "ocrea" protege su espinilla izquierda; su mano derecha sostiene una espada corta. Ha perdido su gran escudo rectangular, y ahora es muy vulnerable bajo los golpes del tridente del "retiarius". A la izquierda, un árbitro con un bastón mira la batalla entre estos gladiadores.</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdYjb2NMiXnZM4-yeCld5INMYbL8cHSwSBhO8u-OlTHoBB_8imzO9sSDApxq-5Mwf18GSAKK7HEE8P23L14XX9QgEkJRoZUCFX502GsQTJyfMl7-J4hB7THyuefidIyAQvvVJVU4EMvaGp/s1600/releive+funerario%252C+sarc%25C3%25B3fago+Retiarius+vs+Secutor+efeso+s.+III.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="590" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdYjb2NMiXnZM4-yeCld5INMYbL8cHSwSBhO8u-OlTHoBB_8imzO9sSDApxq-5Mwf18GSAKK7HEE8P23L14XX9QgEkJRoZUCFX502GsQTJyfMl7-J4hB7THyuefidIyAQvvVJVU4EMvaGp/s640/releive+funerario%252C+sarc%25C3%25B3fago+Retiarius+vs+Secutor+efeso+s.+III.jpg" /></a></div>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-56637233777516365072020-01-06T00:13:00.003+01:002020-01-06T12:11:18.001+01:00PICASSO Y MARIA THÉRÈSE, LOS RETRATOS MÁS SENSUALES. 14 AÑOS DE RETRATOS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4wMPM2Icen4MMjuS_E969abEqbxrKrNPZC3BhJSR3F6LtUHL386lnx_uW7J9CfHgzcGRpFlxVmcFAD8gQcD5iz9tp5c5L7qjN65mm7tJA8z62lx4f6YffK2eG8WISw0L5tSW-8cR5MNv-/s1600/Pablo+Picasso+with+his+painting+of+Marie-Th%25C3%25A9r%25C3%25A8se+Walter+%2528%2527Nude%252C+Green+Leaves+and+Bust%2527%252C+1932%2529.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="740" data-original-width="800" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4wMPM2Icen4MMjuS_E969abEqbxrKrNPZC3BhJSR3F6LtUHL386lnx_uW7J9CfHgzcGRpFlxVmcFAD8gQcD5iz9tp5c5L7qjN65mm7tJA8z62lx4f6YffK2eG8WISw0L5tSW-8cR5MNv-/s640/Pablo+Picasso+with+his+painting+of+Marie-Th%25C3%25A9r%25C3%25A8se+Walter+%2528%2527Nude%252C+Green+Leaves+and+Bust%2527%252C+1932%2529.jpg" /></a></div>
<br />
Las mujeres de la vida de Picasso fueron el punto de apoyo de su genio creativo. Los retratos de sus musas representan unos de los trabajos más expresivos del arte del siglo XX. Desde <a href="https://algargosarte.blogspot.com/2014/09/pablo-picasso-del-cubismo-analitico-al.html" target="_blank">los retratos cubistas de <b>Fernande Olivier</b> y <b>Eva Gouel</b></a> o las <a href="https://algargosarte.blogspot.com/2014/09/pablo-picasso-entre-el-cubismo.html" target="_blank">representaciones neoclásicas de <b>Olga Khokhlova</b></a>, hasta <a href="https://algargosarte.blogspot.com/2014/10/pablo-picasso-los-anos-del-compromiso.html" target="_blank">las pinturas de <b>Dora Maar</b></a> o las grandes obras finales que representan a F<a href="https://algargosarte.blogspot.com/2014/10/pablo-picasso-los-28-ultimos-anos-1945.html" target="_blank">rançoise Gillot, Sylvette y Jacqueline Roque</a>, pasando por los más sensuales, los de su joven amante desde 1927, <b>Marie-Thérèse, </b>que expondré en este artículo.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Olga y el taller del pintor en 1921. Fontainebleau.</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi42rZpLvRmCRCrdDszfutcZGieUJIaYPIFHi9wzEvSzm-XDknJ5U2ijTSG6Vcn3GG4ksiIcsaPlr4RjMshrtb99rbQzWrycd-7qeCpCsV-VxfIl1LXX0yZYjksa7Xo84sx6dyP1qdIWRGm/s1600/Olga+y+el+taller+del+pintor+en+1921.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="780" data-original-width="1214" height="410" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi42rZpLvRmCRCrdDszfutcZGieUJIaYPIFHi9wzEvSzm-XDknJ5U2ijTSG6Vcn3GG4ksiIcsaPlr4RjMshrtb99rbQzWrycd-7qeCpCsV-VxfIl1LXX0yZYjksa7Xo84sx6dyP1qdIWRGm/s640/Olga+y+el+taller+del+pintor+en+1921.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
Las pinturas sensuales de <b>Picasso</b> de su amante <b>Marie-Thérèse</b> reinan como emblemas del amor, el sexo y el deseo en el arte del siglo XX. La serie de retratos más importante fue realizada en 1932, año en que desveló a su joven amante dando un nuevo impulso tanto a su vida como a su arte. Poco se sabía sobre ella y del importante papel que desempeñó en la vida y el arte de Picasso, hasta 1964, cuando <b>Françoise Gilot</b>, la compañera del artista a fines de la década de 1940 y principios de la década de 1950 le dedicó varios pasajes en sus memorias de los años que pasó con Picasso, <b><span style="color: #cc0000;">"Vivre avec Picasso"</span></b>. Luego, en los años 70, la protagonista de esta historia concedió algunas entrevistas y su nieta, <b>Diana Widmaier Picasso</b>, ha dirigido varias exposiciones y escrito algunos libros sobre ella, que son la base para recomponer este romance. Desvelemos la importancia de esta musa para el pintor.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkcNasHiSL2V3SHskkxcD7rw1VnXeQWiC7E545yUW921C0QPjgxLeN7UDs4VGfQ5YA5heo8D1fPFjSA5TZIbOv6GUm37fVm14LCX76klgyx20s0Sy_QwzSr-g91ukmZ2lijZ8g9uEwNaii/s1600/1932.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="713" data-original-width="1245" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkcNasHiSL2V3SHskkxcD7rw1VnXeQWiC7E545yUW921C0QPjgxLeN7UDs4VGfQ5YA5heo8D1fPFjSA5TZIbOv6GUm37fVm14LCX76klgyx20s0Sy_QwzSr-g91ukmZ2lijZ8g9uEwNaii/s640/1932.jpg" /></a></div>
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
<b><span style="color: blue;">Picasso y Olga Khokhlova.</span></b><br />
<br />
<b>Picasso</b> vio por primera vez a <b>Marie-Thérèse</b> en las calles de París en 1927, cuando solo tenía diecisiete años. Él, de 46 años, vivía enredado en un matrimonio infeliz con <b>Olga Khokhlova</b>, la que había sido su musa desde 1917. <b>Picasso </b>había conocido a <b>Olga</b> en Italia y su aire refinado de bailarina le había conquistado, tanto que al año siguiente se casó con ella y tuvieron un hijo, Paulo, en 1921. <b> </b><br />
<br />
<span style="color: #990000;"><b>Fotógrafo desconocido. Pablo Picasso y Olga Khokhlova con su hijo Paulo en la terraza de un café de Pourville, </b></span><b style="color: #990000;">Normandía, agosto de 1932.</b><span style="color: #990000;"> </span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGEknv91EsS49KC7xOWBYzevrN8Lk-1Yam7DCxC1uCDXPwWSSRLSBK1JWMAkUzuOAJ_ftohcFt7DIXE5c2QqGZgmdtbGYwPiD4H3-kPvhx2MeYSUsUeeF_kvPZ5EeXhunVc8eGuA7Tc7PU/s1600/picasso+y+koklova+en+Normand%25C3%25ADa+1932.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="691" data-original-width="1214" height="364" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGEknv91EsS49KC7xOWBYzevrN8Lk-1Yam7DCxC1uCDXPwWSSRLSBK1JWMAkUzuOAJ_ftohcFt7DIXE5c2QqGZgmdtbGYwPiD4H3-kPvhx2MeYSUsUeeF_kvPZ5EeXhunVc8eGuA7Tc7PU/s640/picasso+y+koklova+en+Normand%25C3%25ADa+1932.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
El matrimonio conoció una ascensión social fulgurante que respondía al creciente reconocimiento de la obra de <b>Pablo Picasso</b>. Desde el principio, <b>Olga</b> aburguesó la vida y el estilo artístico de <b>Picasso</b>. Amuebló su piso de París, contrató un chófer y sirvientes, compró costosas joyas y entró en el círculo de la élite de la sociedad francesa. <b>Pablo Picasso</b> dejó la bohemia de su juventud y no dudaba en satisfacer los deseos de su mujer.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Izquierda. Pablo Picasso. Retrato de Olga en un sillón, primavera de 1918. Óleo sobre lienzo, 1300 x 888 mm. Musée National Picasso, París. </span></b><br />
<b><span style="color: #990000;">Derecha. Fotografía atribuida a Picasso o a </span></b><span style="color: #990000;"><b>Émile Delétang </b></span><b><span style="color: #990000;">de Olga en su estudio, posando como en el cuadro y con el mismo vestido, primavera de 1918.</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrOQD-45o7XKVZ_0CB-QxSeWa5u4iapMSPUr7OecbHnnaZgQ3q-MbuwLXy-ZrClYtUI-AWN_UMQINtuhZJnHT13lWNtAwZHtXfYOQ7SpU98iVSkkL_ZDbg90bA_3x7R3rRVJMj0TzdnuaW/s1600/khokhlova+1918%252C+cuadro+y+foto.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="985" data-original-width="1403" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrOQD-45o7XKVZ_0CB-QxSeWa5u4iapMSPUr7OecbHnnaZgQ3q-MbuwLXy-ZrClYtUI-AWN_UMQINtuhZJnHT13lWNtAwZHtXfYOQ7SpU98iVSkkL_ZDbg90bA_3x7R3rRVJMj0TzdnuaW/s640/khokhlova+1918%252C+cuadro+y+foto.jpg" /></a></div>
<br />
<b>Olga</b>, hija de un coronel del ejército imperial ruso, estaba acostumbrada al arte clásico y le horrorizaba el cubismo de su marido. <b>Picasso</b> la complació y pintó retratos de <b>Olga</b> y de su hijo en estilo clásico, ya que su esposa quería reconocer su cara y no tener que buscarla entre extrañas figuras geométricas. La pintura del artista regresó a la figuración más clásica, aunque siguió también en paralelo con el cubismo y siguió buscando nuevas formas expresivas con el surrealismo.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">En esta década Picasso experimentará diferentes estilos sin coherencia entre ellos. </span></b><br />
<b><span style="color: #990000;">Detalles de tres cuadros entre los que apenas hay cuatro años.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;">Cubismo decorativo: Los Tres músicos, 1921 </span></b><br />
<b><span style="color: #990000;">Clasicismo: Los enamorados, 1923</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;">Surrealismo: La danza, 1925</span></b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiG5VA_aRPuJk7hN0iUFiZB1MUtNotpjxtneKdykJQ-2gP3-1Xg-V8sYbiPfoDp8fNMIcfdqIj1PJ5_vrSu9_-5cGTlydD5Ph5Mu4DFFVJwNpE1YiZKk4iwVpAsHSmLOLOjZcWsUVluhjZK/s1600/tres+estilos+de+los+a%25C3%25B1os+20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="719" data-original-width="1245" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiG5VA_aRPuJk7hN0iUFiZB1MUtNotpjxtneKdykJQ-2gP3-1Xg-V8sYbiPfoDp8fNMIcfdqIj1PJ5_vrSu9_-5cGTlydD5Ph5Mu4DFFVJwNpE1YiZKk4iwVpAsHSmLOLOjZcWsUVluhjZK/s640/tres+estilos+de+los+a%25C3%25B1os+20.jpg" /></a></div>
<br />
A mediados de la década de 1920, su relación matrimonial comenzó a deteriorarse. El ambiente entre ellos se hacía insoportable. <b>Olga</b> sufría, no sin razón, cada vez más celos de <b>Picasso</b>. En un viaje a Montecarlo para ver el ballet de <b>Serguei Diáguilev</b>, se sintió particularmente herida por la afición de su marido a pintar a bailarinas. Más, si cabe, cuando <b>Olga</b> había sacrificado su carrera de ballet por el bien de su marido.<br />
<b><i><span style="color: #990000;"><br /></span></i></b>
<b><i><span style="color: #990000;">La danza</span></i></b> o <b><i><span style="color: #990000;">Los tres bailarines</span></i></b> (1925) fue el comienzo de una catarsis personal y artística. El cuadro se había esbozado en 1923 como una representación realista de bailarines de ballet ensayando. Volvió a retomar el cuadro a comienzos de 1925. Mientras <b>Picasso</b> estaba trabajando en ello, su viejo amigo <b>Ramon Pichot</b> murió. La mayoría de los historiadores aceptan que el trío representa su sentimiento por la muerte de su amigo. Sin embargo, otros escritores han interpretado la violencia en la pintura como una expresión de su ira cada vez más profunda con su esposa Olga y el mundo de la vida doméstica en el que ella lo había enjaulado. Ciertamente, las imágenes de danza en esta pintura de 1925 no podrían ser más diferentes del trabajo que Picasso estaba produciendo unos años antes, cuando se enamoró de Olga y del ballet. Recordar estos eventos transformó el enfoque de Picasso. Las figuras angulares distorsionadas, los colores ásperos y las superficies de pintura densamente trabajadas parecen expresar emociones violentas. Se inicia así el periodo expresionista y surrealista de la obra de Picasso<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Pablo Picasso. La danza, 1925. Óleo sobre lienzo, 215 x 142 cm. Tate Gallery, Londres.</span></b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<br />
<b><span style="color: blue;">El encuentro y los primeros años de los amantes clandestinos (1927-1932).</span></b><br />
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El pintor se sentía atrapado por la vida tan reglada y aburrida y por las escenas de celos que le montaba su mujer. Estaba en un momento en que necesitaba emoción y cambios. Deseaba encontrar una nueva musa inspiradora. El encuentro del artista con <b>Marie-Thérèse Walter</b> en enero de 1927 acentúa la crisis del matrimonio. </div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<br />
"Yo era una niña inocente", recordó <b>Walter</b> años después. “No sabía nada, ni de la vida ni de Picasso ... Había ido de compras a las Galerías Lafayette, y Picasso me vio salir del metro. Simplemente me tomó del brazo y dijo: '¡Soy Picasso! Tú y yo haremos grandes cosas juntos '”. A los pocos meses de su encuentro, Picasso le compró un apartamento en la rue La Boetie, cerca de la casa donde él vivía. Allí comenzó a pintarla y allí comenzó también una relación que duraría con intermitencias durante quince años.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Fotografía de Picasso de Marie-Thérèse Walter con el perro de su madre, Dolly, Alfortville, Francia, c. 1930.</span></b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<br />
La relación de la pareja se mantuvo en secreto durante muchos años, tanto por el matrimonio de <b>Picasso</b> con <b>Olga</b> como por la edad de <b>Marie-Thérèse</b>. Pero lo encubierto del asunto solo intensificó la obsesión de <b>Picasso</b> por ella. En cambio, para ella lo único que ocupaba su tiempo era el deporte y parecía indiferente a la pintura de su amante y a las vanidades de este mundo. Nunca se quejaba de este romance furtivo.<br />
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<br />
La nueva musa, <b>Marie-Thérèse</b>, se revelaba en los lienzos de bañistas con toda la energía de la juventud y el erotismo que inspiraban al artista. Los veranos de 1927 y 1928, pasados respectivamente en Cannes y Dinard, fueron particularmente productivos, allí <b>Picasso</b> se escapaba de su familia para pasar horas con su amante y recordaba sus encuentros en cuadros festivos en la playa. <b>Marie-Thérèse</b> era dulce, muy femenina, toda alegría, luz y paz. Con ella <b>Picasso</b> no tenía ningún problema, podía olvidarse de su vida cotidiana y seguir su instinto.<br />
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Las representaciones de Picasso de <b>Marie-Thérèse</b> van desde retratos reconocibles al instante hasta figuras radicalmente abstractas. Dos obras de 1928 transmiten una sensación de extremos estilísticos. Una litografía cuidadosamente observada y dibujada con ternura, sin ninguna referencia a la identidad del sujeto. Es un detalle muy cercano de una mejilla femenina suave, de los labios sensuales, nariz muy distintiva y ojos luminosos, los rasgos definitorios de su rostro. El pequeño lienzo de <b><i><span style="color: #990000;">Bañista y cabaña</span></i></b>, pintado en agosto de 1928. Lleno de insinuaciones sexuales juguetonas, la toalla caída, el doble sentido de una llave insertada en un ojo de la cerradura, evoca citas acaloradas en cabañas junto a la playa. El cuerpo desnudo de la bañista esconde detrás a la sombra recortada con el perfil del artista.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Pablo Picasso. Izquierda: Cara de Marie-Thérèse, octobre de 1928. Litografía, 20.3 x 14.1 cm. MoMA, Nueva York. Derecha: Bañista y cabaña en Dinard, agosto de 1928. Óleo sobre lienzo, 21.5 x 15.8 cm. MoMA, Nueva York.</span></b><br />
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<br />
Entre tanto, <b>Picasso</b> empieza a representar a <b>Olga</b> de modo inquietante, deformado y hasta brutal, con una violencia que expresa tanto la cólera de los celos como el sufrimiento del artista. En el <b><i><span style="color: #990000;">Gran desnudo sobre sillón rojo</span></i></b> de 1929, su mujer no es más que dolor, una forma de violencia expresiva.<br />
<br />
<span style="color: #990000;"><b>Pablo Picasso, Gran desnudo sobre sillón rojo, 1929. Óleo sobre lienzo, 195 x 129 cm. Musée National Picasso, Paris</b>.</span><br />
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<br />
En junio de 1930, <b>Picasso</b> compró un castillo en Boisgeloup cerca de Gisors en la Normandía, a 60 kms de París. Como era mucho más grande que su estudio de París, convirtió uno de los establos en un estudio de escultura, simultaneando sus trabajos en su estudio de París y allí. La nueva casa era además un lugar donde pasar los fines de semana en familia con su esposa y un refugio para estar a solas con su amante en los días de diario. Sólo unos pocos amigos íntimos del pintor y su chófer estuvieron al tanto de este amor secreto.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Foto de Brassaï. La entrada al estudio de escultura de Picasso en Boisgeloup, con su mastín pirenaico custodiando la puerta, 1932.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg40uqILBHFWoLQToDyan_LWYMjN9Kmwm1GP328zm28deWS7_VaECP90bPr3q1C_aZJH5-x-oKTdQ4xqQX_-hudlKH29xum3Ky6SeAwtKJWzsEFsrSHnXgI_TtWEO1g7iRRBRBip5UiwHoo/s1600/el+taller+de+boisgeloup+en+1932.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="945" data-original-width="763" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg40uqILBHFWoLQToDyan_LWYMjN9Kmwm1GP328zm28deWS7_VaECP90bPr3q1C_aZJH5-x-oKTdQ4xqQX_-hudlKH29xum3Ky6SeAwtKJWzsEFsrSHnXgI_TtWEO1g7iRRBRBip5UiwHoo/s800/el+taller+de+boisgeloup+en+1932.jpg" /></a></div>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<br />
En Boisgeloup, <b>Picasso</b> recuperó la escultura y desarrolló un nuevo lenguaje a lo largo de 1931 donde ya emergió en monumentales bustos de yeso el perfil clásico y fuerte cuerpo atlético de <b>Marie-Thérèse Walter</b>. Moldear el yeso húmedo a semejanza de su amante le ofreció a Picasso una forma de acariciarla en ausencia, pero al mismo tiempo, camuflaba esa presencia real en la cración de un icono o un ídolo que personificaba la imagen de la eterna mujer.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Foto de Brassaï. Yesos de bustos de mujer, Boisgeloup, diciembre de 1932. </span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<br />
Sin embargo, hasta ese momento no se había atrevido a hacer referencia explícita de su relación con su amante más que a través de un código simbólico que la introducía como una guitarra a la espera de ser plañida, como un collar en forma de boomerang, con sus iniciales bifurcadas o presentando su perfil inconfundible como una característica del fondo.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Pablo Picasso. Guitarra, abril de 1927. Óleo y carboncillo sobre lienzo, 81 x 81 cm. Musée Picasso, Paris. Las iniciales de M</span></b><b><span style="color: #990000;">aria Therese, </span></b><b style="color: #990000;">letras "M" y "T", </b><b><span style="color: #990000;">son evidentísimas. </span></b><span style="color: #990000;"><b>Este </b></span><b style="color: #990000;">criptograma es </b><b style="color: #990000;">la primeras evidencia de la presencia de la joven en la mente de Picasso.</b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhCSVjz88jwloBcHJVz2FeYbpnsz_PQi2j7UbnF5kUiBiK4OH1oPqlKmPrCbBxfz7PQAaECraQ418F1Rqu7xvAGeETXvuvYkMv_hpB9xyYaeuAR_fSEQ7oBCouRvsmMXHLJPGfCaIOzoHC/s1600/guitara+con+iniciales+1927+abril.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="801" data-original-width="814" height="628" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhCSVjz88jwloBcHJVz2FeYbpnsz_PQi2j7UbnF5kUiBiK4OH1oPqlKmPrCbBxfz7PQAaECraQ418F1Rqu7xvAGeETXvuvYkMv_hpB9xyYaeuAR_fSEQ7oBCouRvsmMXHLJPGfCaIOzoHC/s640/guitara+con+iniciales+1927+abril.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: #990000;">Picasso. El pintor y la modelo, 1928. Se puede apreciar el perfil de Marie-Thérèse Walter sobre el lienzo. </span></b><b><span style="color: #990000;">Ó</span></b><b style="color: #990000;">leo sobre lienzo, </b><b style="color: #990000;">129 x 163 cm. Museum of Modern Art, Nueva York, EE.UU.</b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvv8iogn7SaZTzjtd2tSkn-_0Z6TEpfFdUayUawJ777_JWDLojJV1_B7dkTCXsj0dprffAzoddi4HnuFRviq3wZ9w7ZRqt1p0wLJjoyAwOuvMPqsmyyoC7iZwKYaxlE-Je9cEDjRP3pyol/s1600/1928+Painter+and+his+model+129x163cm.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="869" data-original-width="1088" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvv8iogn7SaZTzjtd2tSkn-_0Z6TEpfFdUayUawJ777_JWDLojJV1_B7dkTCXsj0dprffAzoddi4HnuFRviq3wZ9w7ZRqt1p0wLJjoyAwOuvMPqsmyyoC7iZwKYaxlE-Je9cEDjRP3pyol/s640/1928+Painter+and+his+model+129x163cm.jpg" /></a></div>
<br />
El día de Navidad de 1931, después de pasar las festividades con familiares y amigos, Picasso no aguantó más y completó una pequeña pintura en la que había trabajado durante una semana: Mujer con una daga, una pesadilla surrealista de una mujer que apuñala a su rival sexual. El mismo día, también pintó un gran lienzo de una mujer sentada, sus rasgos faciales reemplazados por un corazón. Mientras que el primero aludía a relaciones matrimoniales cada vez más tensas, el segundo era un sueño pictórico sobre la amante secreta de <b>Picasso</b>, <b>Marie-Thérèse Walter</b>, de 22 años.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Picasso. mujer con una daga, 1929. Sobre el lienzo su esposa, Olga aparece clavando la daga en María Teresa, la amante. Aparentemente una interpretación más benigana podría ser considerar este cuadro como una nueva versión de Picasso de la pintura icónica de Jacques-Louis David, La muerte de Marat (1793).</span></b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijavLuGMHNl_NS-SjcfgYV8P0C1A6BnAeRgAqGbegzs-4YrO4Qs5cvd_USo11cO2g5ce2GieRoRxt4c35Kb7oCTSrBcIzlbaCFNwJT0OkzA2ujEg6s2TBJIJH23eMRkaYd1M7uXfebrXNg/s1600/mujer+con+una+daga+1939.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="743" data-original-width="976" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijavLuGMHNl_NS-SjcfgYV8P0C1A6BnAeRgAqGbegzs-4YrO4Qs5cvd_USo11cO2g5ce2GieRoRxt4c35Kb7oCTSrBcIzlbaCFNwJT0OkzA2ujEg6s2TBJIJH23eMRkaYd1M7uXfebrXNg/s640/mujer+con+una+daga+1939.jpg" /></a></div>
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La primera serie que representa claramente a <b>Marie-Thérèse</b> la pintó en enero de 1932, antes de la primera gran exposición retrospectiva que <b>Picasso</b> estaba preparando para junio de ese año en la Galeria George Petit de París. El pintor ya no pudo reprimir el impulso creativo que le inspiraba su amante, especialmente a medida que su matrimonio se hacía cada vez más insoportable. El resultado fue una catarsis de pintura lánguida y amorosa, de una <b>Marie-Thérèse</b> de piel lila. Picasso produjo una serie de retratos que representaban una figura femenina sentada en un sillón, leyendo, durmiendo o aparentemente absorta en la música. A principios de marzo marcó un momento de extraordinaria creatividad, incluso para los estándares de Picasso. En el transcurso de doce días, pintó un grupo de grandes lienzos de retratos, bodegones y desnudos reclinados todos inspirados en su amante.<br />
<span style="color: #990000;"><br /></span>
<b><span style="color: #990000;">Pablo Picasso, Izquierda. <i>El sueño</i>. Centro, <i>La lectura. </i>Derecha, Mujer desnuda en sillón rojo. Óleos sobre lienzo, 1932.</span></b><br />
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Con la retrospectiva que se celebró en la galería Georges Petit de París entre junio y julio de 1932, <b>Picasso </b>quería silenciar a los críticos que creían que su obra ya no era contemporánea y también superar a su amigo y rival <b>Henri Matisse</b> que había organizado una retrospectiva allí en 1931. El artista, que se encargó personalmente de hacer la selección de obras, reuniendo lienzos de todos sus períodos hasta los últimos retratos de <b>Marie-Thérèse,</b> que aún no había mostrado a nadie.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Fotógrafo desconocido. Invitados el día de inauguración de la retrospectiva de Picaso en la Galeria George Petit, junio de 1932.</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMvlrc2JsQUDzwlfCIpI2FYocjxGQ_APp52xzgHhaeRhAsgh_OjTowpfT1pvYnt7ZWZ2dNZum2_Qu0BFLxsMwhkSDs6rRLeoZKbtbf9VSodkW8S2NY1sORPnDOCncqg8AQuvAXyqHKFUvi/s1600/retrospectiva+galeria+george+petit++junio+1834.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="835" data-original-width="1209" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMvlrc2JsQUDzwlfCIpI2FYocjxGQ_APp52xzgHhaeRhAsgh_OjTowpfT1pvYnt7ZWZ2dNZum2_Qu0BFLxsMwhkSDs6rRLeoZKbtbf9VSodkW8S2NY1sORPnDOCncqg8AQuvAXyqHKFUvi/s640/retrospectiva+galeria+george+petit++junio+1834.jpg" /></a></div>
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Colgó los recientes retratos de <b>Marie-Thérèse</b> junto con sus monumentales desnudos neoclásicos y composiciones cubistas y surrealistas anteriores. Para todos fue un descubrimiento, era la primera pista pública de que una nueva mujer había entrado en la vida del artista. <b>Olga</b>, al ver las numerosas referencias de <b>Picasso</b> a un rostro específico de mujer que claramente no era el suyo, se dio cuenta que su esposo tenía una amante. Sin embargo, aún el lugar de honor en la retrospectiva fue otorgado a un grupo de pinturas que celebraban a la familia de Picasso, con retratos de su esposa e hijo presididos por un autorretrato de su período azul de principios de 1900.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Fotógrafo desconocido. Una de las salas de la retrospectiva de Picasso, junio de 1932. </span></b><span style="color: #990000;"><b>Seleccionó obras de toda su carrera, sin mostrar fechas y sin colgarlas en orden cronológico, como si dijera que todas sus obras tienen la misma importancia y valor.</b></span><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<b><span style="color: blue;">¿Pero qué hacían tan especiales a los retratos de Marie-Thérèse de 1932? </span></b><br />
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La respuesta es la sensualidad y el erotismo que trasmitían. Los senos de la mujer representada son redondos como frutas y el perfil de la cara, generalmente con los ojos cerrados, se dibuja en una curva audaz que une la frente y la nariz por encima de los labios gruesos y sensuales. El color lila de la piel posiblemente hace referencia a la noche y a los contrastes lumínicos de la relación clandestina de los amantes. Las imágenes sugerentes no se limitan a las líneas o el color, sino a un lenguaje simbólico muy fácilmente descifrable. Veamos algunos de estos retratos donde se desata la pasión de <b>Picasso</b> por su amante. Por ejemplo, en <b><span style="color: #990000;"><i>Joven mujer con mandolina</i>, </span></b>el instrumento musical en su regazo se entiende como una alusión a sus genitales expuestos, al igual que el libro abierto en <b><span style="color: #990000;"><i>La lectura.</i></span></b><br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Picasso. Joven mujer con mandolina, 1932.</span></b><span style="color: #990000;"><b> Óleo sobre madera, 64.2 x 46.9 cm. Universidad de Míchigan.</b></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjabN2MqaVHZjjAfi7nDAIhxKrMBDTJH4dRAPiCZ1nMCsEc0K6ur1vxFFfdc7pJupeYoHhCVBkLInm-XESI2v0qcWIXSYuIK1xtks7WvoTu6arF5LgbtAnGpA_y26iOFFF7vaZx1QNNOiN9/s1600/La+mandlina+1932+65.5+por+51cm..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1023" data-original-width="750" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjabN2MqaVHZjjAfi7nDAIhxKrMBDTJH4dRAPiCZ1nMCsEc0K6ur1vxFFfdc7pJupeYoHhCVBkLInm-XESI2v0qcWIXSYuIK1xtks7WvoTu6arF5LgbtAnGpA_y26iOFFF7vaZx1QNNOiN9/s850/La+mandlina+1932+65.5+por+51cm..jpg" /></a></div>
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En <b><i><span style="color: #990000;">El sueño</span></i></b> hay un referencia muy explícita al falo del artista en la parte superior del rostro de la mujer, así como las manos cruzadas entre las piernas. Ambas referencias no deja ninguna duda sobre la naturaleza del sueño erótico de <b>Marie-Thérèse</b>.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Pablo Picasso. El sueño, 1932. Óleo sobre lienzo, 130 cm × 97 cm. Colección privada.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrkfiwHC_3TPX6IKKRFOb0WifByKX5KrcCUJflZAlIdvASkz7dkft52zH2_dTe5Bl57jfk5FsWupnQkg3UjRLEEFvOcrJxvhwvtMW1HoGaf1Dw40g6XFW3OXiKvKd_xSXNKKP-Zfa5Ko-j/s1600/ablo+Picasso+Le+Re%25CC%2582ve+%2528The+Dream%2529+1932+Private+collection.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1176" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrkfiwHC_3TPX6IKKRFOb0WifByKX5KrcCUJflZAlIdvASkz7dkft52zH2_dTe5Bl57jfk5FsWupnQkg3UjRLEEFvOcrJxvhwvtMW1HoGaf1Dw40g6XFW3OXiKvKd_xSXNKKP-Zfa5Ko-j/s870/ablo+Picasso+Le+Re%25CC%2582ve+%2528The+Dream%2529+1932+Private+collection.jpg" /></a></div>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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En <b><i><span style="color: #990000;">Mujer desnuda en un sillón rojo</span></i></b>, <b>Marie-Thérèse </b>se presenta como una serie de curvas sensuales, donde incluso los brazos de la silla se han elevado y exagerado para hacer eco de las formas redondeadas de su cuerpo. La cara es una imagen doble, puesto que el lado derecho se metamorfea en la cara de su amante de perfil que la besa en los labios. Estos desnudos femeninos en sillones también respondieron directamente al trabajo de <a href="https://photos.app.goo.gl/RyMC7ffYX6UBxu5B7" target="_blank"><b>Matisse, </b>que<b> </b>pintó muchas mujeres así</a>. Sin embargo, los cuadros de <b>Matisse</b> a menudo se centraron en el juego de color y el exotismo mientras que los de <b>Picasso</b> buscan representar una imagen mucho más personal, tierna y altamente emocional de su musa.<br />
<span style="color: #990000;"><span style="color: black;"></span></span><br />
<b><span style="color: #990000;">Pablo Picasso. Mujer desnuda en un sillón rojo, 1932. Óleo sobre lienzo, 130 × 97 cm. Tate Gallery, Londres.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYJUHBcES0U8__2IdKEr0hCwbT3s_08B2QOGEJ_jO4pd14g5lcEH7WInCMMveCOVPQou3TKT_ei4imDJGzTyh87S-iTc3BLq5eZSB7gTtPwWOoSxBta6UmbQD4KKjkA49cPMMcY7fUJo7B/s1600/mujer+desnuda+en+sill%25C3%25B3n+rojo+1932.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="968" data-original-width="720" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYJUHBcES0U8__2IdKEr0hCwbT3s_08B2QOGEJ_jO4pd14g5lcEH7WInCMMveCOVPQou3TKT_ei4imDJGzTyh87S-iTc3BLq5eZSB7gTtPwWOoSxBta6UmbQD4KKjkA49cPMMcY7fUJo7B/s850/mujer+desnuda+en+sill%25C3%25B3n+rojo+1932.jpg" /></a></div>
<span style="color: #990000;"><span style="color: black;"><br /></span></span>
<span style="color: #990000;"><span style="color: black;">La extraordinaria </span><b style="color: black;"><i><span style="color: #990000;">Nature morte aux tulipes</span></i></b><span style="color: black;"> nos proporciona una síntesis de los dos medios principales (pintura y escultura) que Picasso utilizó para representar el impacto físico de su joven amante. Más que muchas de las imágenes de esta época, evidencia su deseo de objetivar su modelo en el verdadero sentido de la palabra. Esta gran imagen, completada en menos de tres horas en un solo día en marzo, es uno de los ejemplos más poderosos de la búsqueda incansable de Picasso, con la imagen de <b>Marie-Thérèse</b> transformada en un divino objeto de veneración.</span></span><br />
<span style="color: #990000;"><b><br /></b></span>
<span style="color: #990000;"><b>Pablo Picasso. Naturaleza muerta, busto y tulipanes, 1932. Óleo sobre lienzo, 130 x 97 cm. Pintado el 2 de marzo de 1932.</b></span><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNZB2bsMf5T0GgJoJcRrfAx3AWOgmi6ugzQnw69CQZDwy6UYqjo7xSnGlnu5DTOxcvr4oWcWL7x7gHBooztKvpr0wd94Qtv7anq_z1WIsrEB0wGXcWwlR0LaFQQjhyphenhyphenYnBrXjPUw4BhRBVh/s1600/Pablo+Picasso%252C+Nature+morte+aux+tulipes%252C+1932%252C+oil+on+canvas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1184" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNZB2bsMf5T0GgJoJcRrfAx3AWOgmi6ugzQnw69CQZDwy6UYqjo7xSnGlnu5DTOxcvr4oWcWL7x7gHBooztKvpr0wd94Qtv7anq_z1WIsrEB0wGXcWwlR0LaFQQjhyphenhyphenYnBrXjPUw4BhRBVh/s850/Pablo+Picasso%252C+Nature+morte+aux+tulipes%252C+1932%252C+oil+on+canvas.jpg" /></a></div>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<b><i><span style="color: #990000;">El reposo</span></i></b> es una representación sorprendente e íntima que se encuentra entre las imágenes más icónicas de su obra y, por supuesto, definitoria de este periodo. Representa a la modelo serena durmiendo, con la cabeza de perfil griego, apoyada en el antebrazo y los dedos entrelazados. Los llamativos rasgos faciales de <b>Marie-Thérèse</b> son el foco principal de la composición. Está desprovista de los atributos que a menudo la acompañan en otras composiciones, como un libro o una mandolina, o las poses sentadas más formales que se encuentran en los lienzos más grandes. Es un cuadro simple en el que Picasso que se convierte en un voyeur extasiado, que captura silenciosamente a su amada, abandonada al sueño.<br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<b><span style="color: #990000;">Pablo Picasso. El reposo, 1932. Óleo sobre lienzo, 46 x 46.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrjqwtdGRg2Thy0hRRKnf2LgFMj9zrev8ynQnReN1VXCMdC7ypTfz6KvBCEh0P-X8s_91q9tuaz0Vj4JSEDFMIlor2w1d2Hf5rUyCeOkyS0CuL4ge-V4JF8ocjuYWrGhLwcH6LSlGN5vtY/s1600/Le+repose%252C+%25C3%2593leo+sobre+lienzo%252C+46+x46+cm%252C+1931.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrjqwtdGRg2Thy0hRRKnf2LgFMj9zrev8ynQnReN1VXCMdC7ypTfz6KvBCEh0P-X8s_91q9tuaz0Vj4JSEDFMIlor2w1d2Hf5rUyCeOkyS0CuL4ge-V4JF8ocjuYWrGhLwcH6LSlGN5vtY/s640/Le+repose%252C+%25C3%2593leo+sobre+lienzo%252C+46+x46+cm%252C+1931.jpg" /></a></div>
<b><br /></b>
A comienzos de marzo de 1932, Picasso trabajó en una serie de tres lienzos igualmente grandes que representan a una joven recostada y dormida. <b><span style="color: #990000;"><i>Desnudo, hojas verdes y busto</i> </span></b>es uno de estos lienzos, sabemos que lo pintó el 8 de marzo. <b>Marie-Théresè Walter</b> se estira voluptuosamente, mientras la sombra azul de la cabeza de <b>Picasso</b> asoma detrás del busto de su amante. El misterio de la sombra está ligado a otro aspecto de la imagen que no cede inmediatamente a ser descifrado: las dos bandas verticales en negro que corren como correas limitantes sobre el cuello y el abdomen de <b>Marie-Thérèse</b>. El significado de las bandas se vuelve más claro a medida que uno sigue su curso completo. La banda de la derecha forma una gran "P" mientras gira alrededor del busto escultórico, mientras que la banda de la izquierda forma una segunda "P", esta vez invertida, con los brazos y la cabeza levantados de la mujer. Tenemos, por tanto, las iniciales del artista. Mientras, los dedos de la mano trazan una "M" y quizás l a hendidura de su sexo también una "W". De esta manera, Picasso anuncia su identidad, y al superponer sus iniciales sobre ella, busca poseer a su amada y proclamar su destino común en su arte.<br />
<b><br /></b>
<b><span style="color: #990000;">Pablo Picasso. Desnudo, hojas verdes y busto, marzo de 1932. Óleo sobre lienzo,, 162 x 130 cm. Colección privada.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYwJHzsXVclgpvIlYG6phlLAovYchfV9xIySmAvSzSbqSBXOi23i_hce5P0tyg8QsRpvQpQZ12lpBgg3tMBvHxonxEb3YVxYUB5wz4UHTLQYFgDayZ-VvGWnbpL38TB3FPfh4y09xjFUN6/s1600/Nude%252C+green+leaves+and+bust+1932.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1282" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYwJHzsXVclgpvIlYG6phlLAovYchfV9xIySmAvSzSbqSBXOi23i_hce5P0tyg8QsRpvQpQZ12lpBgg3tMBvHxonxEb3YVxYUB5wz4UHTLQYFgDayZ-VvGWnbpL38TB3FPfh4y09xjFUN6/s800/Nude%252C+green+leaves+and+bust+1932.jpg" /></a></div>
<br />
La figura reclinada y curvilínea de <b>Marie-Thérèse</b> es como una musa benéfica, una ninfa del río que yace ante el pintor que la vela y protege. Una planta de filodendro parece brotar de su cuerpo fértil como si se metamorfoseara una nueva Dafne al contacto de Apolo. Los tonos azul oscuro de la cortina crean un ambiente nocturno. Sobre ella el busto de yeso adquiere una cualidad mágica, es como una luna brillante. Tal vez sea el cuadro más complejo y reflexivo de todos los que pintó a comienzos de 1932. Tanto le gustó el resultado final de ese cuadro al pintor que, cuando acaba la exposición retrospectiva, decidió quedarse con él para decorar su vivienda de París.<br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<b><span style="color: #990000;">Foto de Cecil Beaton. Picasso en su residencia parisina</span></b><b><span style="color: #990000;"> de rue La Boétie </span></b><b><span style="color: #990000;">23,. La foto está tomada ese mismo año </span></b><b><span style="color: #990000;">1932. En la pared, </span></b><b><span style="color: #990000;"><i>Desnudo, hojas verdes y busto, </i></span></b><b><span style="color: #990000;">el cuadro más simbólicos de los que había pintado. </span></b><span style="color: #990000;"><b>Pablo Picasso aparece seguro vestido a la última moda con traje, corbata y pañuelo de bolsillo. Un cigarrillo encendido en su mano. En la esquina inferior izquierda, parcialmente cortada por el borde de la fotografía, se apoya el retrato de su esposa Olga que pintó en 1918 mientras la cortejaba. A los efectos de la fotografía, Picasso parece haber sacado el retrato de su esposa de la pared y reemplazarlo con la pintura más grande de la joven mujer desnuda y el busto. </b></span><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZHZWqaHKvYt17Vc29-IZ95_duV4K-8jXcnNOVKlbgdJVOVt304PU2RmtvBN-JvhTENt45WXya_j4O6y2l1gMtlY6nxB2FFY-IcenF8iDYXAerDuL4S0UtFMyejhcTP_GhgdRteiQ3Zr5n/s1600/picasso+en+su+vivienda+de+paris.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1063" data-original-width="1005" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZHZWqaHKvYt17Vc29-IZ95_duV4K-8jXcnNOVKlbgdJVOVt304PU2RmtvBN-JvhTENt45WXya_j4O6y2l1gMtlY6nxB2FFY-IcenF8iDYXAerDuL4S0UtFMyejhcTP_GhgdRteiQ3Zr5n/s680/picasso+en+su+vivienda+de+paris.jpg" /></a></div>
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<b></b><br />
Después de completar <b><span style="color: #990000;"><i>Desnudo, hojas verdes y busto</i></span></b>, <b>Picasso</b> pasó a pintar <b><i><span style="color: #990000;">El espejo</span></i></b> el 12 de marzo. La figura desnuda y dormida de <b>Marie-Thérèse</b> llena la mitad inferior de la composición. En esta pintura, <b>Picasso</b> se esforzó por vencer a <b>Matisse</b> en el uso del arabesco, de un patrón para el fondo y de colores ricamente saturados. Es también su interpretación de las <b><span style="color: #990000;">Venus del Espejo </span></b>de <b>Velázquez</b> o de <b>Rubens</b>.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Pablo Picasso. El espejo, 1932. Óleo sobre lienzo, 130 x 90 cm. Colección privada.</span></b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi33deKcRjY1zj24CodMUPgIvb_v_a8Dxb3RQKILNQ2JYMF6FydqHcXDCvSvcFqs1oYPcITDdddOnassev3AZHnUBau26riFQR7NeuoOg7SYG4UhaX19Pybyfa-hEBiT4i2zXB9upkS7dyI/s1600/el+espejo+1932%252C+coleccion+privada.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="970" data-original-width="720" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi33deKcRjY1zj24CodMUPgIvb_v_a8Dxb3RQKILNQ2JYMF6FydqHcXDCvSvcFqs1oYPcITDdddOnassev3AZHnUBau26riFQR7NeuoOg7SYG4UhaX19Pybyfa-hEBiT4i2zXB9upkS7dyI/s850/el+espejo+1932%252C+coleccion+privada.jpg" /></a></div>
<br />
El 14 de marzo completó <b><i><span style="color: #990000;">Joven mujer delante de un espejo</span></i></b>. Una interpretación de esta pintura es que la imagen de la izquierda, <b>Marie-Thérèse, </b>la mujer que se miran al espejo es cómo Pablo Picasso ve a su amante, colorida, brillante, joven y bella. El reflejo oscuro la hace parecer muy vieja lo que se interpreta como su miedo a perder su juventud. Las alusiones a la juventud y la vejez, el sol y la luna, la luz y la sombra se comprimen en una sola cara multivalente.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Pablo Picasso. Joven mujer delante de un espejo, 1932. Óleo sobre lienzo, 162.3 x 130.2 cm. MOMA, Nueva York.</span></b><br />
<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhevZO2ROUB7GH2AvZY-qZugVvTfXT3xxf-h6Pe_N2A6EvdroYvOhip3hvak2VU7RgesAHSgiyganU3gtMGZkoPWIqObHZdr7NkvY60swUATOGp7SL99lBiKzyACh07HlHjr7CAdMf4L92m/s1600/Pablo+Picasso+Girl+before+a+Mirror+%2528Jeune+fille+devant+un+miroir%2529+1932+Oil+paint+on+canvas+1623+x+1302+mm+The+Museum+of+Modern+Art%252C+New+York..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1507" data-original-width="1200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhevZO2ROUB7GH2AvZY-qZugVvTfXT3xxf-h6Pe_N2A6EvdroYvOhip3hvak2VU7RgesAHSgiyganU3gtMGZkoPWIqObHZdr7NkvY60swUATOGp7SL99lBiKzyACh07HlHjr7CAdMf4L92m/s800/Pablo+Picasso+Girl+before+a+Mirror+%2528Jeune+fille+devant+un+miroir%2529+1932+Oil+paint+on+canvas+1623+x+1302+mm+The+Museum+of+Modern+Art%252C+New+York..jpg" /></a></div>
<br />
<b>Marie-Thérèse </b>aparece de nuevo en los cuadros que sigue pintando ese año tras la exposición. En octubre realiza <b><i><span style="color: #990000;">Mujer sentada frente a una ventana</span></i></b>, con su magnífico juego de colores entre el rojo oscuro y el color verde pistacho. La cara serena y escultural muestra a una mujer solemne y luminosa sentada junto a la ventana. En esta imagen <b>Picasso</b> refleja los tres roles que deseaba de ella: ser su modelo y a su vez su amor divino y profano. La sensualidad de la figura, aunque completamente vestida, se transmite a través de los contornos voluptuosos del cuerpo y de las cortinas, que contrastan con las líneas rectas de la silla, la sala y la ventana. <b>Marie-Thérèse</b>, vestida de forma sencilla y ubicada en el interior del estudio, asume aquí el papel de compañera, la figura femenina vista sin las distracciones de la angustia o la sexualidad. La pintura logra una calma y un reposo clásicos, un refugio temporal en una década turbulenta para Picasso.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Pablo Picasso. Mujer sentada frente a una ventana, 1932.<i> </i>Óleo sobre lienzo, 146 por 114 cm. Pintado en Boisgeloup el 30 de octubre de 1932.</span></b><br />
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<br />
En un acuerdo que aparentemente se adaptaba a ambas partes, los amantes nunca vivieron juntos, ni compartieron las tensiones o banalidades asociadas de la vida cotidiana. <b>Picasso</b> siguió haciendo una aparente vida normal en familia con <b>Olga</b>. En el verano de 1933 se fueron a Cannes y luego a Barcelona. Pero la tormenta se estaba gestando. <b>Pablo</b> consiguió que <b>Marie-Thérèse</b> fuera en secreto y la instaló en un hotel cercano. Una vez de vuelta en París, comenzó, por primera vez, a investigar la posibilidad de divorcio, sin embargo el matrimonio mantuvo las apariencias de una familia bien avenida.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Olga, Paul y Pablo Picasso en septiembre de 1932 frente a la catedral de Estrasburgo. Posan al lado del Hispano Suiza que compró en 1930 y que utilizó Pablo Picasso durante más de 20 años. En este vehículo con capacidad para ocho personas, conducido por su inseparable chófer, Marcel Boudin, Picasso realizó numerosos viajes de París a sus "escapadas" a Boisgeloup. También le sirvió como coche familiar, en este caso para ir a Zurich a ver su segunda retrospectiva del año 1932 o desplazarse a la costa en los viajes vacacionales.</span></b><br />
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b<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjls1hbacAKsevNKTpfiwuc-M_UsK4W_QOJWhlS1ozrXn0XkRkiTe9x83GGMtxM86TRT345MfZOKblgvA7v3DZN7cdeqCXHGQ00sJLll8-rNEhDBhtIVet8OIt8XCfSFhM-WuWvA2U7MBZv/s1600/familia+picaso+en+strasburgo+sept+1932.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="821" data-original-width="1409" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjls1hbacAKsevNKTpfiwuc-M_UsK4W_QOJWhlS1ozrXn0XkRkiTe9x83GGMtxM86TRT345MfZOKblgvA7v3DZN7cdeqCXHGQ00sJLll8-rNEhDBhtIVet8OIt8XCfSFhM-WuWvA2U7MBZv/s640/familia+picaso+en+strasburgo+sept+1932.jpg" /></a></div>
<br />
<b>Marie-Thérèse </b>fue la musa inspiradora femenina principal de dos series de grabados mitológicos, la <i><b><span style="color: #990000;">Metamorfosis</span></b></i> y la mítica <b><i><span style="color: #990000;">Suite Vollard</span></i></b>. que realizó Picasso a lo largo de los años 30. Los grandes temas son: la pasión amorosa personificada en la modelo, su relación con los artistas del pasado y del presente y hasta que punto puede considerarse la actividad creativa como algo divino. El Minotauro actúa como un autorretrato indirecto. El minotauro es simultáneamente dios y bestia, un monstruo que reflexiona y juzga sobre sí mismo según los valores antitéticos de la razón y la moralidad y de los de la pasión y los excesos. De alguna manera, el mito del laberinto también viene a ser el símbolo de su compleja vida. <b>Marie-Thérèse,</b> está presente como mujer carnal y como niña inocente. En este grabado de abajo conduce a un desvalido y ciego minotauro. Lleva en una mano una paloma blanca como símbolo de la limpieza de alma. Su vientre está preñado, símbolo y realidad de su amor ciego por la bestia.<br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<b><span style="color: #990000;">Pablo Picasso, Minotauro ciego dirigido por una niña en la noche (de la Suite Vollard), 1934-35. Aguatinta, punta seca y grabado buril,</span></b><span style="color: #990000;"><b> 49,8 x 69,3 cm</b></span><b><span style="color: #990000;">. </span></b><span style="color: #990000;"><b>Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.</b></span><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgl7YEWB9L69D8eFRgkjHjt-HDArBG93pRiVboPncJ6uyIHYe96xmPOzG5tmQFlbz77HXxbCDnCvrknmoLc3JoCgISSF0BLDbMNERfcQ1QYSwm2K09hKDqaG63kEXUz2qrXudsSUSDHLFsN/s1600/Minotauro+ciego+guiado+en+la+noche+por+una+ni%25C3%25B1a+1935.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1233" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgl7YEWB9L69D8eFRgkjHjt-HDArBG93pRiVboPncJ6uyIHYe96xmPOzG5tmQFlbz77HXxbCDnCvrknmoLc3JoCgISSF0BLDbMNERfcQ1QYSwm2K09hKDqaG63kEXUz2qrXudsSUSDHLFsN/s640/Minotauro+ciego+guiado+en+la+noche+por+una+ni%25C3%25B1a+1935.jpg" /></a></div>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<br />
En diciembre de 1934, casi ocho años después de su primer encuentro, <b>Marie-Thérèse </b>quedó embarazada y su hija Maya nació al año siguiente. Aquello marcó el final de su matrimonio con <b>Olga Picasso</b>. Aunque nunca se divorciaron, ella se mudó inmediatamente al sur de Francia, llevándose a su hijo con ella. <b>Picasso</b> describió esto como el peor período de su vida.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Foto de Picasso. Marie-Thérèse Walter dando de mamar a su hija Maya, 1936.</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKQnd-QDbSoXiulPtJYSba3mN52T82NB6RJSaQme8NCzWxWXjDT5UWXWsAxwIZYa3O0VzdxkR4snH-Ics12Tfgd5OqSRLNe-7xj1QjZ1-u0S_Xn6cHFkiXeyJlEY9lPDGY4s2Af_QSYJb_/s1600/maria+theres+e1936.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="781" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKQnd-QDbSoXiulPtJYSba3mN52T82NB6RJSaQme8NCzWxWXjDT5UWXWsAxwIZYa3O0VzdxkR4snH-Ics12Tfgd5OqSRLNe-7xj1QjZ1-u0S_Xn6cHFkiXeyJlEY9lPDGY4s2Af_QSYJb_/s1600/maria+theres+e1936.jpg" /></a></div>
<br />
Maya, nació el 5 de septiembre de 1935. La nueva familia vivió un tiempo juntos, con Picasso como padre. Sin embargo, la personalidad de <b>Marie-Thérèse</b>, aunque acogedora en comparación con su matrimonio tenso con <b>Olga</b>, no le interesaba por sí sola y menos como madre y esposa. Esto último estaba descartado legalmente, puesto que <b>Olga</b> le negó el divorcio. Al poco, el pintor reniega de la vida en familia. Dos meses después del nacimiento de <b>Maya</b>, <b>Picasso</b> conoció a <b>Dora Maar </b>y pronto se embarcó en una relación con ella que duró hasta 1942. <b>Picasso </b>la conoció a principios de 1936. En los meses siguientes, su aspecto llamativo, su inteligencia rápida y su sentido de independencia lo sedujeron y ella se convirtió en su amante. Su presencia en su vida complicó aún más una situación ya compleja.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Man Ray. retrato de la fotógrafa Dora Maar, 1936.</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidmx6RJqv0x_I3LejfZu70t4IY3k1V8e28QKBVgi-Vlv2JFnbxNuULN1zcM45fY2ddQPslb1T5goPNySWm8nkSfr5cvypJSBUi6C7sjCYspl1M3T_QvlSbBuuEf2PyJiTbW1cZVNaWEB73/s1600/dora+Maar%252C+1936+por+Man+Ray.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1040" data-original-width="800" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidmx6RJqv0x_I3LejfZu70t4IY3k1V8e28QKBVgi-Vlv2JFnbxNuULN1zcM45fY2ddQPslb1T5goPNySWm8nkSfr5cvypJSBUi6C7sjCYspl1M3T_QvlSbBuuEf2PyJiTbW1cZVNaWEB73/s800/dora+Maar%252C+1936+por+Man+Ray.jpg" /></a></div>
<br />
<b>Picasso</b> continuaría dividiendo su tiempo amoroso y su vida profesional entre sus amantes, con <b>Maar</b> pasará los días de diario en París y con <b>Marie-Thérèse, </b>los fines de semana en la casa que compró para ella y su hija a las afueras de París en Le Tremblay-sur-Mauldre. En 1936 y 37, de hecho, los cuadros inspirados en la imagen de <b>Marie-Thérèse</b> es muy superior a la de <b>Dora</b>, aunque ya se nota que el pintor ha encontrado un nuevo estilo o inspiración, que responde a una nueva mujer en su vida. Todavía los cuadros de estos años tienen mucho del colorido y sensualidad del periodo <b>Marie-Thérèse</b>, pero ya se aprecian nuevas experimentaciones formales y una intensidad emocional nueva. Son cuadros híbridos de los dos sentimientos. En <i><span style="color: #990000;"><b>Mujer con boina y vestido a cuadros (Marie-Thérèse Walter)</b></span></i>, la joven amante y madre se muestra de perfil, con los rasgos físicos de <b>Marie-Thérèse. </b>El pintor hasta emplea los colores audaces y primarios con los que la pintaba a principios de la década de 1930, pero hay elementos en el retrato que sugieren la presencia cada vez más dominante de la nueva amante de Picasso, <b>Dora Maar</b> a la que pinta por esas mismas fechas como <b><span style="color: #990000;">Mujer llorando</span></b>. El pelo largo y oscuro, la angularidad y las pestañas gruesas de <b>Maar</b> contrasta con la voluptuosidad, ya madura, de <b>Marie-Thérèse</b>. <b>Picasso</b> usa una paleta tonalmente cohesiva para crear un diálogo entre ambas pinturas.<br />
<br />
<span style="color: #990000;"><b>Picasso. Izquierda: Mujer con boina y vestido a cuadros (Marie-Thérèse Walter), 4 de diciembre de 1937. </b></span><span style="color: #990000;"><b>Óleo sobre lienzo, 55 x 46 cm. Colección privada. Derecha: Mujer llorando (Dora Maar), 26 de October de 1937. Óleo sobre lienzo, 61 x 50 cm, Tate Modern, Londres.</b></span><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBb5u25s4iMy4WkTDIiNc-OM0aYEEe6qign-9Ah8zwivsjM_fBPO7p924RvoDelzWzp9WHXMttY7YwN_Z56KN803dXLQk-vEmGG2_1GO9Te40Cs0_aP2JNccsKzacpG5xK-yehulhBlZ7I/s1600/maaria+therese+y+dora+maar+1937.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="665" data-original-width="1132" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBb5u25s4iMy4WkTDIiNc-OM0aYEEe6qign-9Ah8zwivsjM_fBPO7p924RvoDelzWzp9WHXMttY7YwN_Z56KN803dXLQk-vEmGG2_1GO9Te40Cs0_aP2JNccsKzacpG5xK-yehulhBlZ7I/s640/maaria+therese+y+dora+maar+1937.jpg" /></a></div>
<br />
Hasta en el <b><i><span style="color: #990000;">Guernica</span></i></b>, su obra más icónica, y en la que recibió la colaboración directa de <b>Maar</b> para pintarla y fotografiar su proceso de creación, es dominante el modeolo humano de <b>Marie-Thérèse</b>.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Picasso. Guernica, 1937. Óleo sobre lienzo, 349,3 x 776,6 cm. Museo Reina Sofia de Madrid.</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://static3.museoreinasofia.es/sites/default/files/obras/DE00050_0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="362" data-original-width="800" height="288" src="https://static3.museoreinasofia.es/sites/default/files/obras/DE00050_0.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
La relación entre las dos mujeres era comprensiblemente tensa. Cuando se declaró repentinamente la guerra, en septiembre de 1939, <b>Marie-Thérèse </b>y <b>Maya</b> estaban de vacaciones en Royan, al norte de Burdeos, y permanecieron allí hasta la primavera de 1941. La relación entre <b>Picasso</b> y <b>Marie-Thérèse </b>se fue haciendo más esporádica y ni la adoración que sentía por su hija pequeña le hizo recuperar la pasión que sintió por <b>Marie-Thérèse</b>. La historia de amor no superó los 14 años.<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
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<div style="line-height: 18.2000007629395px;">
<span style="font-size: 20px;"><strong><u>ARTÍCULOS DE PABLO PICASSO EN ESTE BLOG.</u></strong></span></div>
<ol style="color: black; font-family: "arial" , "helvetica" , sans-serif; font-size: 12px; line-height: normal;">
<li><span style="font-size: 16px;"><a data-blogger-escaped-mce_href="http://algargosarte.lacoctelera.net/post/2009/09/08/pablo-picasso-1881-1973-etapas-y-obras-principales-esquema" href="http://algargosarte.blogspot.com.es/2014/09/pablo-picasso-1881-1973-etapas-y-obras.html" target="_top">Pablo Picaso, 1881-1973. Breve biografía y esquema de etapas y obras principales.</a></span></li>
<li><span style="font-size: 16px;"><a data-blogger-escaped-mce_href="http://algargosarte.lacoctelera.net/post/2009/09/09/pablo-picasso-inicios-y-formaci-n-un-pintor-prometedor-1881" href="http://algargosarte.blogspot.com.es/2014/09/pablo-picasso-inicios-y-formacion-de-un.html" target="_top">Pablo Picasso. Inicios y formación de un pintor prometedor (1881-1901).</a></span></li>
<li><span style="font-size: 16px;"><a data-blogger-escaped-mce_href="http://algargosarte.lacoctelera.net/post/2009/09/10/pablo-picasso-expresionismo-las-etapas-azul-y-rosa-1901-190" href="http://algargosarte.blogspot.com.es/2014/09/pablo-picasso-expresionismo-de-las.html" target="_top">Pablo Picasso. El expresionismo. Las etapas azul y rosa. De 1901 a 1905.</a></span></li>
<li><span style="font-size: 16px;"><a data-blogger-escaped-mce_href="http://algargosarte.lacoctelera.net/post/2009/09/13/pablo-picasso-creaci-n-del-cubismo-1906-1909-caracter" href="http://algargosarte.blogspot.com.es/2014/09/pablo-picasso-la-creacion-del-cubismo.html" target="_top">Pablo Picasso. La creación del cubismo (1906-1909). Características y principales obras.</a></span></li>
<li><span style="font-size: 16px;"><a data-blogger-escaped-mce_href="http://algargosarte.lacoctelera.net/post/2009/09/15/pablo-picasso-del-cubismo-anal-tico-al-cubismo-sint-tico-19" href="http://algargosarte.blogspot.com.es/2014/09/pablo-picasso-del-cubismo-analitico-al.html" target="_top">Pablo Picasso. Del cubismo analítico al cubismo sintético (1910 a 1914/24). Características y obras.</a></span></li>
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</ol>
Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-55517079228062012842019-12-09T18:41:00.000+01:002019-12-15T09:18:36.442+01:00LOS SARCÓFAGOS DE BETHESDA, EL MENSAJE PALEOCRISTIANO DE LA SALVACIÓN Y DEL TRIUNFO SOBRE LA MUERTE.<div style="background-color: white; line-height: 24px; margin-bottom: 20px; padding: 0px; text-align: justify;">
<div style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">
<span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;"> </span></span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtaQ5boDVKRFRLK_pEj_Zamw4RHRd7ovLulLkY6SDXd4vsDncy4zdHY5vOC55Rs9QtTHyOjmS-5kfGxAWPddISCENd_m5iru63C_D1k-3BX5zR_WK6bReiLwg4WEZpmiAebPYYia8oUp5n/s1600/1-beba340c1f.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1277" data-original-width="904" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtaQ5boDVKRFRLK_pEj_Zamw4RHRd7ovLulLkY6SDXd4vsDncy4zdHY5vOC55Rs9QtTHyOjmS-5kfGxAWPddISCENd_m5iru63C_D1k-3BX5zR_WK6bReiLwg4WEZpmiAebPYYia8oUp5n/s900/1-beba340c1f.jpg" /></a></div>
<div style="font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">
<br /></div>
<div>
<div style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">
<div style="text-align: left;">
<span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="color: #171717;"><b>"Tiempo divino, los sarcófagos de Bethesda"</b> (</span><i><b><span style="color: #990000;">“Tempo divino, i sarcofagi di Bethesda”</span></b></i><span style="color: #171717;">), es el título de la exposición inaugurada desde el 7 de diciembre 2019 </span></span></span><span style="color: #171717;">hasta el 29 de marzo de 2020</span><span style="color: #171717;"> en los Museos Vaticanos. La exposición es muy sencilla, tan sólo se exhiben juntos dos sarcófagos casi gemelos con un tipo de representación repetida que se conoce como sarcófagos de Bethesda. Las dos obras son: la que conserva el propio museo, junto a la que proviene de la isla de Ischia, Italia. Para completar la exposición, faltarían una tercera lastra completa con el mismo motivo que se encuentra incrustada a 4 metros de altura en la fachada de la catedral de Tarragona, así como los </span>fragmentos de otros trece que se han encontrado repartidos por otras partes del Imperio de Occidente. </div>
</div>
<div style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">
<div style="text-align: left;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: left;">
<span style="color: #990000; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;"><b>El sarcófago (resaltado en blanco) sobre la fachada de la catedral de Tarragona, España. L</b></span><b style="color: #990000; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">os constructores medievales lo empotraron en la fachada de la catedral respetando el valor artístico e iconográfico de la obra. </b><b style="color: #990000; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">Mármol, 2,61 m. de largo por 0,61 m. de alto. </b></div>
<div class="separator" style="clear: both; color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuMu2jnaE832CIpv5E9yc34tt8WMDc-YaU976KNHhuvFqoz2z67BeqlkYr7iJwh5-QAioKeqKHjGHTBKt-WkKqvaBn4bjWcn2L5F3hEZzXbGolMfvXvJu22a93DQv9aeIYxlTcwzICX801/s1600/Spain.Tarragona.Catedral.+Detalle+del+sarc%25C3%25B3fago.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="543" data-original-width="1181" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuMu2jnaE832CIpv5E9yc34tt8WMDc-YaU976KNHhuvFqoz2z67BeqlkYr7iJwh5-QAioKeqKHjGHTBKt-WkKqvaBn4bjWcn2L5F3hEZzXbGolMfvXvJu22a93DQv9aeIYxlTcwzICX801/s640/Spain.Tarragona.Catedral.+Detalle+del+sarc%25C3%25B3fago.jpg" /></a></div>
<div style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">
<span style="color: #171717;"><br /></span></div>
<div style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">
<div style="text-align: left;">
La comparación de los dos sarcófagos que forman parte de la exposición nos ayuda a comprender tres hechos relevantes:</div>
</div>
<div style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">
</div>
<ul>
<li><div style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">
<div style="text-align: left;">
En primer lugar, la expansión notable del cristianismo por todo el Imperio en el siglo IV, especialmente en los reinados de los emperadores <b>Valentiniano</b> y <b>Teodosio</b> (354-395).</div>
</div>
</li>
<li><div style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">
<div style="text-align: left;">
En segundo lugar, el empeño del cristianismo por crear modelos iconográficos universales que difundieran los principales mensajes de su religión. Es decir, la nueva religión del imperio, como había hecho el paganismo, buscaba su propio lenguaje repetitivo de figuras y escenas que actuaran a modo de mitos fácilmente interpretables por cualquiera.</div>
</div>
</li>
<li><div style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">
<div style="text-align: left;">
Y en tercer lugar, que el medio que le pareció más útil para propagar esta iconografía fue el sarcófago. En él se tenía el "escenario" ideal para trasmitir mensajes por su formato alargado a modo de friso y por ser el receptáculo de los huesos de aquellos que murieron en la misma fe, lo que los convertían en objetos de contemplación por fieles y peregrinos. </div>
</div>
</li>
</ul>
<b><span style="color: #990000;">Mapa del cristianismo en la Antigüedad.</span></b><br />
<ul>
</ul>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikDzrFExvq07s79PCYEPKJllxcuD1Kl-WWzNZIi_JG6gYsy61XkPvmAaCtj2B3QiEgLGLQPDg-YfmB_ZcbpjAi1AmZPF_31jYtgUXom7_Nrcle8_IhPsnXoCWcoicERefzgqdxbh05oxYA/s1600/difusion+del+cristianismo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1053" data-original-width="1393" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikDzrFExvq07s79PCYEPKJllxcuD1Kl-WWzNZIi_JG6gYsy61XkPvmAaCtj2B3QiEgLGLQPDg-YfmB_ZcbpjAi1AmZPF_31jYtgUXom7_Nrcle8_IhPsnXoCWcoicERefzgqdxbh05oxYA/s640/difusion+del+cristianismo.jpg" /></a><br />
<ul>
</ul>
<div style="text-align: left;">
<b style="color: blue; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">Las escenas de milagros. La iconografía.</b></div>
</div>
<div>
<br />
<div style="text-align: left;">
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px; vertical-align: inherit;"><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">El modelo conocido como sarcófago de Bethesda </span></span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">toma su nombre de un detalle central de la representación: la curación de un paralítico en el estanque de Betzatà, o Bethesda (ver </span></span><em style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">Juan</em><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;"> 5,1-18)</span></span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">. </span></span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">En este modelo s</span><span style="vertical-align: inherit;">e repiten y reconocen también otras escenas evangélicas de milagros y episodios de la vida de Cristo por Galilea y Judea antes de comenzar la Pasión: la curación de dos ciegos en Cafarnaúm (narrada solo en </span></span><em style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">Mateo</em><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; vertical-align: inherit;"> 9, 27-31), la curación de la mujer hemorrágica también en Cafarnaúm (</span><em style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">Mateo </em><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; vertical-align: inherit;">9, 20-22), la llamada de Zaqueo en Jericó (</span><em style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">Lucas</em><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; vertical-align: inherit;"> 19, 1-10) y, finalmente, la entrada triunfal de Jesús en Jerusalem (</span><em style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">Lucas</em><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; vertical-align: inherit;"> 19, 29-38). </span></span><br />
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px; vertical-align: inherit;"><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; vertical-align: inherit;"><br /></span></span>
<span style="font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px; vertical-align: inherit;"><span style="color: #990000; font-family: "lora" , sans-serif; vertical-align: inherit;"><b>Los sarcófagos de Bethesda de Tarragona y del Museo Vaticano comparados.</b></span></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipBkVM3I_0VKlEzJzj0Htuo7F-1KWhq5MDht6UnCcrWXRvkfiPyyQRT2mUDHmUjaOKgcWbUQKFw3pKBzxOtp3b8R2IUjwen2Oe5GO1U6VoBVr08fc8Hn5fD8ykmlAL-06VTBUz-J3EZza9/s1600/sarc%25C3%25B3fagos+de+beteshada+tarragona+y+museo+vaticano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="805" data-original-width="1436" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipBkVM3I_0VKlEzJzj0Htuo7F-1KWhq5MDht6UnCcrWXRvkfiPyyQRT2mUDHmUjaOKgcWbUQKFw3pKBzxOtp3b8R2IUjwen2Oe5GO1U6VoBVr08fc8Hn5fD8ykmlAL-06VTBUz-J3EZza9/s640/sarc%25C3%25B3fagos+de+beteshada+tarragona+y+museo+vaticano.jpg" /></a></div>
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px; vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;"><br /></span></span>
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px; vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">Las escenas componen una sucesión estudiada y cronológica de </span><span style="vertical-align: inherit;">la misión terrenal del Jesucristo, "que pasó curando a todos los que estaban bajo el poder del diablo, porque Dios estaba con él "(</span><em>Hechos</em><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;"> 10: 37-38). Las curaciones revelan alegóricamente que Cristo libera con</span></span> el bautismo las cadenas del pecado como fueron liberados de sus males los ciegos, la hemorroísa y el paralítico en la piscina de Betesda. Que Cristo se compadece del publicano Zaqueo. Y que gracias a que Cristo entró triunfante en Jerusalén para con su pasión y muerte posterior se pudiera redimir la humanidad. El sacrificio de Jesús derrotó a la muerte, por lo que el sarcófago se convierte en un lecho de descanso esperando la resurrección.</span></div>
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px; vertical-align: inherit;">
</span>
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px; vertical-align: inherit;"><br /></span>
<span style="color: #990000; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px; vertical-align: inherit;"><b>Sarcófago de Bethesda de Ischia. Losa de mármol, 2,08 m. de largo por 0,58/0,59 de alto.</b></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilQMb0UYoomi5iMSIe6UMqh1jqct0zFy_cyM6-5wta7HLXDuWldooM8lUehzUuWHeu7HCQOGpIARFsXwIItcXE5SeOWOcqbqg6arDz6EBtRAS1AweCLnwSBmKPVTUfPw2iuu004eias96A/s1600/sarcofago+siglo+iv+Cristo+adviento+museo+vaticano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="510" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilQMb0UYoomi5iMSIe6UMqh1jqct0zFy_cyM6-5wta7HLXDuWldooM8lUehzUuWHeu7HCQOGpIARFsXwIItcXE5SeOWOcqbqg6arDz6EBtRAS1AweCLnwSBmKPVTUfPw2iuu004eias96A/s640/sarcofago+siglo+iv+Cristo+adviento+museo+vaticano.jpg" /></a></div>
<div style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">
<br /></div>
<div>
<div style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">
<div style="text-align: left;">
<span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">La primera escena trascurre en Galilea, cuando </span></span>Jesús <span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">salía por la puerta de la ciudad de Cafarnaúm. Le</span></span> seguían dos ciegos gritando que les curara. Jesús se paró y les tocó sus ojos diciendo: ¡Hágase en vosotros según vuestra fe! y curaron. Los dos divulgaron su fama por toda aquella región. En el sarcófago, <span style="vertical-align: inherit;">Jesús aparece </span>acompañado por sus discípulos en tamaño gigante (jerarquía de tamaño) y con su mano toca a los que creen en él: a los dos ciegos les otorga de nuevo la vista. Las escenas se enmarcan en un bello detalle de arcos y entablamentos arquitectónicos. <span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif;">El mensaje</span> alegórico es múltiple. Desde la realidad de la salvación en la fe de Cristo como que los dos ciegos representan a los dos pueblos, el judío y el gentil, los que creían en él y divulgaron por toda la tierra la venida de Jesucristo.</div>
</div>
<div style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">
<div style="text-align: left;">
<br /></div>
</div>
<div style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQLewYQ0CbeN6ORGn2OouGtOfUnlGUTW9nKwdntVmZIH1EL-jHnhM3iwd8bP_JMS-2uJ1buE3_tVSzuXqi8D5rB2v6a1gZK9zbbZDtI7FhM1C8z4jdimabevHDVfWVav5WuHY5uepkn3YL/s1600/sarcofago+siglo+iv+Cristo+adviento+museo+vaticano+curaciones.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="579" data-original-width="666" height="556" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQLewYQ0CbeN6ORGn2OouGtOfUnlGUTW9nKwdntVmZIH1EL-jHnhM3iwd8bP_JMS-2uJ1buE3_tVSzuXqi8D5rB2v6a1gZK9zbbZDtI7FhM1C8z4jdimabevHDVfWVav5WuHY5uepkn3YL/s640/sarcofago+siglo+iv+Cristo+adviento+museo+vaticano+curaciones.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: left;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: left;">
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif;"><span style="font-size: 18px;">La siguiente escena, también se desarrolla en Cafarnaúm. Dice las escrituras que entre la multitud que salía a recibir a Cristo </span></span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;">había </span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif;"><span style="font-size: 18px;">una mujer que hacía doce años que padecía de hemorragias menstruales continuas. Había sufrido mucho a manos de varios médicos, y se había gastado todo lo que tenía sin que le hubiera servido de nada, pues en vez de mejorar, iba de mal en peor. Cuando oyó hablar de Jesús, se le acercó por detrás entre la gente y le tocó el manto. Pensaba: «Si logro tocar siquiera su ropa, quedaré sana». Al instante cesó su hemorragia, y se dio cuenta de que su cuerpo había quedado libre de esa aflicción. </span></span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif;"><span style="font-size: 18px;">Jesús pregunta quién la ha tocado y la mujer le dice que ha sido ella; por su fe, la mujer queda curada. Por otro lado, en la religión hebrea t</span></span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;">ocar a una mujer con la menstruación era un tabú y Cristo, en vez de contagiarse, la purifica y la salva.</span><br />
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif;"><span style="font-size: 18px;"><br /></span></span>
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif;"><span style="color: #990000; font-size: 18px;"><b>Detalle del milagro de la curación del paralítico del sarcófago de Ischia.</b></span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2gSM9jP8o7srm7MOrTkK7HhRcggdMplcpJMBfyjdwOYv2Q61gJpJfc30E8ulVipr862d1Ja7iyWUtzrsiZRqMHC-0g5jwHfQ6XUuAHKIy4kJY0sfXV-cF06O8paSMenXX9pvdT_jvb_m0/s1600/curaci%25C3%25B3n+del+paral%25C3%25ADtico+de+Bethesda.+sarcofago+de+ischia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="660" data-original-width="1138" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2gSM9jP8o7srm7MOrTkK7HhRcggdMplcpJMBfyjdwOYv2Q61gJpJfc30E8ulVipr862d1Ja7iyWUtzrsiZRqMHC-0g5jwHfQ6XUuAHKIy4kJY0sfXV-cF06O8paSMenXX9pvdT_jvb_m0/s640/curaci%25C3%25B3n+del+paral%25C3%25ADtico+de+Bethesda.+sarcofago+de+ischia.jpg" /></a></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px; vertical-align: inherit;"><br /></span>
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px; vertical-align: inherit;">En la escena central del conjunto, Cristo se detiene </span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px; vertical-align: inherit;">frente al pórtico de entrada al estanque de Bethesda donde cura a un paral</span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif;"><span style="font-size: 18px;">ítico. Existía una leyenda de que en ese lugar de vez en cuando un ángel bajaba y removía sus aguas, cuando esto se producía proporcionaba la curación al primer enfermo que se bañara en él. Por ello,</span></span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;"> </span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;">una multitud de personas se concentraba a</span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;">lrededor de la piscina</span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;">. Entre los que se encuentra allí hay un hombre paralítico (escena inferior), que lleva mucho tiempo esperando a ser curado pero que su enfermedad le impide ser lo suficientemente rápido para ser el primero. </span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;">Entre las dos escenas se representa un listón rectangular donde aparecen las ondulaciones del agua de la piscina. </span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;">Así que (escena superior) Jesús lo sana, le ordena que se alce y se lleve la camilla sobre sus hombros. </span><br />
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;"><br /></span>
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;"><b style="color: #990000;">Detalle del milagro de la curación del paralítico del sarcófago del museo Vaticano.</b></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEib29biD-ZoGLXoQ540dBF0KWFmD4ix2j0q6TSciA1zA2o4fmH9ciFek8076PttJOmiDwNkTyEf9NtQz-Bc8cs0PoXQFWdIzG14ixuwLYdvTw-2G6-IYcvndHCqaUHiOnoPv4jwrwYcWfwG/s1600/milagro+de+bethesda.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1105" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEib29biD-ZoGLXoQ540dBF0KWFmD4ix2j0q6TSciA1zA2o4fmH9ciFek8076PttJOmiDwNkTyEf9NtQz-Bc8cs0PoXQFWdIzG14ixuwLYdvTw-2G6-IYcvndHCqaUHiOnoPv4jwrwYcWfwG/s640/milagro+de+bethesda.jpg" /></a></div>
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;"><br /></span>
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;">Esta imagen central, la más importante del frontal, podría representar también al difunto propietario del sarcófago. La posición del personaje recuerda una escena de un </span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;">banquete</span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;"> funerario pagano, tan habitual en Roma ya desde tiempos de los etruscos. De nuevo, la interpretación alegórica de la salvación, ya que sólo </span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px; vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">el poder del bautismo que ofrece Cristo al que cree en él es lo que puede liberar al hombre del mal y de la muerte. </span></span><br />
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px; vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">´</span></span><br />
<span style="font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px; vertical-align: inherit;"><span style="color: #990000; vertical-align: inherit;"><b>La conversión de Zaqueo y la entrada triunfal de Cristo en Jerusalem. Detalle del sarcófago de Ischia.</b></span></span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEju9QS9dGiYCdVYObakK1q3Zee1y85uoJLlecOxP4op9qJ_C_HEENO6SHKO-wcQUFckOjJMkItoMXfUpoFYFlFxDBtaabmxJRFB-LMhwkXg9S7l4aPhqYmhdSrcmUuNQNxnT3UmbMj3HCTS/s1600/Zaqueo+y+entrada+en+jerusalem.jpg" imageanchor="1" style="font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px; margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1256" data-original-width="1392" height="576" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEju9QS9dGiYCdVYObakK1q3Zee1y85uoJLlecOxP4op9qJ_C_HEENO6SHKO-wcQUFckOjJMkItoMXfUpoFYFlFxDBtaabmxJRFB-LMhwkXg9S7l4aPhqYmhdSrcmUuNQNxnT3UmbMj3HCTS/s640/Zaqueo+y+entrada+en+jerusalem.jpg" width="640" /></a></div>
</div>
</div>
</div>
<div style="background-color: white; line-height: 24px; margin-bottom: 20px; padding: 0px; text-align: justify;">
<div style="text-align: left;">
<div style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: small;"><span style="font-size: 18px;">La cuarta escena representa el pasaje del evangelio de San Lucas sobre la conversión de Zaqueo cerca de Jericó. </span></span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;">Zaqueo es un publicano, un judío que se había hecho rico como recaudador de impuestos para los romanos. L</span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;">os publicanos se quedaban con un tanto por ciento de lo recaudado, a modo de salario, y ejercían la extorsión sobre el pueblo, por lo que eran considerados pecadores.</span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;"> Como era bajo de estatura y quiere ver a Jesús, que estaba rodeado por una multitud, el rico hombre toma la humillante decisión de subirse a un árbol como un niño. Jesús que le ve le dice que se baje del árbol porque ese día se alojaría en su casa. La gente congregada recrimina a Jesús el hecho de querer quedarse en la casa de un pecador. Zaqueo se defiende de las críticas diciendo que dará la mitad de sus riquezas a los pobres y devolverá cuatro veces más todo lo que había podido robar. Jesús le dice que se ha salvado.</span></div>
<div>
<div style="color: black; font-family: "Times New Roman"; font-size: medium;">
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;"><br /></span></div>
<div style="font-family: "Times New Roman"; font-size: medium;">
<span style="font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;"><b><span style="color: #990000;">La entrada triunfal de Cristo en Jerusalem. Detalle del sarcófago de Tarragona.</span></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; color: black; font-family: "Times New Roman"; font-size: medium; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgslZWKddVhsqqeIPRLIJBd5LWjDb3p0dx_5mPNBFjFaCTLfJGkVPFH894qYJ_aMxe5rHFzhFPG6PRBP9nhAQfTDJAYRcPJcmLcSdN0_gAMOs35f39MtT07DUIh5kHjoEFWniyrXS0N7VOf/s1600/sarc%25C3%25B3fago+de+bethesda+catedral+de+tarragona+Entrada+triunfal.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="840" data-original-width="838" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgslZWKddVhsqqeIPRLIJBd5LWjDb3p0dx_5mPNBFjFaCTLfJGkVPFH894qYJ_aMxe5rHFzhFPG6PRBP9nhAQfTDJAYRcPJcmLcSdN0_gAMOs35f39MtT07DUIh5kHjoEFWniyrXS0N7VOf/s640/sarc%25C3%25B3fago+de+bethesda+catedral+de+tarragona+Entrada+triunfal.jpg" width="638" /></a></div>
<div style="color: black; font-family: "Times New Roman"; font-size: medium;">
<br /></div>
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;">En la última escena del sarcófago se ve a Jesús sobre un pollino haciendo su entrada triunfal en Jerusalem. La gente lo recibe extendiendo mantas por el camino o cortando ramas o palmas de los árboles. La entrada d</span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px;">el Mesías en la ciudad cumplirá su misterio salvador, con su Pasión y Resurrección. E</span><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif; font-size: 18px; vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">s la imagen más clara del advenimiento del Salvador, </span><span style="vertical-align: inherit;">del </span></span><em style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif; font-size: 18px;">adventus. </em><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif;"><span style="font-size: 18px;">La historia está llena de contrastes. Es la historia del rey que vino como un siervo humilde en un asno, no presumiendo en un corcel, no en vestiduras reales, sino con la ropa de los pobres y los humildes. Jesucristo no viene a conquistar a la fuerza como los reyes de la tierra, sino a ofrecer su propio sacrificio para la salvación de su pueblo. </span></span></div>
</div>
</div>
<div style="background-color: white; line-height: 24px; margin-bottom: 20px; padding: 0px; text-align: justify;">
<div style="text-align: left;">
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif;"><span style="color: blue; font-size: 18px;"><b>Los rasgos artísticos de los sarcófagos paleocristianos.</b></span></span><br />
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif;"><span style="font-size: 18px;"><br /></span></span>
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif;"><span style="font-size: 18px;">Ya hemos escrito <a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/09/los-sarcofagos-paleocristianos-el.html" target="_blank">sobre los sarcófagos paleocristianos</a> en este blog, pero merece la pena señalar algunos rasgos artísticos que entroncan en la figuración tardo imperial romana y en el inicio del arte cristiano occidental.</span></span><br />
<span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif;"><span style="font-size: 18px;"><br /></span></span>
<br />
<ul>
<li><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif;"><span style="font-size: 18px;">Las escenas deben ser formalmente simples, claras, para quien las contempla las identifique e interprete sin duda. Para ello se recurre a la repetición de las composiciones y de una serie de elementos, poses y figuras de los personajes o, lo que es lo mismo, se recurre a la creación de un modelo iconográfico. El sarcófago que nos sirve de reflexión, el tipo de Bethesda, no puede ser más paradigmático en este sentido, puesto que a través de los tres que se han conservado enteros apenas hay variación en ciertos detalles de las escenas o personajes introducidos en ellas.</span></span></li>
</ul>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEbrYWi3Y9VUYiKoS6uFeSjmvxe6C9bWBf5dF_SyknvPPD68TTQSg5bJVHGpCG0BUZ4dmRusCfhioAH0fMsZlPKJWdQN-bEW6Zs_yVtTec4YnHKL1wUQUtn428PrUp9a8lQW-CBsxZBM7z/s1600/sarc%25C3%25B3fagos+de+beteshada+tarragona+y+museo+vaticano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="805" data-original-width="1436" height="358" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEbrYWi3Y9VUYiKoS6uFeSjmvxe6C9bWBf5dF_SyknvPPD68TTQSg5bJVHGpCG0BUZ4dmRusCfhioAH0fMsZlPKJWdQN-bEW6Zs_yVtTec4YnHKL1wUQUtn428PrUp9a8lQW-CBsxZBM7z/s640/sarc%25C3%25B3fagos+de+beteshada+tarragona+y+museo+vaticano.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXrp9YRL4Wk1eP6csqRdFZvJovV_PncdsSoctV0qi9QOU3VqX14HwpgZj-ePldA2AN9odE79dZ2bXSkrwTZfcPj-Wu8z-9-HSztPQAFF1FKJTUjV3I-u2h4yDMtvnT5xGVCNV-rP4hd-TO/s1600/sarcofago+siglo+iv+Cristo+adviento+museo+vaticano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="510" data-original-width="1600" height="202" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXrp9YRL4Wk1eP6csqRdFZvJovV_PncdsSoctV0qi9QOU3VqX14HwpgZj-ePldA2AN9odE79dZ2bXSkrwTZfcPj-Wu8z-9-HSztPQAFF1FKJTUjV3I-u2h4yDMtvnT5xGVCNV-rP4hd-TO/s640/sarcofago+siglo+iv+Cristo+adviento+museo+vaticano.jpg" width="640" /></a></div>
</div>
<div style="text-align: left;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div style="text-align: left;">
<ul>
<li><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif;"><span style="font-size: 18px;">A Cristo se le representa estereotipado como joven imberbe, lo que suele ser habitual cuando aparece en su rol de sanador. El otro estereotipo, el de Cristo adulto barbado se reserva para difundir la imagen de Jesucristo como un maestro rodeado por sus discípulos impartiendo enseñanzas. Su imagen bella e idealizada refuerza su naturaleza divinal. Su expresión amable e inocente es cercana a la joven y bello Apolo uno de los dioses paganos sanadores o al dulce Orfeo capaz de salvar de la muerte.</span></span></li>
<li><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif;"><span style="font-size: 18px;">La figura de Cristo aparece vestido como cualquier otro personaje de la composición, con una simple túnica. Para distinguirlo del resto se le aplica un aumento ligero de su altura frente a sus discípulos y con gran desproporción frente a los pecadores (jerarquía de tamaño). El único objeto que constituye un atributo de su figura es un pergamino, que simboliza la ley mosaica y la nueva ley que surgirá con Cristo.</span></span></li>
</ul>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhaezwid6LeeQ2XqETKZLPbTPTZH3uSm7HuhY_FfyUlGnunhB3JdHcHnKVw46mzWULjaT6n9iXsNWMMBxyK0nWbSiX6FSyihg50ZcnaW_aG28-B6c6u_FBswOSBClG0Z-B9_tmLSZ7xCUNk/s1600/sarcofago+siglo+iv+Cristo+adviento+museo+vaticano+d.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="774" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhaezwid6LeeQ2XqETKZLPbTPTZH3uSm7HuhY_FfyUlGnunhB3JdHcHnKVw46mzWULjaT6n9iXsNWMMBxyK0nWbSiX6FSyihg50ZcnaW_aG28-B6c6u_FBswOSBClG0Z-B9_tmLSZ7xCUNk/s640/sarcofago+siglo+iv+Cristo+adviento+museo+vaticano+d.jpg" /></a></div>
<div style="text-align: left;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: left;">
<ul>
<li><span style="color: #171717; font-family: "lora" , sans-serif;"><span style="font-size: 18px;">Desde el punto de vista estilístico, son muchos los rasgos bajo imperiales y del <a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/el-relieve-plebeyo-romano-y-la-vida.html" target="_blank">relieve plebeyo</a> de la obra: la perspectiva jerárquica, la casi ausencia de espacio, la marcada isocefalia de los personajes, los rostros estereotipados de grandes ojos, las manos exageradamente grandes, los contornos duros a bisel... En definitiva, cuenta la expresividad más que la belleza formal.</span></span></li>
</ul>
<div>
<span style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif;"><span style="font-size: 18px;"><br /></span></span></div>
<div>
<span style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif;"><span style="font-size: 18px;">Más información sobre relieves e iconografía de los sarcófagos paleocristianos.</span></span></div>
<div>
<span style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif;"><span style="font-size: 18px;"><br /></span></span></div>
<div>
<span style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif;"><span style="font-size: 18px;"><a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/09/los-sarcofagos-paleocristianos-el.html" target="_blank">En este blog. Características y centrado sobre el de Juno Basso.</a></span></span></div>
<div>
<span style="color: #171717; font-family: lora, sans-serif;"><span style="font-size: 18px;"><a href="https://www.christianiconography.info/sarcophagi.html" target="_blank">En inglés. Análisis de muchos de los más conocidos.</a></span></span></div>
</div>
</div>
Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-64238090026095833742019-10-23T07:39:00.001+02:002019-10-24T07:23:48.522+02:00MIS OBRAS DE ARTE. LOS EPÍGRAFES. "Google fotos" como archivo fotográfico para la asignatura de Historia del Arte.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_cTbH8wP9avFDbKbe2HWSzI4mp6_NYOjEbp2UP7hiK0_sSIgh8RKoNoyHvetPfDv21pXC7qvEXJKk3cQRr8YTSBTHPXfojTtTdqe8JdpzezGuRv3Br68y-ksaMwwHrjRw7pd84Vrzm6vU/s1600/google+fotos+partenon+erecteion.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="937" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_cTbH8wP9avFDbKbe2HWSzI4mp6_NYOjEbp2UP7hiK0_sSIgh8RKoNoyHvetPfDv21pXC7qvEXJKk3cQRr8YTSBTHPXfojTtTdqe8JdpzezGuRv3Br68y-ksaMwwHrjRw7pd84Vrzm6vU/s650/google+fotos+partenon+erecteion.jpg" /></a></div>
<span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; letter-spacing: 0.3px;"><br /></span>
<span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: large; letter-spacing: 0.3px;">A lo largo del curso vamos a elaborar un archivo de imágenes claves de la asignatura, las imágenes mencionadas en los estándares de evaluación de la programación de la asignatura. </span><br />
<span style="font-size: large;"><span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; letter-spacing: 0.3px;"><br /></span>
<span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; letter-spacing: 0.3px;">Al final de estas instrucciones tienes una lista con las obras de arte nombradas. Esta lista la utilizaremos a lo largo de todo el curso, por tanto también servirá para la segunda y la tercera evaluación. Se supone que estas imágenes son las obras que pueden caer en forma de comentario de imagen en selectividad. En esta primera evaluación tendremos que crear fichas con las imágenes/estándares de los temas que veamos, que serán:</span></span><br />
<span style="font-size: large;"><span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; letter-spacing: 0.3px;"><br /></span>
<span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; letter-spacing: 0.3px;">- Arte Griego.</span></span><br />
<span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: large; letter-spacing: 0.3px;">- Arte Romano y Paleocristiano.</span><br />
<span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: large; letter-spacing: 0.3px;">- Arte Bizantino y Prerrománico.</span><br />
<span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: large; letter-spacing: 0.3px;">- Arte de Al Ándalus.</span><br />
<span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: large; letter-spacing: 0.3px;">- Arte Románico.</span><br />
<span style="font-size: large;"><br style="color: #5f6368; font-family: roboto, arial, sans-serif; letter-spacing: 0.3px;" /></span>
<span style="color: blue; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: large; letter-spacing: 0.3px;"><b>La tarea.</b></span><br />
<span style="font-size: large;"><span style="color: blue; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; letter-spacing: 0.3px;"><b><br /></b></span>
<span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; letter-spacing: 0.3px;">1.- Tendrás que crear <b>carpetas/álbumes on line</b> de cada uno de estos temas e introducir en ellos las fichas individuales de cada una de las obras de la lista con su correspondiente comentario. </span></span><br />
<span style="font-size: large;"><span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; letter-spacing: 0.3px;"><br /></span>
<span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; letter-spacing: 0.3px;">2.- <a href="https://photos.app.goo.gl/GqxsRys7ZWDufnyv7" target="_blank">Los álbumes se crearán en <b>google fotos</b></a> (se admiten sugerencias de hacerlo en otra herramienta). Varias son las ventajas de utilizar esta herramienta:</span></span><br />
<span style="font-size: large;"><br /></span>
<ul>
<li><span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: large; letter-spacing: 0.3px;">Su capacidad de almacenaje de hasta 15 gigas (la memoria del email), por lo que las imágenes aportadas pueden ser de cierta calidad.</span></li>
<li><span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: large; letter-spacing: 0.3px;">La facilidad de la subida de las imágenes.</span></li>
<li><span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif;"><span style="font-size: large; letter-spacing: 0.3px;">Se pueden añadir comentarios amplios.</span></span></li>
<li><span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif;"><span style="font-size: large; letter-spacing: 0.3px;">Se pueden modificar o manipular on line, por ejemplo, para darles brillo, color o reducir el tamaño.</span></span></li>
<li><span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif;"><span style="font-size: large; letter-spacing: 0.3px;">Se pueden poner textos que separen y clarifiquen las imágenes de cada carpeta, como por ejemplo las imágenes que pertenecen a la misma obra de arte o separar las obras de arquitectura de las de escultura y pintura...</span></span></li>
</ul>
<div>
<span style="color: #990000; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif;"><span style="font-size: large; letter-spacing: 0.3px;"><b>Ejemplo del interior de una carpeta (la del arte griego) con las dos primeras obras de los estándares. Se pueden añadir todas aquellas imágenes que clarifiquen la obra.</b></span></span></div>
<div>
<span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif;"><span style="font-size: 12px; letter-spacing: 0.3px;"><br /></span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUFQwIxH2xQzW2L6wG5bFFD4rSsR4QpcMtJXJJG2X0tn82w-RWUg0KVbbnlBDF2j2bYRolMJvPl1lxdoauvj0jVS5LEdhXiqi4OgRZe7EpWZdnvHU8oAJLDrsrwraCjUxrAKAxbWz0PnB5/s1600/google+fotos+ejemplo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="1367" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUFQwIxH2xQzW2L6wG5bFFD4rSsR4QpcMtJXJJG2X0tn82w-RWUg0KVbbnlBDF2j2bYRolMJvPl1lxdoauvj0jVS5LEdhXiqi4OgRZe7EpWZdnvHU8oAJLDrsrwraCjUxrAKAxbWz0PnB5/s650/google+fotos+ejemplo.jpg" /></a></div>
<div>
<span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif;"><span style="font-size: 12px; letter-spacing: 0.3px;"><br /></span></span></div>
<br />
<br style="color: #5f6368; font-family: roboto, arial, sans-serif; letter-spacing: 0.3px;" />
<span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: large; letter-spacing: 0.3px;">2.- Cada <b>ficha de obra</b> contendrá al menos.</span><br />
<span style="font-size: large;"><span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; letter-spacing: 0.3px;"><br /></span>
</span><br />
<ul>
<li><span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: large; letter-spacing: 0.3px;">a) Una imagen significativa de la obra y</span></li>
<li><span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: large; letter-spacing: 0.3px;">b) un comentario breve en el apartado información/descripción que indique:</span></li>
</ul>
<ol>
<li><span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: large; letter-spacing: 0.3px;">------- <b>Presentación de los elementos básicos</b>: título de la obra; estilo artístico; etapa o elemento cronológico; y autor (si debiéramos conocerlo). Esta parte debe ir destacada y en mayúscula.</span></li>
<li><span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: large; letter-spacing: 0.3px;">------- <b>Comentario.</b> <b>Descripción o rasgos estilísticos</b> que nos sirvan para atribuir la obra a un estilo, etapa y/o autor. Este es el núcleo del comentario y su contenido debe resumirse y no sobrepasar los 1000 caracteres. Recomiendo que se exponga con orden y destacando los rasgos más significativos usando el vocabulario adecuado. Evitad el corta y pega.</span></li>
</ol>
<div>
<span style="color: #990000; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif;"><span style="font-size: large; letter-spacing: 0.3px;"><b>Ejemplo de ficha con comentario (solo la presentación).</b></span></span></div>
<div>
<span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif;"><span style="letter-spacing: 0.3px;"><br /></span></span></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_HpQx9qjLbP-eKsPHEOPZ-VskeX6I9Kinl5sAmQ-DsVw4ezS5ywSyWvi2MIDuCAUDcnJ5PKKJmpXvGhSZ9HX3Kco9BkU9sf7QdaW_M0eszNNgQdpoMi719yVbJi-tEd7PKoinwaRd3n0R/s1600/google+fotos+partenon+ejemplo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="797" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_HpQx9qjLbP-eKsPHEOPZ-VskeX6I9Kinl5sAmQ-DsVw4ezS5ywSyWvi2MIDuCAUDcnJ5PKKJmpXvGhSZ9HX3Kco9BkU9sf7QdaW_M0eszNNgQdpoMi719yVbJi-tEd7PKoinwaRd3n0R/s650/google+fotos+partenon+ejemplo.jpg" /></a></div>
<br style="color: #5f6368; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 12px; letter-spacing: 0.3px;" />
<br />
<span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: large; letter-spacing: 0.3px;">3.- Si se cree necesario <b>se deberían añadir más imágenes de la lista o detalles de la misma.</b></span><br />
<span style="font-size: large;"><br style="color: #5f6368; font-family: roboto, arial, sans-serif; letter-spacing: 0.3px;" /></span>
<span style="font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: large; letter-spacing: 0.3px;"><b><span style="color: blue;">4.- ENTREGA.</span></b><span style="color: #5f6368;"> Cuando tengas todo hecho entrega la tarea con un enlace por cada carpeta creada a través de classroom.</span></span><br />
<span style="font-size: large;"><span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; letter-spacing: 0.3px;"><br /></span>
<span style="color: #5f6368; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; letter-spacing: 0.3px;"><br /></span>
<span style="color: #990000; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; letter-spacing: 0.3px;"><b>El documento con los estándares.</b></span></span><br />
<span style="color: #990000; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; letter-spacing: 0.3px;"><b><br /></b></span>
<span style="color: #990000; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; letter-spacing: 0.3px;"><b><br /></b></span>
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="900" msallowfullscreen="" src="https://app.box.com/embed/s/74km6rp0zajvjhmrwjm0eao4d1vfzufe?sortColumn=date&view=list" webkitallowfullscreen="" width="640"></iframe>Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-12729648972935781262019-07-05T18:15:00.001+02:002019-07-05T18:18:51.782+02:00EL EXAMEN DE EvAU DE ARTE DE JULIO DE 2019. COMUNIDAD DE MADRIDA mi parecer el examen de junio de la EvAU (EBAU) de Historia del Arte de la Comunidad de Madrid ha sido más fácil que el de la convocatoria de junio. Las dos opciones están equilibradas en dificultad, teniendo en cuenta el temario tan extenso. Esta vez, que ni el tema ni las imágenes sean de la parte final hace más fácil la primera parte de la prueba y permite al alumno escoger mejor.<br />
<br />
Teniendo en cuenta mis gustos personales hubiera hecho la opción A, porque el tema es más corto y el fresco de Masaccio da para hablar del Renacimento, pero comprendo que mis alumnos posiblemente hayan escogido la opción B porque la imagen de la Giralda está grabada en su memoria como algo común, aunque el tema sea de más difícil exposición. En cuanto a conceptos y autores, al poder descartar dentro de la pregunta los que domines peor o den menos juego es cuestión menor en la elección.<br />
<br />
¿Qué opción hubierais escogido vosotros?<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="900" msallowfullscreen="" src="https://app.box.com/embed/s/zgfsgauszlweivrh8ag6wncq4clegrfp?sortColumn=date&view=list" webkitallowfullscreen="" width="660"></iframe>
<br />
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
<b><span style="color: blue;">Los temas.</span></b><br />
Son manejables en especial el de la opción a por centrarlo en los ejemplos en la Hispania romana. el de la Escultura barroca es más amplio y de características muy distintas si hablamos de la escultura italiana, la francesa o la española, por lo que se puede ir demasiado lejos en los ejemplos.<br />
<br />
<b>La opción A</b><br />
<div style="background-color: white; box-sizing: border-box !important; color: transparent; cursor: text; font-family: sans-serif; font-size: 11.2566px; left: 157.758px; margin: 0px; padding: 0px; position: absolute; top: 330.562px; transform-origin: 0px 0px; transform: scaleX(0.991629); user-select: text; white-space: pre;">
LA ARQUITECTURA ROMANA EN HISPANIA</div>
<b><span style="font-family: sans-serif;"><span style="white-space: pre;">LA ARQUITECTURA ROMANA EN HISPANIA</span></span><span style="background-color: white; font-family: sans-serif; white-space: pre;">,</span></b> atendiendo a los siguientes epígrafes:<br />
a)Características generales<br />
b)Edificios más representativos y su función<br />
<br />
<b>La opción B</b><br />
<b>LA ESCULTURA BARROCA</b>, atendiendo a los siguientes epígrafes:<br />
a) Características generales<br />
b) Artistas y ejemplos más representativos<br />
<br />
<b><span style="color: blue;">Las imágenes a comentar</span></b>.<br />
<br />
<b>La opción A</b> es fácil, porque es el resumen de la perspectiva renacentista y de la pintura quattrocentista florentina. Más difícil, desde mi experiencia, es que los alumno recuerden el nombre de <b>Massacio </b>y el tema que representa <b><span style="color: #990000;">La Santísima Trinidad</span></b> de Santa María Novella y entiendo que el corrector lo tendrá en cuenta ya que es un estandar.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXXLb2vILqqVI_tlHZnajU2jNZ6kJJHAenX_s-_5_rF1tmVgSUJZrumfOwKTHWjZvl9tf_6egYxAJ3fBnaRa4GnqqsMMaELQlTCP3rF9h_v84-kx5m_Z3UN17ExN_-VeX1zTKi-55CCz58/s1000/Massacio.+Trinidad.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1482" data-original-width="802" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXXLb2vILqqVI_tlHZnajU2jNZ6kJJHAenX_s-_5_rF1tmVgSUJZrumfOwKTHWjZvl9tf_6egYxAJ3fBnaRa4GnqqsMMaELQlTCP3rF9h_v84-kx5m_Z3UN17ExN_-VeX1zTKi-55CCz58/s1180/Massacio.+Trinidad.jpg" /></a><br />
<br />
<b>La opción B</b> es archiconocida, como la anterior imagen, pero con la ventaja de que a ésta se le pueden aplicar todas las características de la arquitectura de Al Andalus y no errar en el título, la <b><span style="color: #990000;">Giralda de Sevilla</span></b>., el antiguo minarete de la mezquita almohade.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkmDzpV6IeGvRbo5Ggp-a7NxZb-Wpz3KIGd_PUJ5IHeINeER6idL1nAPwDpzPsg8eb3zPivjT1yBaFJoBbHsMSDxEMP3xrPgOGN02ghsX8XjwFlviXpyh2dr1Ljr99fuVrpKaiuDWL_zOZ/s1600/Giralda.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img alt="" border="0" data-original-height="1281" data-original-width="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkmDzpV6IeGvRbo5Ggp-a7NxZb-Wpz3KIGd_PUJ5IHeINeER6idL1nAPwDpzPsg8eb3zPivjT1yBaFJoBbHsMSDxEMP3xrPgOGN02ghsX8XjwFlviXpyh2dr1Ljr99fuVrpKaiuDWL_zOZ/s1600/Giralda.jpg" title="Giralda" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
<b><span style="color: blue;">Los conceptos y movimientos artísticos.</span></b><br />
<br />
Este tipo de pregunta está desequilibrada puesto que valora de forma absurda que se resuelvan conceptos muy profundos y sobre los que se pueden escribir libros (ej. Arte Bizantino) y otros que no tienen mucho que decir de ellos (ej. nartex).<br />
<br />
La opción A: <b>Arte Bizantino, Cubismo, Romanticismo, Pop Art, escorzo, tímpano, alminar, fotografía</b><b>.</b><br />
<br />
La opción B: <b>Neoclasicismo, Arte Helenístico, Dadaísmo, Expresionismo, nártex, mausoleo, orden dórico, pintura al óleo.</b><br />
<b><br /></b>
<b><span style="color: blue;">Los artistas, sus características y obras.</span></b><br />
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
Como la anterior pregunta, no es equiparable lo que el alumno puede saber de unos autores u otros. En esta convocatoria los autores resultan difíciles en ambas opciones, es decir, hay muchos autores que apenas se puede sacar suficiente información para que se pueda otorgar un punto entero. Este tipo de pregunta está sobrevalorado.<br />
<br />
La opción A: <b>Maestro Mateo, Monet, José Benito Churriguera, Kandinsky, Dalí</b>.<br />
<br />
La opción B: <b>Murillo, Mirón, Juan de Villanueva, Leon Battista Alberti, Rodin</b>.<br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-6759417124715506432019-06-06T21:41:00.000+02:002019-06-06T21:52:39.709+02:00EL EXAMEN DE HISTORIA DEL ARTE DE LA EBAU (EvAU) DE LA COMUNIDAD DE MADRID. JUNIO DE 2019El último examen de la EvAU (EBAU) de Historia del Arte de la Comunidad de Madrid resulta asequible, pero quizá no se pueda brillar con él. Las dos opciones tienen algunas dificultades propias de un temario tan extenso que hace difícil que se complete y hay conceptos o autores de esa última parte a donde llegar es una quimera.<br />
<br />
Teniendo en cuenta mis gustos personales hubiera hecho la opción A, aunque sólo fuera por disfrutar explicando las características y las obras/autores del Pintura gótica flamenca, pero comprendo que mis alumnos posiblemente hayan escogido la opción B porque la imagen del Discóbolo es muy atractiva par comentar y lucirse. ¿Qué opción hubierais escogido vosotros?<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="900" msallowfullscreen="" src="https://app.box.com/embed/s/kfit212jcdctp20za260j6x3rccwdd7k?sortColumn=date&view=list" webkitallowfullscreen="" width="660"></iframe>
<br />
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
<b><span style="color: blue;">Los temas.</span></b><br />
No son los fáciles del temario, pero son importantes y se puede establecer un discurso con una concreción que permite lucirte si sabes hablar de las obras y de los artistas.<br />
<br />
<b>La opción A</b><br />
<b>LA PINTURA GÓTICA FLAMENCA</b>, atendiendo a los siguientes epígrafes:<br />
a)Características generales<br />
b)Artistas y obras más representativas<br />
<br />
<b>La opción B</b><br />
<b>LA ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA</b>, atendiendo a los siguientes epígrafes:<br />
a) Características generales<br />
b) Principales arquitectos y obras más representativas<br />
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
<b><span style="color: blue;">Las imágenes a comentar</span></b>.<br />
<br />
<b>La opción A</b> es fácil si se ha podido llegar a ver la arquitectura del siglo XIX y, en concreto, las obras del Hierro y Acero, puesto que <b><span style="color: #990000;">la Torre Eiffel</span></b> es paradigmático y archiconocido<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhR9AJYASIr3QRBqPv_U1UaewAt6BPfKDMzdB0R0ofN0vL50ayKWV84atieSoAOyPvlf7Yc_eHLeCO_T36ZdXwHy37_qEE82DYEHiqCrVpHg4Hd8jUG7UfFa8wsvd2FB9OGeECwKYAk8azI/s1600/Torre+eifel..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1197" data-original-width="621" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhR9AJYASIr3QRBqPv_U1UaewAt6BPfKDMzdB0R0ofN0vL50ayKWV84atieSoAOyPvlf7Yc_eHLeCO_T36ZdXwHy37_qEE82DYEHiqCrVpHg4Hd8jUG7UfFa8wsvd2FB9OGeECwKYAk8azI/s1600/Torre+eifel..jpg" /></a></div>
<br />
<br />
<b>La opción B</b> es tan concida como la anterior imagen, con la ventaja de que a ésta se le pueden aplicar todas las características de la escultura clásica griega, puesto que <b><span style="color: #990000;">El Discóbolo de Mirón </span></b>es también el paradigma de la misma.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh69RuxLVoSt28VYVgz_61N6NsflDGws4LRi_EzH3JUgo_GfPZjwEXvJYqQ1C70o0nsPXI4EDS8Wp1KRQ02iHzcxFQ18kDucGLd_qtIUL3vCSJuLuh5mHjfMKeabAlZbNxhzOnGHhHtcSez/s1600/Miron+discobolo+s+V.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1403" data-original-width="1058" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh69RuxLVoSt28VYVgz_61N6NsflDGws4LRi_EzH3JUgo_GfPZjwEXvJYqQ1C70o0nsPXI4EDS8Wp1KRQ02iHzcxFQ18kDucGLd_qtIUL3vCSJuLuh5mHjfMKeabAlZbNxhzOnGHhHtcSez/s850/Miron+discobolo+s+V.jpg" /></a></div>
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
<b><span style="color: blue;">Los conceptos y movimientos artísticos.</span></b><br />
<br />
Este tipo de pregunta está desequilibrada puesto que valora de forma absurda que se resuelvan conceptos muy profundos y sobre los que se pueden escribir libros (ej. Quattrocento) y otros que no tienen mucho que decir de ellos (ej. pechina).<br />
<br />
La opción A: <b>Arte Helenístico, Quattrocento, Romanticismo, Surrealismo, anfiteatro, mosaico, acuarela, arco de triunfo.</b><br />
<br />
La opción B: <b>Románico, Impresionismo, Bauhaus, Escuela de Chicago, bóveda, arco de herradura, pechina, perspectiva aérea.</b><br />
<br />
<b><span style="color: blue;">Los artistas, sus características y obras.</span></b><br />
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
Como la anterior pregunta no es equiparable lo que el alumno puede saber de Miguel Ángel o Velázquez y lo que puede saber de Renoir o Munch.<br />
<br />
La opción A: <b>Van Gogh, Miguel Ángel, Velázquez, Renoir, Frank Lloyd Wright</b>.<br />
<br />
La opción B: <b>Van Eyck, Masaccio, Goya, Canova, Munch</b>.<br />
<br />
<br />Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-5733882093349417432019-01-06T21:29:00.001+01:002019-01-06T21:29:42.796+01:00ARQUITECTURA DE LA DINASTÍA DE LOS SEVEROS. CARACTERÍSTICAS Y PRINCIPALES EDIFICIOS. LA EXPOSICIÓN "ROMA UNIVERSALIS" (2)Como ya dijimos en un <a href="https://algargosarte.blogspot.com/2018/12/escultura-de-la-dinastia-de-los-severo.html" target="_blank">anterior artículo</a>, hay otra buena razón más para visitar Roma hasta el 25 de agosto de 2019: perderse por el renovado Parque Arqueológico del Coliseo y ver la extraordinaria exposición <b><i><span style="color: #cc0000;">"Roma Universalis: El Imperio y la dinastía venida</span></i></b><b><i><span style="color: #cc0000;"> de África"</span></i></b>. Ya conocimos, en otro artículo, <a href="https://algargosarte.blogspot.com/2018/12/escultura-de-la-dinastia-de-los-severo.html" target="_blank">la historia de esta familia y nos familiarizamos con sus rostros a través del análisis de sus retratos</a>, por eso, en éste, me centraré en otros aspectos que ilustra la exposición. En concreto voy a analizar algunos de sus logros políticos que me parecen importantes para entender el devenir del imperio y profundizar en cómo se sirvieron de la arquitectura para hacer propaganda política de su dinastía.<br />
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjGK19H1VPVb-XjLd19HewNVvHq38h1h6ghRHx8eULp8qs_qn7qcYFaNO0Hs-h7jdnmTCtRVAFK6zP9BErCgYupWZPiiKfqziat_CzSd_VJ_4jFKm_F1Avugz16RZP7H5Q1bz7-eWj7nu9/s1600/Dr_znJOXcAAk9cQ.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="533" data-original-width="1022" height="332" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjGK19H1VPVb-XjLd19HewNVvHq38h1h6ghRHx8eULp8qs_qn7qcYFaNO0Hs-h7jdnmTCtRVAFK6zP9BErCgYupWZPiiKfqziat_CzSd_VJ_4jFKm_F1Avugz16RZP7H5Q1bz7-eWj7nu9/s640/Dr_znJOXcAAk9cQ.jpg" width="640" /></a></div>
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
<b><span style="color: blue;">Sobre los espacios de la exposición.</span></b><br />
<br />
La exposición está extendida por todo el Parque arqueológico, pero especialmente se divide en tres grandes ubicaciones que involucran el<b style="color: #cc0000;"> Coliseo</b>, la <b><span style="color: #cc0000;">Domus Severiana</span></b> o residencia histórica de los Severos en la <span style="color: #cc0000;"><b><a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/09/el-palatino-los-palacios-de-los.html" target="_blank">Colina Palatina</a></b></span> y el <b style="color: #cc0000;"><a href="https://algargosarte.blogspot.com/2014/09/arquitectura-romana-urbanismo-de-la.html" target="_blank">Foro Romano</a></b>.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Arriba el plano de Google maps para localizar las ubicaciones y d</span></b><b><span style="color: #990000;">ebajo el plano de los ámbitos de la exposición.</span></b><br />
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="450" src="https://www.google.com/maps/embed?pb=!1m18!1m12!1m3!1d3532.1632108313065!2d12.484940662175903!3d41.888913098525606!2m3!1f0!2f0!3f0!3m2!1i1024!2i768!4f13.1!3m3!1m2!1s0x132f61b5a34f37f3%3A0x9d9bf39cc11700c2!2sPalatine+Hill!5e0!3m2!1ses!2ses!4v1545765401099" style="border: 0;" width="650"></iframe>
<br />
<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_IUc4h9QjFDeRWuhEfiAW2XTmeeASs7oGZY2rllptJKnnGKUTzplrk3aOF1J4QJXxKP_34CYIAuam0WByDChYNCpBFG5Iwaydvx0RY3S4wv84dCkoBMdfsdR1omD0BVgOR1fa3LQ0xzjp/s1600/plano+parque+arqueol%25C3%25B3gico+del+coliseo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1591" data-original-width="1560" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_IUc4h9QjFDeRWuhEfiAW2XTmeeASs7oGZY2rllptJKnnGKUTzplrk3aOF1J4QJXxKP_34CYIAuam0WByDChYNCpBFG5Iwaydvx0RY3S4wv84dCkoBMdfsdR1omD0BVgOR1fa3LQ0xzjp/s660/plano+parque+arqueol%25C3%25B3gico+del+coliseo.jpg" /></a><br />
<br />
El principal ámbito expositivo es el corredor interior anular del segundo piso del anfiteatro donde se han dispuesto vitrinas con esculturas, maquetas de edificios, piezas arqueológicas y paneles explicativos que permiten hacernos una idea sobre la dinastía y sus logros. Por cierto, el <b><span style="color: #cc0000;">Coliseo</span></b> es un espacio que también tiene que ver con los Severos, puesto que bajo el reinado de los últimos monarcas de esta dinastía fue reconstruido después de su incendio del año 217.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJDFcSLvWm8K-Ap7iDUM0wDtpUO06JeL4_IZWTlsldA1w5AiId9Bo6AYUa8bWmutDP-PVG-9483Xsp65zvQYb5I7eLAPMxUZVLYykyXyvgvP1UydOxXUefwRdZWoj1EoQS-3ajBjN9n5P6/s1600/182136239-389ea8a9-132d-4660-a549-1b57841caaaa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="660" data-original-width="989" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJDFcSLvWm8K-Ap7iDUM0wDtpUO06JeL4_IZWTlsldA1w5AiId9Bo6AYUa8bWmutDP-PVG-9483Xsp65zvQYb5I7eLAPMxUZVLYykyXyvgvP1UydOxXUefwRdZWoj1EoQS-3ajBjN9n5P6/s640/182136239-389ea8a9-132d-4660-a549-1b57841caaaa.jpg" width="640" /></a></div>
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<br /></div>
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Una vez fuera del mismo, la visita nos ofrece continuar nuestro recorrido hacia el <a href="https://algargosarte.blogspot.com/2014/09/arquitectura-romana-urbanismo-de-la.html" style="color: #cc0000; font-weight: bold;">Foro Romano</a> hasta llegar al <b><span style="color: #cc0000;">arco que levantó Septimio Severo</span></b>. Por el camino podemos atravesar espacios arqueológicos que hasta ahora no eran visitables como el <b><span style="color: #cc0000;"><a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/13/Templo_de_Romulo_Foro_Romano.jpg" target="_blank">templo de Rómulo</a></span></b> y las conocidas como<span style="color: #990000;"> <b><span style="color: #cc0000;"><a href="http://archeopalatino.uniroma1.it/sites/default/files/u42/logistica_corretta__0.jpg" target="_blank">termas de Heliogábalo</a></span></b></span> en la zona cercana a la via Sacra y al <b><span style="color: #cc0000;">Arco de Tito</span></b> o el <b><span style="color: #cc0000;">Clivus ad Carinas</span></b>, pasaje que conducía de la vía Sacra al <a href="http://www.mercatiditraiano.it/sites/default/files/f_infopage/tempio%20della%20pace_0.jpg" style="font-weight: bold;" target="_blank"><span style="color: #cc0000;">Templo de la Paz</span></a><b style="color: #990000;">. </b></div>
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<br /></div>
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En el <b><span style="color: #cc0000;">Palatino</span></b> podemos ver las estancias de la <b><a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/09/el-palatino-los-palacios-de-los.html" target="_blank">Domus Augustana</a></b> y la <a href="https://pbs.twimg.com/media/DZ3YXe6W4AA91Kt.jpg" target="_blank"><b><span style="color: #cc0000;">Domus Severiana </span></b></a> y visitar alguna sala abierta para la ocasión como la "sala de los capiteles". </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
<b><span style="color: #990000;">El clivus ad Carinas. Este pasaje abovedado unía al popular barrio de Carinas con el templo de la Paz de Vespasiano en los foros imperiales. El pasadizo se ha abierto con ocasión de la inauguración de esta exposición pues estuvo cerrado muchas décadas.</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSVZIKsvVKkg9VqDZFDJPqRf978-ggDgbkJcqf0JoaIikrcx485U9Qpxord1OHsEYlzOQ6S35oOTZfv-BeXXi4c3UvG5f6ydpPkQEJpjvGcvD2NlOSj0TVErztbjup_MN85fnlJ8U-b5l1/s1600/Vicus+ad+Carinas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="900" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSVZIKsvVKkg9VqDZFDJPqRf978-ggDgbkJcqf0JoaIikrcx485U9Qpxord1OHsEYlzOQ6S35oOTZfv-BeXXi4c3UvG5f6ydpPkQEJpjvGcvD2NlOSj0TVErztbjup_MN85fnlJ8U-b5l1/s850/Vicus+ad+Carinas.jpg" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: #990000;">El espacio expositivo del interior del templo de Rómulo. Las pinturas murales son medievales, ya que el edificio se convirtió en una iglesia. Se ha abierto para exponer un grupo de esculturas descubiertas recientemente en las excavaciones de las termas de Heliogábalo. </span></b><br />
<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRG0_a_5mIcnPqqMNLiNiQfWrLds0bAtc3JI9WRzEL0RTxHaHwnBzevU2IBbuk1ibJQNhTCI0TdOMji_ryHVgZJDvDKTlHVCBXIFvSvuOgjomoFUGqIqLegMfbPrZAPhyHDv108WsfU4pO/s1600/tempio_romolo_interno-1499x1000.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="1499" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRG0_a_5mIcnPqqMNLiNiQfWrLds0bAtc3JI9WRzEL0RTxHaHwnBzevU2IBbuk1ibJQNhTCI0TdOMji_ryHVgZJDvDKTlHVCBXIFvSvuOgjomoFUGqIqLegMfbPrZAPhyHDv108WsfU4pO/s640/tempio_romolo_interno-1499x1000.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: #990000;">El nuevo espacio abierto de la sala de los capiteles de la domus severina. La naturaleza del nombre es evidente. La sala es una factura de hormigón y ladrillo muy interesante.</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-T3bolWi6DRwvc50_7InATW5rFlda1MXYBPDOxt_EZtEqWEHfjJUDpCabt7aJUN4ffls6vGO-lRv5E4nt1zzHS2Pgli9Pzi1Q2XdUYlZPgeZemZJ6RgW6y_thhH0_987vFamhnxiUgml9/s1600/sala+de+capiteles.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-T3bolWi6DRwvc50_7InATW5rFlda1MXYBPDOxt_EZtEqWEHfjJUDpCabt7aJUN4ffls6vGO-lRv5E4nt1zzHS2Pgli9Pzi1Q2XdUYlZPgeZemZJ6RgW6y_thhH0_987vFamhnxiUgml9/s1600/sala+de+capiteles.jpg" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: blue;">El espacio expositivo del Coliseo.</span></b><br />
<br />
Una vez atravesada la sección de vitrinas con los retratos de los <a href="https://algargosarte.blogspot.com/2018/12/escultura-de-la-dinastia-de-los-severo.html" target="_blank">protagonistas de estos 40 años</a>, los pasillos interiores del <b><span style="color: #cc0000;">Coliseo </span></b>se han diseñado para presentar cerca de cien obras y hallazgos arqueológicos que nos introducen en las reformas económicas y sociales que pusieron en marcha los Severos.<br />
<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZ8-RX2HjdSxFTLn8Yw6EXSDq0pmuQJdPpuJYTxAQ8PfA8zbIp228YYyKWxWPOaYP_dIEFnCsQ9p1mIOLEkXT4OMg5aaqjXiCloY95xmNLIVbjoN2tA7EOR_9nS8atzdKcs_MDvJlIcIj4/s1600/182135769-716b1fc9-e795-4306-b3a5-49bab449674d.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="660" data-original-width="989" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZ8-RX2HjdSxFTLn8Yw6EXSDq0pmuQJdPpuJYTxAQ8PfA8zbIp228YYyKWxWPOaYP_dIEFnCsQ9p1mIOLEkXT4OMg5aaqjXiCloY95xmNLIVbjoN2tA7EOR_9nS8atzdKcs_MDvJlIcIj4/s640/182135769-716b1fc9-e795-4306-b3a5-49bab449674d.jpg" width="640" /></a><br />
<br />
El recorrido es un descubrimiento continuo, porque los Severos, a pesar de sus disputas internas, trajeron prosperidad y cambios fundamentales al Imperio. Vamos a apuntar algunos de los logros más importantes, pero sólo profundizaremos en los que tienen que ver con aspectos relacionados con lo histórico-artístico.<br />
<ul>
<li>Fueron soldados que protegieron sus fronteras, lo que se ve especialmente en los arcos de triunfo que levantaron para conmemorar sus victorias. </li>
<li>Dieron sentido pleno al concepto de "romanización" ampliando el derecho de ciudadanía a todos los hombres libres del imperio. </li>
<li>Manipularon la moneda para hacer frente a la acuciante crisis económica fruto de la catastrófica mortalidad producida años antes por la viruela. </li>
<li>Apostaron por el sincretismo religiosos entre los dioses romanos y los del norte de África y Oriente de donde procedían. </li>
<li>Siguieron alimentando a la plebe de Roma trayendo grano y aceite desde el último rincón de su territorio. </li>
<li>Dieron a la mujer una importancia como nunca más tendría en Roma.</li>
</ul>
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-5nQjFaWTQ6U_3hW6KztgWIZINv5Gm0xfiXnB-Qn1Kn-Y2OITvak-dgh0Wll32V8UEhFWpMxrVhenoZCt-Kj1H-1nC_dDgq7KJQj-Ckza-ewpc50km2wIQ1cyHjAQzIj_Rf_GwFepyPLI/s1600/dedicatoria.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="864" data-original-width="1230" height="448" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-5nQjFaWTQ6U_3hW6KztgWIZINv5Gm0xfiXnB-Qn1Kn-Y2OITvak-dgh0Wll32V8UEhFWpMxrVhenoZCt-Kj1H-1nC_dDgq7KJQj-Ckza-ewpc50km2wIQ1cyHjAQzIj_Rf_GwFepyPLI/s640/dedicatoria.jpg" width="640" /></a></div>
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
<b><span style="color: blue;">La <i>Constitutio antoniniana</i>.</span></b><br />
<br />
Aunque no tiene que ver directamente con el arte, me gustaría comenzar reflexionando sobre una de las medidas más importantes llevadas a cabo por esta dinastía: el edicto conocido como <i>Constitutio antoniniana. </i>Emitido por <b>Caracalla</b> el 212 d.C, otorgó la ciudadanía romana a todos los habitantes libres del imperio. En la exposición se expone el papiro Giessen 40, el texto más antiguo que se conserva sobre el mismo.<br />
<br />
<div>
<b><span style="color: #990000;">Papiro con el edicto del emperador Marco Aurelio Severo Antonino, también conocido como Caracalla, (<i>Constitutio Antoniniana de civitate peregrinis danda</i>). El texto está en griego y fue descubierto en 1901 en la antigua Hermopolis Magna, (Egipto Medio). En exposición.</span></b></div>
<div>
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; font-family: "times new roman"; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgw46MzFe7gyPAeIPWY0XtsVMPVyc4SfYUo9aM1EXVu6uQrC3Jkcjim9TXQCSUzT7ostTEkCifiVagSN0M09VDpOTHnVvyrp75ox9Vx8XK7ZXC2EuShyUtTZp3S2zH2H0dghInWgpstQ6rS/s1600/182136437-fa41cb37-2298-4ae8-8da2-f97c55ab6f34.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="597" data-original-width="990" height="384" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgw46MzFe7gyPAeIPWY0XtsVMPVyc4SfYUo9aM1EXVu6uQrC3Jkcjim9TXQCSUzT7ostTEkCifiVagSN0M09VDpOTHnVvyrp75ox9Vx8XK7ZXC2EuShyUtTZp3S2zH2H0dghInWgpstQ6rS/s640/182136437-fa41cb37-2298-4ae8-8da2-f97c55ab6f34.jpg" style="cursor: move;" width="640" /></a></div>
<div>
<br /></div>
Esta disposición revolucionaria tuvo indudablemente la finalidad fiscal de incrementar los ingresos al aumentar el número de personas que habrían de pagar impuestos sobre la manumisión de esclavos o sobre los derechos de sucesión. Pero, indirectamente, supuso también la culminación del proceso de extensión de los derechos civiles con lo que finalmente se completó el proyecto universalista que Augusto pretendió desde que implantó el Imperio dos siglos antes.<br />
<br />
Con este acto se completó el proceso de "romanización" entendido como la integración entre los diversos pueblos del Mediterráneo y Europa, alcanzándose una homogeneidad cultural de los estados y pueblos sometidos por la fuerza de las armas. Es el período en el que el imperio romano vive una completa dimensión cosmopolita: los miembros del senado y la orden ecuestre fueron cooptados en todos los rincones del imperio y la movilidad de personas y bienes estaba garantizada por la ausencia de fronteras. El origen de esta dinastía mismamente es el mejor ejemplo de la romanización efectiva del Imperio y de ahí el nombre de la exposición "Roma Universalis".<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQVdxZuaDMOB0d2RETcN9DaVeinmDxCWi5_sq12NrwXrjzm9TTPKjatL0WTu7APIRTvPdmcugCTcdX0ZGztl-14rOwhjoSLxBcfZqixyxEfb12UBnQvs36TGJ7PqFUsojFonWFoHuGHZV-/s1600/Dr_L1RLXgAArEng.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="480" data-original-width="640" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQVdxZuaDMOB0d2RETcN9DaVeinmDxCWi5_sq12NrwXrjzm9TTPKjatL0WTu7APIRTvPdmcugCTcdX0ZGztl-14rOwhjoSLxBcfZqixyxEfb12UBnQvs36TGJ7PqFUsojFonWFoHuGHZV-/s640/Dr_L1RLXgAArEng.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<br /></div>
<div>
<b><span style="color: blue;">Leptis Magna. El origen de la dinastía. </span></b></div>
<br />
No es extraño que <b>Caracalla</b> con su edicto se acordara de los habitantes de los rincones remotos del imperio, ya que el origen de la dinastía era provinciano. Había comenzado con su padre <b>Septimio Severo,</b> que era oriundo de Leptis Magna, la principal ciudad de Libia, y con su madre, <b>Julia Domna</b>, que era de Emesa, ciudad Siria.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Maqueta del foro de Septimio Severo en Leptis Magna. De fondo los restos tal y como se pueden visitar en Libia. Exposición.</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhccen4ivfJ7lFXr47HKaOwMm8ApN_FSuIOox0gnY_3jLuNh7EMSN29Y844mGRDGmCuAd-srsDGLnNbRriJ6Fk_tpBMULIR5k3wNdA9k5gCIdWBnu2Xy9bdlU0EJr4q2R6xcKJS6om0Jxba/s1600/BD3CCD26-6524-4C39-8A56-FDE65A8BD567-1024x768.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="768" data-original-width="1024" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhccen4ivfJ7lFXr47HKaOwMm8ApN_FSuIOox0gnY_3jLuNh7EMSN29Y844mGRDGmCuAd-srsDGLnNbRriJ6Fk_tpBMULIR5k3wNdA9k5gCIdWBnu2Xy9bdlU0EJr4q2R6xcKJS6om0Jxba/s640/BD3CCD26-6524-4C39-8A56-FDE65A8BD567-1024x768.jpeg" width="640" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: #990000;">Las ruinas de Leptis Magna. En primer plano su teatro al fondo el foro anterior. </span></b><span style="color: #990000;"><b>El desarrollo urbanístico de Leptis tuvo dos fases importantes; la primera bajo Augusto, y la segunda, en época de Septimio Severo. En esta segunda época urbanística, el emperador quiso dotarla de edificios similares a los de la capital del Imperio, y construyó un segundo Foro, el Forum Novum Severianum, que era similar al Foro Trajano de Roma con una basílica, que imitaba a la Basílica Ulpia.</b></span><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtx-qhIPgf6Cetw6XlG6zpniirskPSPr9EV_r29GVMb6UNbiDZ7Gu1LWFIpqBSlcDFIIodlPhJyV3ysMrtgrlYnZuxf7GfL3TMIfMoRnZdUeUSj-2-4Lx1giMuAwn21pK7ZE8zx9xQoicz/s1600/leptis+magna.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1071" data-original-width="1600" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtx-qhIPgf6Cetw6XlG6zpniirskPSPr9EV_r29GVMb6UNbiDZ7Gu1LWFIpqBSlcDFIIodlPhJyV3ysMrtgrlYnZuxf7GfL3TMIfMoRnZdUeUSj-2-4Lx1giMuAwn21pK7ZE8zx9xQoicz/s640/leptis+magna.jpg" width="640" /></a></div>
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<br /></div>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhJgluylcNevrMKMBi3-_hXcB9V5lnv05zl7M7eq_FP7xC3xnwLUvQt5h1_SnAaIFphfKhrKrIbsYMV8LZkzRyfNP4nwCyroCVTWNYR6oPqiNJa4AiG4DAUAGLDydTy77fNIEaF2RtgjYw/s1600/leptis+reconstruccion.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="744" data-original-width="1600" height="296" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhJgluylcNevrMKMBi3-_hXcB9V5lnv05zl7M7eq_FP7xC3xnwLUvQt5h1_SnAaIFphfKhrKrIbsYMV8LZkzRyfNP4nwCyroCVTWNYR6oPqiNJa4AiG4DAUAGLDydTy77fNIEaF2RtgjYw/s640/leptis+reconstruccion.jpg" width="640" /></a><br />
En la exposición se recuerda especialmente a Leptis a través de una maqueta de su emblemático arco de triunfo. <b>Septimio Sever</b>o favoreció a la ciudad particularmente entre 197 y 203 d.C., dotándola de construcciones y riquezas que rivalizaron incluso con Cartago y Alejandría. En el 203, el emperador y su familia visitaron la ciudad y fueron recibidos con grandes honores y pudo comprobar la transformación de su foro y puerto. El número de estatuas y dedicaciones hechas a la familia imperial por la ciudad y por los habitantes privados es único, no solo entre las ciudades del norte de África, sino en todo el imperio en general. Ello sugiere que la ciudad se asoció públicamente, a un nivel muy personal, con su éxito.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Teatro romano de Sabratha, otra de las ciudades de la costa Libia beneficiada por el emperador. Fue construido en tiempos de Septimio Severo, año 190. Es uno de los mejor conservados. Arriba maqueta en la exposición. Debajo, las ruinas actuales.</span></b><br />
<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGq72EV5d0tHkY1y__XuQtaqM_UY1i68Q3lPdnFoRfehnXmyanaBv6gjOtYlHzsesxvqcewc8wpXy2_5krlqx6FbLSCRJniWCdWz7DBUJN2r6QKno7cgfxwy_ONNqisiU2PmEqEI-WqZ83/s1600/teatro+de+Sabratna+libia+190+d.c..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="958" data-original-width="1600" height="382" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGq72EV5d0tHkY1y__XuQtaqM_UY1i68Q3lPdnFoRfehnXmyanaBv6gjOtYlHzsesxvqcewc8wpXy2_5krlqx6FbLSCRJniWCdWz7DBUJN2r6QKno7cgfxwy_ONNqisiU2PmEqEI-WqZ83/s640/teatro+de+Sabratna+libia+190+d.c..jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiP63SnDs6wnkzfFyLv6vIrSOAA-dW7FXasO7H9L4Kwy-s04wqJBA5BeM2AQdagdOM80epcdZmP7wP5eKL31zSBjEPBeJM8CrsRGvxdfPFRdT7rIBLfH2_LmNO4CbcaIpLR8X7_x3ZUQ5Wf/s1600/teatro+de+Sabratna+libia+190.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="1280" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiP63SnDs6wnkzfFyLv6vIrSOAA-dW7FXasO7H9L4Kwy-s04wqJBA5BeM2AQdagdOM80epcdZmP7wP5eKL31zSBjEPBeJM8CrsRGvxdfPFRdT7rIBLfH2_LmNO4CbcaIpLR8X7_x3ZUQ5Wf/s640/teatro+de+Sabratna+libia+190.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<br />
<b><span style="color: blue;">El arco de triunfo, como medio de propaganda política de la dinastía. </span></b><br />
<br />
El arco de triunfo es el monumento que sirve mejor para propagar un mensaje político entre los súbditos de un soberano, puesto que el edificio es un escaparate bello, que se expone en un lugar preeminente de la ciudad y puede estar decorado con epigrafía, escultura en bulto redondo y, sobre todo, relieves narrativos que difundan efectivamente las ideas de legitimación de su poder. En el caso de <b>Septimio Severo</b>, el arco resulta clave y se convierte en una seña de identidad dinástica para afianzar su gobierno tanto en la urbs, Roma, como en las provincias. El emperador sabe que debe su trono al ejército, quien le hizo vencedor de una guerra civil. Que nació en Leptis, humilde ciudad provinciana, y que, por tanto, no es hijo de una noble familia romana. Por lo que la base principal de su prestigio como buen gobernante son las campañas militares victoriosas que pusieron fin a la guerra civil y que devolvió el prestigio militar a los romanos frenando a los persas. Así, el monumento que conmemora un triunfo militar se convierte en la demostración empírica de su legitimidad como soberano y, de ahí, la importancia de levantar muchos a lo largo y ancho de todo el imperio. El mensaje a transmitir a sus súbditos en ellos debe apoyarse además en manipular a su favor el pasado, apareciendo como descendiente directo de los idealizados emperadores Antoninos, y proponiendo un futuro glorioso, basado en la bendición de los dioses y la continuidad de su buen gobierno a través de sus hijos, a los que asocia al poder.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgL1iu-e6x8Q2iUwaxx3rSgjsmYP5StnAtTI7Zgz8XTexc6-lfxC4io9hhTbJVWQuZGRcjQyaQlPdvIEUOwvMwG6mLrPFTtsNF82BWwxNykIy7OCp9lxDbN0lo-qiLbm3OiHvtFH6DCXS8A/s1600/arco+septimio+severo+en+el+foro+romano+epigrafia+leyenda.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="262" data-original-width="1600" height="104" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgL1iu-e6x8Q2iUwaxx3rSgjsmYP5StnAtTI7Zgz8XTexc6-lfxC4io9hhTbJVWQuZGRcjQyaQlPdvIEUOwvMwG6mLrPFTtsNF82BWwxNykIy7OCp9lxDbN0lo-qiLbm3OiHvtFH6DCXS8A/s640/arco+septimio+severo+en+el+foro+romano+epigrafia+leyenda.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<br />
Vamos a hacer un estudio de los cuatro de los que se ofrece datos en la exposición: <b><span style="color: #cc0000;">el tetrapylon de Leptis</span></b>, el del <b><span style="color: #cc0000;">foro romano en Roma</span></b>, el de los <b><span style="color: #cc0000;">Argentarios en el foro boario de Roma</span></b> y <b><span style="color: #cc0000;">el de Nápoles.</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkxdshHrQ3Qej6EwKs4HmDfeGrNbGQ_mSsjM9ZKPM6IJVO_a48N0gxz5OZO7QYW5RPi08ura_Ev_AMbWWraHCzTdvqTbOA5pIc2VNPsw5I-YZ-uXelsyZEiEq02cGsMJH47fvKdEgENsxt/s1600/arcos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="1448" height="282" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkxdshHrQ3Qej6EwKs4HmDfeGrNbGQ_mSsjM9ZKPM6IJVO_a48N0gxz5OZO7QYW5RPi08ura_Ev_AMbWWraHCzTdvqTbOA5pIc2VNPsw5I-YZ-uXelsyZEiEq02cGsMJH47fvKdEgENsxt/s640/arcos.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<br />
<b><span style="color: blue;">El arco tetrapylon de Leptis Magna. Los dioses y la dinastía</span></b><br />
<br />
Nos detenemos en el <b><span style="color: #cc0000;">arco de triunfo de Leptis Magna </span></b>para que, a través de <a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/el-relieve-romano-la-decoracion.html" target="_blank">los relieves que lo decoran</a>, entendamos el programa político imperial de <b>Septimio Severo, </b>el fundador de la dinastía.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Arco de Septimio Severo, 203. Fue construido como tetrapylon, arco de cuatro vanos de los que partirían los dos caminos urbanos más importantesque unen la nueva Leptis Magna con la antigua ciudad: el cardo, dirección norte-sur, y el decumanus maximus, la principal vía este-oeste que uniría el foro con el puerto. </span></b><span style="color: #990000;"><b>Enmarcado con ocho columnas corintias que soportan un frontón roto, el arco está adornado con la mezcla de elementos helenísticos. E</b></span><b style="color: #990000;">l frontón roto del arco n</b><b style="color: #990000;">o es típico de la arquitectura romana, sino de la tradición oriental. Ocho victorias en las enjutas portan coronas de flores y una rama de palmera, conmemorativas del triunfo. </b><br />
<b style="color: #990000;"><br /></b>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQVw2Lp49tw2ym13Q36ZRvo6Hy3DZgu-Gr-hAQRx9aYp2f2HWtMNGjaGX5jU0MhxOCayVHEPH3_kGuB5xxcf_Slk1bDA2bQW22wZ9NbGyS_JPaiPZSxpvPHU4439hUL1NBZ7BoRrPROfHp/s1600/Leptis_Magna+Triumphbogen_des_Septimius_Severus_203_.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1598" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQVw2Lp49tw2ym13Q36ZRvo6Hy3DZgu-Gr-hAQRx9aYp2f2HWtMNGjaGX5jU0MhxOCayVHEPH3_kGuB5xxcf_Slk1bDA2bQW22wZ9NbGyS_JPaiPZSxpvPHU4439hUL1NBZ7BoRrPROfHp/s640/Leptis_Magna+Triumphbogen_des_Septimius_Severus_203_.jpg" width="638" /></a><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<br /></div>
<b style="color: #990000;">Maqueta del arco de Leptis Magna que se exhibe en la exposición. </b><b><span style="color: #990000;">Los cuatro frisos representaban a la familia imperial en escenas del triunfo sobre los partos y actividades rituales y cívicas que involucran a la familia. Septimio Severo trabajó para consolidar su dinastía y, por ello, puso énfasis en la participación de sus hijos, Geta y Caracalla, en las ceremonias. Por otro lado, la presencia </span></b><b><span style="color: #990000;">en las escenas</span></b><b><span style="color: #990000;"> de los dioses, romanos y provinciales, indican el interés de protección que quieren asumir los Severos en Roma y su deseo de hacer prosperar a las Provincias. Es un p<a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/el-tesoro-de-boscoreale-la-vajilla-de.html" target="_blank">lan que ya el primer emperador instituyó para consolidar su poder como soberano y dejarlo en herencia a sus descendientes</a>. </span></b><span style="color: #990000;"><b>Ocho relieves decoran los huecos interiores, cuyas escenas incluyen el asedio de una ciudad, el triunfo y las virtudes que asume el soberano. Es evidente que además de conmemorar las victorias de Septimio Severo se quiso destacar en este arco las consecuencias prósperas de esas victorias y el establecimiento exitoso de una dinastía. Lo mismo que hizo <a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/09/el-ara-pacis-de-octavio-augusto.html" target="_blank">Octavio Augusto en el Ara Pacis de Roma</a>. </b></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjv1a-WIwMsOiUg1E38vOPD4ptINTNu1tGuWeB8hhG3WofdghsD-jegnbFJYByoAmlmZOqWclbwaRclx_h9_z14QXd9ALEp2YoZlmISHJ_AeBZ12yRBzGFEraMZAjbweFJSCZgVD6GMJNPf/s1600/Arco+de+Septimio+Severo+a+Leptis+Magna+%2528pl%25C3%25A1stico%2529+Resina%253B+cm+93+%25C3%2597+89+%25C3%2597+89+Roma%252C+Museo+de+la+Civilizaci%25C3%25B3n+Romana%252C.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="768" data-original-width="768" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjv1a-WIwMsOiUg1E38vOPD4ptINTNu1tGuWeB8hhG3WofdghsD-jegnbFJYByoAmlmZOqWclbwaRclx_h9_z14QXd9ALEp2YoZlmISHJ_AeBZ12yRBzGFEraMZAjbweFJSCZgVD6GMJNPf/s640/Arco+de+Septimio+Severo+a+Leptis+Magna+%2528pl%25C3%25A1stico%2529+Resina%253B+cm+93+%25C3%2597+89+%25C3%2597+89+Roma%252C+Museo+de+la+Civilizaci%25C3%25B3n+Romana%252C.jpg" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: #990000;">Debajo. Relieves del ático del arco de Severo en Leptis Magna, Museo de Trípoli. El friso del noreste representa el triunfo celebrado en Roma a su regreso de la victoria sobre los partos. Un grupo de jinetes cabalgan tras el carro imperial en un intento ilusionista. Delante, la cuadriga que lleva tres figuras centrales: Septimio Severo y sus hijos Caracalla y Geta, confirmando la continuidad dinástica. </span></b><span style="color: #990000;"><b>El emperador se presenta de frente en una afirmación deliberada de su superioridad. Ambos herederos han perdido la cabeza: Geta presumiblemente eliminado de forma deliberada después de su <i>Damnatio memoriae</i> en 211 d. C. </b></span><b><span style="color: #990000;">El carro está decorado con </span></b><b><span style="color: #990000;">imágenes de </span></b><b><span style="color: #990000;">deidades </span></b><b><span style="color: #990000;">orientales y </span></b><b><span style="color: #990000;">romanas </span></b><b><span style="color: #990000;">de Cibeles, Hércules (</span></b><span style="color: #990000;"><b>uno de los paralelos más importantes con el culto imperial en esta dinastía fue el semidiós Hércules)</b></span><b><span style="color: #990000;"> y Venus. La iconografía enlaza tanto la escena real del triunfo como, a través de los relieves de la cuádriga, la coronación divina, un programa simbólico utilizado por emperadores como Augusto o Trajano. El triunfo es precedido por togados acompañados por partos cautivas.</span></b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUYxcs6S3rTtuciMGPnTYVhESkuA0y6X0VnPA4V2UzYsWqdr8oDu3K135IqjLchsciy3IfhKdYN1mzBngdMM_pHmopUo6UqGNJNSiFhacdQuhI9sNqOEZxWeTFWQAczrJYJGYWMgVe1mdk/s1600/Severian_relief%252C_Leptis+noeste.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="454" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUYxcs6S3rTtuciMGPnTYVhESkuA0y6X0VnPA4V2UzYsWqdr8oDu3K135IqjLchsciy3IfhKdYN1mzBngdMM_pHmopUo6UqGNJNSiFhacdQuhI9sNqOEZxWeTFWQAczrJYJGYWMgVe1mdk/s650/Severian_relief%252C_Leptis+noeste.jpg" /></a></div>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b><b><span style="color: #990000;">Debajo. Detalle del anterior friso. Artísticamente. Los relieves, como ya se habían insinuado en los de la columna de Marco Aurelio en Roma, revelan una marcada frontalidad de las figuras principales para poder distinguirlas </span></b><b><span style="color: #990000;">de los personajes secundarios</span></b><b><span style="color: #990000;"> en escenas abigarradas. Con ello se acentúa la autoridad y el poder del emperador.</span></b><span style="color: #990000;"><b> Las proporciones de las figuras han cambiado del canon clásico y helenístico, en el que la cabeza era solo una octava parte del cuerpo, a nuevas proporciones, características del arte antiguo tardío, en las que la cabeza era mucho más grande. Alcanzando la proporción de una séptima parte del cuerpo.</b></span><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAPk939oNej-DJRcQMGLDLisggTB7Vqq9v8RRCo_MwmMCGkHuXJYKzqjv2gX-qgUhfblWNE6P5pWEhNefhfsUntgrGNNKPhEHfRXuhuTuVVjc_qUoB7Eb-n12YivU6jUogY3bPGoowZHKp/s1600/Severian_relief%252C_Leptis+noeste.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="825" data-original-width="1600" height="330" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAPk939oNej-DJRcQMGLDLisggTB7Vqq9v8RRCo_MwmMCGkHuXJYKzqjv2gX-qgUhfblWNE6P5pWEhNefhfsUntgrGNNKPhEHfRXuhuTuVVjc_qUoB7Eb-n12YivU6jUogY3bPGoowZHKp/s640/Severian_relief%252C_Leptis+noeste.jpg" width="640" /></a></div>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<b><span style="color: #990000;">Relieve del friso de los sacrificios </span></b><span style="color: #990000;"><b>en el lado noreste del arco. Muestra una escena de sacrificio. La familia imperial se reúne con otras figuras, presuntamente dignatarios, para presenciar el sacrificio de dos bueyes, aunque uno está perdido. Se cree que en el centro del friso (ahora incompleto) se representó a la familia imperial con el emperador y su mujer, </b></span><b style="color: #990000;">Julia Domna, y en medio de ellos sus hijos (en tamaño ligeramente más pequeño) </b><b style="color: #990000;">Caracalla y Geta (su rostro desaparecido seguramente por la <b><i>Damnatio memoriae</i> </b>decretada por su hermano Caracalla tras asesinarlo).</b><br />
<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIIK7fKCuGishBD7Qel-Xtq5fjYuVh8eeHBVEKIIKFY5GWDtxr59BjeQ3bthQ-YzYYeJEprf2We8l7ps_r9H8KBw4nRvXkLIa9g_WZBn-sDvuvuYtsDRZbZnQcpk-LyAJX9PnAp9jbf8hZ/s1600/Severian_relief%252C_Leptis+SW%2529.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="795" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIIK7fKCuGishBD7Qel-Xtq5fjYuVh8eeHBVEKIIKFY5GWDtxr59BjeQ3bthQ-YzYYeJEprf2We8l7ps_r9H8KBw4nRvXkLIa9g_WZBn-sDvuvuYtsDRZbZnQcpk-LyAJX9PnAp9jbf8hZ/s650/Severian_relief%252C_Leptis+SW%2529.jpg" /></a></div>
<br />
<span style="color: #990000;"><b>El grupo familiar aparece nuevamente en el relieve del lado sudoeste, en una escena de la Concordia Augustorum. Septimio Severo le da la mano a su co-emperador hijo Caracalla, mientras Geta se interpone entre ellos. Julia Domna presencia la escena junto a distintos dioses como Hércules, Liber Pater, Roma / Virtus y posiblemente Tychè, la diosa de la ciudad de Lepcis. El mensaje es claro, es una concordia entre el emperador y sus hijos con los dioses del imperio y Lepcis específicamente, todos los cuales aparecen en apoyo de la dinastía.</b></span><br />
<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKgba1UH7Eeb_N1mTKnt7Ixht7YzGdF8YybD9TZKN7LgTgOd36Ac3thB_12nP-j_ZdI_PQjrmMmMaCu2Y8jV4VTkb_gqwhTzNBFcIDEdxXlxE1txNjvP87SbCLtUGI38VMjxthgtCtGPCS/s1600/Severian_relief%252C_Leptis_%2528NE-.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="480" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKgba1UH7Eeb_N1mTKnt7Ixht7YzGdF8YybD9TZKN7LgTgOd36Ac3thB_12nP-j_ZdI_PQjrmMmMaCu2Y8jV4VTkb_gqwhTzNBFcIDEdxXlxE1txNjvP87SbCLtUGI38VMjxthgtCtGPCS/s650/Severian_relief%252C_Leptis_%2528NE-.jpg" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: blue;">El arco de Triunfo del foro romano. La victoria militar y la toma del poder.</span></b><br />
<br />
En relación con este monumento de Leptis Magna, hay que comentar el más conocido de los arcos de triunfo levantados en honor de <b>Septimio Severo</b>, el magnífico de tres vanos construido en el borde noreste del foro romano, enfrente del templo de la Concordia. Fue construido el año 203 para conmemorar las victorias obtenidas sobre los partos, árabes y los diferentes pueblos de Mesopotamia, así como para celebrar los diez años de su reinado, decennalia.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">El arco de Septimio Severo es un arco triunfal de mármol blanco construido entre el 202 y el 203 para conmemorar las victorias del emperador Septimio Severo y sus dos hijos, Caracalla y Geta sobre los partos en dos campañas, la primera entre 194/195 y la segunda entre 197-199. Está construido en mármol del Mármara y travertino y sus dimensiones son de 23 metros de alto por 25 metros de ancho. </span></b><br />
<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXrrICYRjB53C4_sbbUhtDn-AbdWge6vv-d7MSvlXv4LrfcCBjwqKx6lbfyGpGHgMLZaSHu3UofCUohrOy9IQVCRSxICLq4sB1g0BQxRtxWoIU59-kQT7D5XHZh_5eLovt4op25NLfwKWa/s1600/Arch_Septimius_Severus3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1117" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXrrICYRjB53C4_sbbUhtDn-AbdWge6vv-d7MSvlXv4LrfcCBjwqKx6lbfyGpGHgMLZaSHu3UofCUohrOy9IQVCRSxICLq4sB1g0BQxRtxWoIU59-kQT7D5XHZh_5eLovt4op25NLfwKWa/s645/Arch_Septimius_Severus3.jpg" /></a></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOEYqyIa41XYsZzsDNpCnQHdb_3F6ttEVrOLtirsXpnk0RoN3-nozefuWcUTgsJKe-VcH8dVh0FSkrqJy48ej2qHvyIOd54W7wVXKrg9oCOlTxJsdMvrduX0WpPCq14cj9odgBq0xCd_wR/s1600/leyenda+arco+foro+romano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="430" data-original-width="1155" height="238" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOEYqyIa41XYsZzsDNpCnQHdb_3F6ttEVrOLtirsXpnk0RoN3-nozefuWcUTgsJKe-VcH8dVh0FSkrqJy48ej2qHvyIOd54W7wVXKrg9oCOlTxJsdMvrduX0WpPCq14cj9odgBq0xCd_wR/s640/leyenda+arco+foro+romano.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
El edificio sigue el esquema tradicional de arco de triunfo romano de tres vanos, con un arco central más alto y más ancho, que los dos laterales, enmarcados entre cuatro columnas corintias sobre pedestal que sostienen un falso entablamento. Las bóvedas creadas por los arcos descansan en pilares. En el ático se puede leer, a través de los huecos dejados por las letras desaparecidas de bronce, la inscripción o dedicatoria del monumento. La decoración escultórica de los relieves militares se disponen en cuatro paneles sobre los macizos muros de ambas caras. Se sabe, por monedas que lo representan, que remataría la cúspide del edificio una cuádriga en bronce conducida por <b>Septimio</b> y sus dos hijos.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Maqueta presente en la exposición. Reconstrucción bastante detallada si se amplía.</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiir5eYAvGRsCbygKtWklmSBKqDpsta2SOQ-W_FU7QPun7-WhYYJriknPAHlItKZNSePQIeVHf7YEJTOVFtrRhDA87G1o49SdH2M2uoLvxOvLbpZ9FYGU7m7DKVjGQQQnYEeCito8mfo-6a/s1600/arco+septimio+severo+en+el+foro+romano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1301" data-original-width="1600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiir5eYAvGRsCbygKtWklmSBKqDpsta2SOQ-W_FU7QPun7-WhYYJriknPAHlItKZNSePQIeVHf7YEJTOVFtrRhDA87G1o49SdH2M2uoLvxOvLbpZ9FYGU7m7DKVjGQQQnYEeCito8mfo-6a/s650/arco+septimio+severo+en+el+foro+romano.jpg" /></a></div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b><span style="color: #990000;">El foro romano desde el Capitolium, reconstrucción. A la derecha asoman las esculturas que rematarían el arco de Septimio Severo y al fondo se podrían ver los arcos de Augusto y Tiberio, que cerraban el otro extremo del foro más antiguo de la ciudad.</span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYZ7qLLi0zL2ezwLN6L4IQM_8DJIddKaipe2VSABGjiIYt7od3hoL3cHjHEbPf0xJJlA8OOUBVXhrkOldFx0DGpbte5Yhp4lmCe0eD57EaujtqauyB7uxcexOPu0uAHmWNsQ-fBjYu-uDl/s1600/foro+romano%252C+a%25C3%25B1o+360+desde+el+tabularium.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1495" data-original-width="1600" height="598" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYZ7qLLi0zL2ezwLN6L4IQM_8DJIddKaipe2VSABGjiIYt7od3hoL3cHjHEbPf0xJJlA8OOUBVXhrkOldFx0DGpbte5Yhp4lmCe0eD57EaujtqauyB7uxcexOPu0uAHmWNsQ-fBjYu-uDl/s640/foro+romano%252C+a%25C3%25B1o+360+desde+el+tabularium.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: #990000;">Los pedestales están decorados con relieves que representan a los prisioneros partos, custodiados por soldados romanos. </span></b><span style="color: #990000;"><b>Estos relieves se conservan maravillosamente, porque en buena parte de la historia medieval estaban enterrados por los sedimentos de las inundaciones que acolmataron el foro romano.</b></span><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg26XNWZP5_-_8AvVkNMequVDHCIZCQzVbqcxhPJ2UHfnxAPSRGUs2iwDP_L9cSsvc_FoC9d0Vj_k_UDglwqacwHcfFOqDuKujKe9s-2_vV3RFlkwtBNTJEe64trR1UOhRJ68fqdbaKeL_e/s1600/Detail_A+rch_of_Septimus_Severus.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="727" data-original-width="581" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg26XNWZP5_-_8AvVkNMequVDHCIZCQzVbqcxhPJ2UHfnxAPSRGUs2iwDP_L9cSsvc_FoC9d0Vj_k_UDglwqacwHcfFOqDuKujKe9s-2_vV3RFlkwtBNTJEe64trR1UOhRJ68fqdbaKeL_e/s1600/Detail_A+rch_of_Septimus_Severus.JPG" /></a></div>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<b><span style="color: #990000;">Imagen del Foro romano en el siglo XVIII, según Piranesi. A la izquierda vemos el arco de Septimio Severo enterrado hasta casi la altura de los arcos laterales.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcn0GWh7FMCJoTPAEe8VIs_BNLIL1_gXMxLtn4AeR0OcEl93txIMFyvGVMIJVwlO9KOrNiMGEtzLcHneaaIqoogun7elpycRWzPxPw3X-BkSNUZ6IRz_DZxjlg6T-gsQgjY_lkT1I8NBdz/s1600/foro+romano+en+el+siglo+XVIII+Grabado+de+Giovanni+Battista+Piranesi+%25281720-1778%2529..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1117" data-original-width="1476" height="484" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcn0GWh7FMCJoTPAEe8VIs_BNLIL1_gXMxLtn4AeR0OcEl93txIMFyvGVMIJVwlO9KOrNiMGEtzLcHneaaIqoogun7elpycRWzPxPw3X-BkSNUZ6IRz_DZxjlg6T-gsQgjY_lkT1I8NBdz/s640/foro+romano+en+el+siglo+XVIII+Grabado+de+Giovanni+Battista+Piranesi+%25281720-1778%2529..jpg" width="640" /></a></div>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<b><span style="color: #990000;">Dos Victorias aladas flanquean los arcos.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIBrV-8Ttj199haoMI-L-TAvIkKlSYzTDUzLxfboCBYF-cwKLrLRMQa5ffjL34f6_kZDIdM6jCIEpEWQ11B4vm68qGcpDoCDczY6PvYARrcpSwhhriV-PosDhQ21-1umu_-45RbflS4qZQ/s1600/800px-Rooma_2006_111.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="742" data-original-width="800" height="593" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIBrV-8Ttj199haoMI-L-TAvIkKlSYzTDUzLxfboCBYF-cwKLrLRMQa5ffjL34f6_kZDIdM6jCIEpEWQ11B4vm68qGcpDoCDczY6PvYARrcpSwhhriV-PosDhQ21-1umu_-45RbflS4qZQ/s640/800px-Rooma_2006_111.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
A diferencia del arco de Leptis Magna, en este se ensalza más la celebración de una victoria sobre un enemigo extranjero. Tal vez, porque el mensaje sirvió para enmascarar el hecho de que el emperador había ascendido al poder a raíz de una cruel guerra civil, justo como Augusto antes que él. De hecho, la ubicación en el foro romano junto a los arcos, hoy en día desaparecidos, de <b>Augusto</b> y <b>Tiberio</b> fue totalmente intencionado por parte de <b>Septimio Severo</b> que deseaba compararse y asociarse con el primer emperador y su dinastía.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Relieves, muy erosionados, del asedio a una ciudad parta (¿Edesa o Ctesifonte?). </span></b><span style="color: #990000;"><b>Este tipo de relieves narrativos es muy similar a los relieves de las<a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/la-columna-de-trajano-el-relieve.html" target="_blank"> Columnas de Trajano </a>y Marco Aurelio. Aquí se adaptan a otro tipo de monumento, pero el concepto es el mismo. Los relieves en el Arco de Septimio Severo son más esquemáticos que los de las columnas más antiguas. Otra fuente de inspiración pueden ser los paneles pintados que los comandantes victoriosos enviaron de regreso a Roma. Tales pinturas se usaban a menudo como parte de la procesión triunfal. La franja inferior refleja el desfile triunfal con el botín de guerra obtenido.</b></span><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7v9knxoOLQWpbpngDUcYXvSVRXNikdoCwxlLIzqzArwnuj9LmmtKJrmwM-qjxLwNqX4fdEgPuTTd5sAApUuAdcMdTgU1Bpsbn2UHK1eLiOyahD0N9bYlEf5PljnVRIxjO8DjruLUQAzPb/s1600/842px-Septimius_arch_-_relief+asedio+a+una+ciudad.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="806" data-original-width="842" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7v9knxoOLQWpbpngDUcYXvSVRXNikdoCwxlLIzqzArwnuj9LmmtKJrmwM-qjxLwNqX4fdEgPuTTd5sAApUuAdcMdTgU1Bpsbn2UHK1eLiOyahD0N9bYlEf5PljnVRIxjO8DjruLUQAzPb/s645/842px-Septimius_arch_-_relief+asedio+a+una+ciudad.jpg" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: #990000;">El grado de deterioro de estos relieves es tan grande, que sólo a través de una reconstrucción de los mismos podemos entender la calidad de la obra original y el parecido con los <a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/la-columna-de-trajano-el-relieve.html" target="_blank">relieves históricos de los Flavios</a> y Antoninos. Debajo tenéis el mismo panel de arriba, que resultaba incomprensible. La escena de la campaña se lee de abajo hacia arriba. M</span></b><span style="color: #990000;"><b>uestra, en dos registros, el sitio de Ctesifón, la capital de los partos, utilizando máquinas de guerra, y la huida del rey enemigo derrotado; y encima, finalmente, el emperador dirigiéndose a las tropas victoriosas frente a la ciudad capturada.</b></span><br />
<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
<b><span style="color: blue;">El arco o puerta de los argentarios en el foro Boario.</span></b><br />
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>De carácter civil y laudatorio para la familia imperial, se levantó el año 204 en la entrada al <b><span style="color: #990000;">foro Boario</span></b> de Roma un monumento conocido como Arco de los Argentarios, aunque más bien se trata de una puerta arquitrabada. Según consta en su inscripción, el monumento no fue erigido por el estado, sino por el colegio de cambistas y de comerciantes del foro, <i>argentarii et negotiantes boarii huius loci</i>.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Maqueta presente en la exposición. El monumento, que se puede ver in situ, tiene una altura de 6,80 m y una anchura de 5,86 m. Está constituido por un arquitrabe de mármol sostenido por dos grandes pilastras, de la que una fue semienglobado en el siglo VII en la iglesia de San Giorgio in Velabro. La estructura está revestida por placas de mármol blanco, mientras que el basamento es de travertino. Es probable que sobre el arco fuesen colocadas las estatuas de la familia imperial. Septimio Severo, su esposa Julia Domna y los hijos del matrimonio, Geta y Caracalla (con su mujer Fulvia Plautilla).</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiDZLGK-uuRXMpkf83ywNdcaYZh121-pCnv8n3jh9rL4jl6Hgfp2allHPFs1OuSg6QhJSj2mW0GJkKkdKene_U6Wg0SyRSlEyYfGrPfDk0IqbU9KiC2wYxHKAn1n8wxDdx8BwTnkADME5m/s1600/arco+argentario+de+severo+foro+boario.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1235" data-original-width="1046" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiDZLGK-uuRXMpkf83ywNdcaYZh121-pCnv8n3jh9rL4jl6Hgfp2allHPFs1OuSg6QhJSj2mW0GJkKkdKene_U6Wg0SyRSlEyYfGrPfDk0IqbU9KiC2wYxHKAn1n8wxDdx8BwTnkADME5m/s640/arco+argentario+de+severo+foro+boario.jpg" width="542" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: #990000;">La inscripción dedicatoria está encuadrada por dos bajorrelieves que representan a Hércules. La decoración de motivos vegetales cubre muchos de los espacios arquitectónicos como pilastras y friso, dejando entre éstos espacios narrativos para paneles verticales.</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjw9WZcMzrGDKGuGKXYEGt0LbtU3bWWIVgIrOPYpmrPtxstVLt2v_JymLERUGwTHbbue9kymDDA5ZT31v3eqJDjnpVQ1TvWw7FojM-Ya4Pg3bXwz71QBS4sapF9PHjQQXBbnaeWPw2MTs2m/s1600/relieve+del+arco+de+los+argentariosinscripci%25C3%25B3n%252C+204.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1201" data-original-width="1600" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjw9WZcMzrGDKGuGKXYEGt0LbtU3bWWIVgIrOPYpmrPtxstVLt2v_JymLERUGwTHbbue9kymDDA5ZT31v3eqJDjnpVQ1TvWw7FojM-Ya4Pg3bXwz71QBS4sapF9PHjQQXBbnaeWPw2MTs2m/s640/relieve+del+arco+de+los+argentariosinscripci%25C3%25B3n%252C+204.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxr8WAmq6uJow3l3IfL40U72J0K51Mns1NdMn-GgrDENbXWPW-MhwXO1NcyJaE5xXO065j8U_D9a8fMKvyRJeTrbk_pC40agPmLxPHxi7Bb2m9LhVKEwffvP-2LKd2hLvV_pjtCPlWgZkm/s1600/leyenda+arco+argentarios.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="363" data-original-width="1145" height="202" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxr8WAmq6uJow3l3IfL40U72J0K51Mns1NdMn-GgrDENbXWPW-MhwXO1NcyJaE5xXO065j8U_D9a8fMKvyRJeTrbk_pC40agPmLxPHxi7Bb2m9LhVKEwffvP-2LKd2hLvV_pjtCPlWgZkm/s640/leyenda+arco+argentarios.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: #990000;">Los relieves del interior del pasaje representaban a los miembros de la familia real al completo (algunos dañados por la <i>Damnatio Memoriae</i>) presidiendo un acto de sacrificio. En los paneles del exterior se hace referencia a las victorias militares. En el relieve principal de la derecha se aprecia a Septimio Severo y a Julia Domna como sacerdote y sacerdotisa respectivamente, ante un trípode-altar, sujetando ella un gran caduceo. Julia aparece junto a su marido en condiciones de igualdad, con una importancia en la esfera religiosa que hasta entonces no había tenido ninguna otra mujer de la casa imperial. Ha desaparecido Geta de la escena que estaría al lado de sus madre. </span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivmpxpCB2099J3y87l2Rw4dkZhg_lX340yJiB9TwanSAcJEMcG0yDuPQouSYzhzGPAVYkRdUSRbp09WIbNt-X3cC-x38NY8CgtJ32VXAmisfnOQO0z3J4gC3Pq9whFbQp2FPdMIxcCZ3r_/s1600/relieve+del+arco+de+los+argentarios+septimio+severo+y+julia+domna%252C+204.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivmpxpCB2099J3y87l2Rw4dkZhg_lX340yJiB9TwanSAcJEMcG0yDuPQouSYzhzGPAVYkRdUSRbp09WIbNt-X3cC-x38NY8CgtJ32VXAmisfnOQO0z3J4gC3Pq9whFbQp2FPdMIxcCZ3r_/s860/relieve+del+arco+de+los+argentarios+septimio+severo+y+julia+domna%252C+204.jpg" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b><span style="color: #990000;">En el relieve de la izquierda, ha quedado sólo la figura de Caracalla, desapareciendo </span></b><span style="color: #990000;"><b>Plaucila (su esposa) y a Plauciano (el padre de Plaucila y suegro de Caracalla), que estarían en el hueco dejado. Se aprecia muy bien debajo del panel un friso con objetos utilizados en los cultos religiosos.</b></span></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKeWJUjBNJTRI2hD-l6ztlS7rbZ-63PejAoW91N-_nCSUIoQp-jSvh6lZ0MOB0KPpYCu5WM7J3oXxp5QLLFGjNOGdbsrQUO6EmdXXYJLKL1VkKSEsCQOzvZ30f6XTDYrPFjluyQoIaHWpP/s1600/Reconstrucci%25C3%25B3n+del+relieve+de+la+parte+interior+del+pil%25C3%25B3n+occidental+de+los+arcos+argentinos+en+el+Foro+de+Toros+caracalla.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="823" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKeWJUjBNJTRI2hD-l6ztlS7rbZ-63PejAoW91N-_nCSUIoQp-jSvh6lZ0MOB0KPpYCu5WM7J3oXxp5QLLFGjNOGdbsrQUO6EmdXXYJLKL1VkKSEsCQOzvZ30f6XTDYrPFjluyQoIaHWpP/s930/Reconstrucci%25C3%25B3n+del+relieve+de+la+parte+interior+del+pil%25C3%25B3n+occidental+de+los+arcos+argentinos+en+el+Foro+de+Toros+caracalla.jpg" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: #990000;">Escenas del rito del sacrificio de un buey justo debajo del relieve de los emperadores que presiden el rito. </span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6rmBY8LzLE46y7l8qUz7juDYDY2nbg3MaPMNn1nmKL4erKq6SeBqhs8CQ3HHmxQ1G7EhALfIiYeb0P9vP6N1VBxyLmEHRZIy66FSZf_5I6mry9ROI2YWmDaGZXRO18pUBRSe0VJcpsNUV/s1600/Reconstrucci%25C3%25B3n+del+relieve+de+la+parte+interior+del+pil%25C3%25B3n+occidental+de+los+arcos+argentinos+en+el+Foro+de+Toros+sacrificio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1024" data-original-width="1506" height="434" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6rmBY8LzLE46y7l8qUz7juDYDY2nbg3MaPMNn1nmKL4erKq6SeBqhs8CQ3HHmxQ1G7EhALfIiYeb0P9vP6N1VBxyLmEHRZIy66FSZf_5I6mry9ROI2YWmDaGZXRO18pUBRSe0VJcpsNUV/s640/Reconstrucci%25C3%25B3n+del+relieve+de+la+parte+interior+del+pil%25C3%25B3n+occidental+de+los+arcos+argentinos+en+el+Foro+de+Toros+sacrificio.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<div>
<div>
<br />
<b><span style="color: blue;">El arco de triunfo de Nápoles</span></b><br />
<br />
Entre las piezas en exhibición, también hay tres relieves descubiertos recientemente en las excavaciones del metro de Nápoles, que junto con otras piezas se utilizaron para levantar una torre defensiva en tiempos bizantinos. Los relieves son típicos de la decoración de pilares y frisos de otro arco erigido en tiempos de <b>Septimio Severo</b>.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Panel explicativo de este arco de Nápoles en la exposición.</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRLOAbsQUoLm6DZcqzexWA5lRT30jleTxWP9anEEefsjXsIVTHtTfUm2JzT9P9JRwrD2mk7QoZxh0B5j0kRBZmDG_XZAV83PbSP3ET2uWaUxMilPM8d0Tyv4yHAAL-mfYHQyfRMfAIX-B6/s1600/arco+de+napoles.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="838" data-original-width="1024" height="522" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRLOAbsQUoLm6DZcqzexWA5lRT30jleTxWP9anEEefsjXsIVTHtTfUm2JzT9P9JRwrD2mk7QoZxh0B5j0kRBZmDG_XZAV83PbSP3ET2uWaUxMilPM8d0Tyv4yHAAL-mfYHQyfRMfAIX-B6/s640/arco+de+napoles.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Fragmento del friso del arco de triunfo, encontrado en Nápoles (en Piazza Bovio) con una escena de procesión y sacrificio, Dimensiones 79 x 80 cm.</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisqpSER6lzMQFAh3_PPS9wx7g8lKKQePNRS8_YXsyY6ShRMD-AxKi1zlZsDEvLJBnizYGinaiBv9mAeqc7odcgZuidb-7Qm3q8h8GxAr2M3RQiyx-lTM_gHdGD_ZG5aCp8E6frRmYOLjho/s1600/relieve+arco+de+severo+en+napoles.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="597" data-original-width="679" height="561" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisqpSER6lzMQFAh3_PPS9wx7g8lKKQePNRS8_YXsyY6ShRMD-AxKi1zlZsDEvLJBnizYGinaiBv9mAeqc7odcgZuidb-7Qm3q8h8GxAr2M3RQiyx-lTM_gHdGD_ZG5aCp8E6frRmYOLjho/s640/relieve+arco+de+severo+en+napoles.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: blue;">La política dinástica y la construcción en Roma bajo los Severos.</span></b><br />
<br />
Además de los arcos de triunfo, la dinastía Severa tuvo gran interés en realizar muchos otros monumentos públicos con el fin de influir en la opinión popular. La idea de legítima continuidad dinástica en el trono imperial siempre está presente en las obras de <b>Septimio Severo</b> y, sin embargo, a partir de <b>Caracalla</b>, al estar ya la dinastía plenamente consolidada, los emperadores no insistieron tanto en esta idea y sí en las necesidades urbanísticas de los barrios de Roma y en la edificación de templos de sus preferencias religiosas orientales.<br />
<br />
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
<b><span style="color: blue;">La <i>Forma Urbis Severiana</i>.</span></b><br />
<br />
Los Severos, especialmente <b>Septimio Severo</b> y <b>Caracalla</b>, participación en el urbanismo de Roma a través de reformas emprendidas por ellos o nuevas construcciones. De todas ellas dieron buena cuenta en la "<i><span style="color: #cc0000;"><b>Forma Urbis Severiana</b></span></i>", un plano catastral en mármol de la Antigua Roma llevado a cabo entre el 203 y el 211. Fue inciso en unas losas de mármol y colocada en un muro del Forum Pacis. En la exposición se exponen algunos fragmentos. La intención de este magnífico plano era claramente política: mostrar la grandeza alcanzada por Roma y la restauración de la ciudad hecha por la nueva dinastía Severa, ya que parte de Roma había sido reducida a cenizas a causa de los incendios de los años 185, 188 y 191 d.C., durante el reinado de <b>Cómodo</b> (180-192 d.C.).<br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAN7q15MD90-8VeILW_97nzOsfvSLUQHcdxThLfuwvuCGhbxp7uJYwT03Z55dPYV-XPjIfr2WS5WPhWTfbh4EbGTzgSZ5ZZpBoEF_5TxL7Uh5Lwd6qmnPW1memvLOx1S67m3ogZvv0rrlU/s1600/Captura+de+pantalla+completa+03012019+140406.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="687" data-original-width="1265" height="346" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAN7q15MD90-8VeILW_97nzOsfvSLUQHcdxThLfuwvuCGhbxp7uJYwT03Z55dPYV-XPjIfr2WS5WPhWTfbh4EbGTzgSZ5ZZpBoEF_5TxL7Uh5Lwd6qmnPW1memvLOx1S67m3ogZvv0rrlU/s640/Captura+de+pantalla+completa+03012019+140406.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
La dinastía dio un gran impulso a la restauración de monumentos levantados por otros emperadores y dejó constancia de su labor, como queda demostrado por las numerosas inscripciones colocadas en ellos. Su objetivo, de nuevo, fue hacer propaganda de su legitimidad. El Senado concedió a <b>Septimio </b>el titulo de <i>Restitutor Orbis</i>. Entre las reconstrucciones destacan: El<b><span style="color: #cc0000;"> templo de Vesta</span></b>, reconstruido en el 204 por orden de <b>Julia Domna</b>. El <b><span style="color: #cc0000;">Panteón de Agripa</span></b>, también en el 204, con inscripciones del hecho en el arquitrabe. Se sabe que restauró también el <b><span style="color: #cc0000;">Templo de la Paz</span></b>, el <b><span style="color: #cc0000;">Teatro de Pompeyo</span></b>, el <b><span style="color: #cc0000;">Pórtico de Octavia con los templos de Juno Regina y Júpiter Stator,</span></b> el <a href="https://it.wikipedia.org/wiki/Portico_di_Filippo" target="_blank"><b><span style="color: #cc0000;">Pórtico de Filippo</span></b></a> con el <b><span style="color: #990000;">T</span><span style="color: #cc0000;">emplo de Hércules y las Musas en el Circo Flaminio</span></b>, el <b><span style="color: #cc0000;">Templo de Fides</span></b>, la <b><span style="color: #cc0000;">Biblioteca de la Colina Capitolina</span></b>, el <b><span style="color: #cc0000;">Templo de Vespasio y Tito</span></b>, <b><span style="color: #cc0000;">el de Saturno en el Foro </span></b>y el <b><span style="color: #cc0000;">Arco de Nerón</span></b>.<br />
<br /></div>
<div>
<b><span style="color: #990000;">Fragmento de la Forma Urbis. L</span></b><b style="text-align: start;"><span style="color: #990000;">a escala del plano es de aproximadamente 1: 240 con el norte hacia abajo, mostrando con un alto grado de detalle las plantas de cada templo, termas o ínsulas de la ciudad de Roma en el siglo III d. C. Muchos de los edificios llevan también su nombre grabado, haciendo del mapa un documento excepcional. En la imagen cuatro fragmentos de la Forma Urbis Severiana que muestran el Ludus Magnus. </span></b></div>
<div>
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibvZqICQR-nu6IRPW0NtaMZ-sDJgsIaJCddUVV1bBa7lwMNZMIIOS1v0gN3VLt6QkCDjVRiq5_EPDng_Q0n-MJ4AeVhfrHQ9vqTq1N8iIt8UPdx-H1tFvWroJ2ce4vdXka8sLGt66hrro6/s1600/182136796-725521c3-8b27-4d7d-9385-b9779d5144f3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="660" data-original-width="450" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibvZqICQR-nu6IRPW0NtaMZ-sDJgsIaJCddUVV1bBa7lwMNZMIIOS1v0gN3VLt6QkCDjVRiq5_EPDng_Q0n-MJ4AeVhfrHQ9vqTq1N8iIt8UPdx-H1tFvWroJ2ce4vdXka8sLGt66hrro6/s1600/182136796-725521c3-8b27-4d7d-9385-b9779d5144f3.jpg" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b style="text-align: start;"><span style="color: #990000;"><br /></span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgx7O9Bc-iUlYzR1i1S94eXNJxOla957JNRR1caN5WZVUl7cpfhDFqC_3b7OXjEV6s6Gu7W11cQIZTfCm3HnEJDOapAO8uOeP34P9HhrXnROeHX9XBj14DcqShXDQTsGYxiIave9twcNTLS/s1600/781bb394-e8bf-11e8-bfc9-1908113b4021_07forma-kjlB-U11201138814043neC-1024x768%2540LaStampa.it.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="768" data-original-width="1024" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgx7O9Bc-iUlYzR1i1S94eXNJxOla957JNRR1caN5WZVUl7cpfhDFqC_3b7OXjEV6s6Gu7W11cQIZTfCm3HnEJDOapAO8uOeP34P9HhrXnROeHX9XBj14DcqShXDQTsGYxiIave9twcNTLS/s640/781bb394-e8bf-11e8-bfc9-1908113b4021_07forma-kjlB-U11201138814043neC-1024x768%2540LaStampa.it.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b style="text-align: start;"><span style="color: #990000;"><br /></span></b></div>
<b style="text-align: start;"><span style="color: #990000;">Reconstrucción de cómo estaría ubicado el plano. </span></b><b><span style="color: #990000;">Las losas sirvieron como revestimiento parietal de una de las habitaciones de la esquina sur del Templo de la Paz, que haría las veces de registro catastral. </span></b><b style="text-align: start;"><span style="color: #990000;">Originalmente su tamaño fue de 18 metros de ancho por 13 de alto, siendo tallado sobre 150 placas de mármol, colocadas en uno de los muros del Templo de la Paz. </span></b><b><span style="color: #990000;">El hecho de que el entorno adyacente inmediato fue reutilizado (alrededor del año 530) para la Basílica de los Santos Cosme y Damián permitió la conservación del muro en el que se aplicaron. Actualmente, hay 1186 fragmentos de las losas, que cubren alrededor del 10-15% de la superficie total.</span></b><br />
<b style="text-align: start;"><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhw_vuXJG2q_B-bDVi8J80bsPZh0UZ2lOzOI5_M5XPuPA9VTFdFdQ0wVMvBagPOXOOYrORnLOtwLvnRCZws2Utd7-YF3LzuYGKr1OmweIUnAQrQbufw6pvfykSsJcH20LaFhH5tFrEsYT_n/s1600/forma+urbis+romae+Septimio+Severo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="956" data-original-width="883" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhw_vuXJG2q_B-bDVi8J80bsPZh0UZ2lOzOI5_M5XPuPA9VTFdFdQ0wVMvBagPOXOOYrORnLOtwLvnRCZws2Utd7-YF3LzuYGKr1OmweIUnAQrQbufw6pvfykSsJcH20LaFhH5tFrEsYT_n/s690/forma+urbis+romae+Septimio+Severo.jpg" /></a></div>
<b style="text-align: start;"><span style="color: #990000;"><br /></span></b><b style="text-align: start;"><span style="color: #990000;">El plano fue destruyéndose a lo largo de la Edad Media, de modo que hoy en día sólo se conservan pequeños trozos del mapa, alrededor de un 10 por ciento del total, pero aún así es un excepcional documento para realizar una recreación audiovisual espectacular de la ciudad sobre la base de estos fragmentos. </span></b><b><span style="color: #990000;">En 2002, la <a href="https://formaurbis.stanford.edu/" target="_blank">Universidad de Stanford (San Francisco, California) </a>supervisó un proyecto basado en la creación de una base de datos en línea de fragmentos existentes para la reconstrucción de la planta con la ayuda de tecnología. Esta es la base con la que se ha hecho este vídeo-montaje.</span></b><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQd3QoqJCwUXYO6jYykzoZAJKrz6tNrjmpiGdTTBD8-DEtcxGn1Xc1n6GLSgIGc-UYSbkolxsQIEoFPzW8aqF2N5hEHF3xTvQC1-hPxAywaSCpONbT30WxjE_I-eC8uv6epm1864F1mIg4/s1600/Dr-2WewXQAA_VEj.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1200" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQd3QoqJCwUXYO6jYykzoZAJKrz6tNrjmpiGdTTBD8-DEtcxGn1Xc1n6GLSgIGc-UYSbkolxsQIEoFPzW8aqF2N5hEHF3xTvQC1-hPxAywaSCpONbT30WxjE_I-eC8uv6epm1864F1mIg4/s640/Dr-2WewXQAA_VEj.jpg" width="640" /></a></div>
<div>
<br /></div>
<div>
<br /></div>
<b><span style="color: blue;">Las obras públicas y de reconstrucción de la ciudad de Roma.</span></b><br />
<br />
<b>- Las termas de Heliogábalo.</b> En el recorrido de la exposición por el Palatino y junto a la vía Sacra, son visitables por primera vez los vestigios de un extraordinario conjunto arquitectónico: las llamadas <b><span style="color: #cc0000;">termas de Heliogábalo</span></b>, que salen a la luz en un rincón de las laderas de la colina bañadas por la<b><span style="color: red;"> </span><span style="color: #cc0000;">Via Sacra</span></b>, que cuenta una larga historia de transformaciones en edificios. Un ciclo de estatuas descubiertas en este sitio, nunca antes exhibidas y compuestas de retratos y bustos de mármol de buena calidad, se reúnen en el <b><span style="color: #cc0000;">Templo de Rómulo</span></b>.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Excavaciones de las termas de Heliogábalo.</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsDsBflc_4Ue9C0cV1lKRn00a_jv4XlyCqW4jR_4pJNxnhhZZ7hfaVGnDQyGHbGzEuJ9gW8Cqh6V5rxEgEwnHlQKn8tumQu6d3ZDfHzBCYrl9ecUfT3iedUQ0NwH-Fa_XJBWT91f8BkvAQ/s1600/termas+de+heliog%25C3%25A1balo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="616" data-original-width="1024" height="384" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsDsBflc_4Ue9C0cV1lKRn00a_jv4XlyCqW4jR_4pJNxnhhZZ7hfaVGnDQyGHbGzEuJ9gW8Cqh6V5rxEgEwnHlQKn8tumQu6d3ZDfHzBCYrl9ecUfT3iedUQ0NwH-Fa_XJBWT91f8BkvAQ/s640/termas+de+heliog%25C3%25A1balo.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<b>- La domus Severiana del Palatino. </b>El recorrido por el <a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/09/el-palatino-los-palacios-de-los.html" target="_blank">Palatino</a> continúa por un distrito monumentalizado en honor a la familia imperial en aproximadamente dos hectáreas. Su plan se centró especialmente en la pendiente sudeste del <a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/09/el-palatino-los-palacios-de-los.html" target="_blank">Palatino</a> que daba sobre la <b><span style="color: #cc0000;">vía Apia</span></b> y el <b><span style="color: #cc0000;">Circo Máximo</span></b>. Hoy, los signos más evidentes que quedan en pie, son imponentes arcos y terrazas, junto al estadio, con la extraordinaria sala de los capiteles del techo de cajones estucados. La intención de <b>Septimio Severo</b> con este conjunto fue presentarse como el legítimo heredero de los Antoninos y como el que había renovado la paz y la prosperidad al Imperio. No sólo amplió el palacio imperial, en lo que se conoce como la <b><span style="color: #cc0000;">Domus Severiana</span></b>, sino que resolvió el paisaje urbano de la zona impulsando la construcción de nuevos baños imperiales, la renovación de acueductos y, posiblemente, el trazado de una nueva carretera y plaza con fachada monumental.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">A la izquierda las dos zonas del Palatino edificadas por Septimio Severo: la domus Severiana y el Septizodium.</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS21Ckxj7gH5zOGdR4F5qJ6M9ysF-erz3_oT3XqUMHi6SJzn9SU8d4lK6TPDhPrkStiy6J082wg_KACqRasWlJphjJgICKw5y9t5fT8LwjfWQfc5oHwe-DS5KYcNYoOM_fXBvG3pb-DsBW/s1600/Palatin-legende.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="693" data-original-width="1593" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS21Ckxj7gH5zOGdR4F5qJ6M9ysF-erz3_oT3XqUMHi6SJzn9SU8d4lK6TPDhPrkStiy6J082wg_KACqRasWlJphjJgICKw5y9t5fT8LwjfWQfc5oHwe-DS5KYcNYoOM_fXBvG3pb-DsBW/s640/Palatin-legende.jpg" /></a></div>
<br />
La <b><span style="color: #cc0000;">Domus Severiana</span></b> es la extensión final de los <a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/09/el-palatino-los-palacios-de-los.html" target="_blank">palacios imperiales en la colina del Palatino</a>. Posiblemente ya estaban planificados en tiempos de <b>Domiciano</b>, pero fueron terminados en los de Severo. Todo lo que queda del edificio son las imponentes subestructuras de pasillos y bóvedas en la esquina de la colina. Con ellas se crearon una plataforma artificial al mismo nivel que el <b><span style="color: #cc0000;">palacio de Domiciano</span></b> o <b><span style="color: #cc0000;">domus Augustiana</span></b> para llevar la residencia más allá de la pendiente de la colina. En su parte superior se encontraría el palacio real del cual únicamente quedan unos pocos restos. Las huellas de los baños se pueden ver entre el edificio y la exedra del <b><span style="color: #cc0000;">estadio domiciano</span></b>. Estos baños fueron alimentados por una extensión del <b><span style="color: #cc0000;">Aqua Claudia</span></b>.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Esqueleto de pilares y bóvedas hechos con ladrillos y hormigón que sostenían la Domus Severiana y donde se encontraban las termas severianas. </span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUpUhxeamn1WfqwqWpP8JID3gbb28rZQKnnRN2HYV6lNhSWWHtL7RLTzUR6yq2fMidEkaUweeRSJWuLPyftU1S1V8LIHzZGrv9TtBo6gOBkhhoBxHhdSEJYY5YYjlFCCkekUhsV_hhn7xx/s1600/Domus-severiana-1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="683" data-original-width="1024" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUpUhxeamn1WfqwqWpP8JID3gbb28rZQKnnRN2HYV6lNhSWWHtL7RLTzUR6yq2fMidEkaUweeRSJWuLPyftU1S1V8LIHzZGrv9TtBo6gOBkhhoBxHhdSEJYY5YYjlFCCkekUhsV_hhn7xx/s640/Domus-severiana-1.jpg" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJzQ0jG9znv8jtCudzYFV45tqooEwbdT8DiiAmcTQ39b40m-4fGoQ-65E-M3pPvfsqJ-j3vmdFW4MTpC2bxYP8gIEQSv90sSW8upk_3nWim4Op5dydWKzRM5LtJahVrA-qb8MCNq7zX3gx/s1600/maqueta+de+roma+septizodium.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="484" data-original-width="752" height="410" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJzQ0jG9znv8jtCudzYFV45tqooEwbdT8DiiAmcTQ39b40m-4fGoQ-65E-M3pPvfsqJ-j3vmdFW4MTpC2bxYP8gIEQSv90sSW8upk_3nWim4Op5dydWKzRM5LtJahVrA-qb8MCNq7zX3gx/s640/maqueta+de+roma+septizodium.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<br />
<b>- Septizodium. </b>Todo esta nueva ampliación del palacio imperial se remataría con una fachada monumental con función de fuente o ninfeo llamada <b><span style="color: #cc0000;">Septizodium</span></b>. La construcción pudo estar terminada hacia el 203 puesto que ya aparece representado en un fragmento de la <i><b><span style="color: #cc0000;">Forma Urbis</span></b></i>. Tenía casi 100 metros de largo y la forma de un gran edificio de varios pisos de columnas y entablamentos a modo de escenario teatral con tres nichos. El nicho central albergaba la estatua del Emperador, y los otros dos de los lados, contenían estatuas menores y surtidores de agua. Sería visible desde la Vía Apia, marcando la entrada al recinto imperial. El emperador quiso impresionar con esta obra a todos aquellos que llegasen a Roma por el sur, fue una declaración arquitectónica visible y contundente de su autoridad como gobernante.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">La fuente contenía las estatuas de siete astros-dioses (de ahí el nombre de Septizodium): Saturno, Sol, Luna, Marte, Mercurio, Júpiter y Venus. Posiblemente también habrían estatuas de la familia imperial. El edificio ya se encontraba en ruinas a finales del siglo VIII y su reconstrucción resulta polémica. Os ofrezco la versión de Dombart.</span></b><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0kS0j_OaJBsnRHDs9eGA-nv-eX0a1vLpy18MMQej8N4wTLdF_1G2x_KzOjv9PSkZfUZ0kH59j5sZBgeedarFhSTytGFmw8qVzUWs41tsngDw3heZXvltdT4eEVGoOLR7U0QCniMbhS7Gr/s1600/septizodium.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="924" data-original-width="1176" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0kS0j_OaJBsnRHDs9eGA-nv-eX0a1vLpy18MMQej8N4wTLdF_1G2x_KzOjv9PSkZfUZ0kH59j5sZBgeedarFhSTytGFmw8qVzUWs41tsngDw3heZXvltdT4eEVGoOLR7U0QCniMbhS7Gr/s640/septizodium.jpg" /></a></div>
<br />
<span style="color: #990000;"><b>Vista que muestra el lado suroeste del Palatino con el Septizodium, los arcos del Aqua Claudia y el Arco de Constantino a la derecha., por Etienne Du Pérac, comienzos del siglo XVII.</b></span><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhb3G8isjFAGxqlvyCMESGDWTUgV-hPgxcvYNlWr39YLfLjyHPqF0MRFlBTwCrtH4W5fRXzSuxR3uZpz3MgbNIzh6WMNAeVnov42yeRDkT-2T-AsyuHxwTDgkqUL48BfgZ2XXviFkADgzku/s1600/Septizonium+por-Du-Perac-1572.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="476" data-original-width="847" height="358" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhb3G8isjFAGxqlvyCMESGDWTUgV-hPgxcvYNlWr39YLfLjyHPqF0MRFlBTwCrtH4W5fRXzSuxR3uZpz3MgbNIzh6WMNAeVnov42yeRDkT-2T-AsyuHxwTDgkqUL48BfgZ2XXviFkADgzku/s640/Septizonium+por-Du-Perac-1572.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<b>- Termas de Caracalla.</b> Se abrió un nuevo eje vial (la Via Nova) para conectar el Palatino con los barrios populares construidos a lo largo del tramo terminal de la Via Appia. Es aquí donde surgieron las monumentales <b><span style="color: #cc0000;">Termas de Caracalla </span></b>(211/212 <b>Septimio</b> y 216/217 <b>Caracalla</b>). El complejo termal no estaba terminado en el año 216 año de su inauguración oficial y por tanto fue continuado por sus sucesores, <b>Heliogábalo</b> y <b>Alejandro Severo</b>. Fueron las segundas termas más grandes de la ciudad, sólo superadas por<a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/11/las-termas-de-diocleciano-en-roma.html" target="_blank"> las de <b>Diocleciano</b></a> unas décadas después.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Impresionantes esqueletos de los muros de las termas de Caracalla. </span></b><span style="color: #990000;"><b>Las técnicas constructivas empleadas son las habituales en Roma: núcleo de hormigón recubierto de ladrillo, mármol o estuco (dependiendo de las zonas, el mármol soporta la humedad y el vapor, el estuco no), bóvedas de arista y medio punto para cubriciones, arcos para vanos y descargas de muros, y el uso aún incipiente de la pechina, para superar la transición arquitectónica de una planta cuadrada a un espacio semiesférico.</b></span><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi9vT0wrlSAPo7_HU4CnrywpnyEEycGcPA6p78j5UuloBMayYYrp0qJA4VbQBcDUe9FhZoGnsmvvs6DGm-_nWYzmXqh00PC_KpTOOMYVy3CoZ3QVthNIpKFmH-BJcmCRWrj4ePJRoJMZn3E/s1600/Thermae_of_Caracalla_Panorama.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="361" data-original-width="1350" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi9vT0wrlSAPo7_HU4CnrywpnyEEycGcPA6p78j5UuloBMayYYrp0qJA4VbQBcDUe9FhZoGnsmvvs6DGm-_nWYzmXqh00PC_KpTOOMYVy3CoZ3QVthNIpKFmH-BJcmCRWrj4ePJRoJMZn3E/s640/Thermae_of_Caracalla_Panorama.jpg" /></a></div>
<br />
Su planteamiento deriva de las de <b>Trajano</b>, un gran recinto cuadrado, con zonas para juegos gimnásticos, entrenamientos deportivos, zonas culturales, aulas, biblioteca,.. y en la zona central el balneario, propiamente dicho; una gran zona destinada para baño, en sus distintas fases. Existía una gran piscina, natatio; a ambos lados las salas para desnudarse, apodyteria; la gran sala de agua fría, frigidarium; la de agua templada, tepidarium; y la piscina de agua caliente o caldarium. El abastecimiento y la conducción del agua se hacía a través de un acueducto propio, con una gran cisterna al final, que conducía hacia el complejo termal enormes cantidades de agua, ya que tenían grandes piscinas que necesitaban un gran volumen de agua.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Las termas de Caracalla, unidas con el Estadio Domiciano y con el sector suroeste del Palatino donde se encontraba el Septizodium. Reconstrucción por Progetto Katatexilux, la empresa que ha elaborado el vídeo reconstructivo de la Roma al final de la dinastía de los Severo.</span></b><br />
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<b>- Termas del Trastevere.</b> De la misma manera, se prestó especial atención al distrito más densamente poblado de la Roma imperial, el Trastevere, donde <b>Septimius Severus</b> construyó la vía Septimiana y algunas pequeñas termas. En ambas áreas existió la voluntad de proporcionar infraestructuras utilitarias a barrios populares.<br />
<br />
<b>- Templos severianos en Roma. </b>La huella conferida por la dinastía en los edificios sagrados fue igualmente profunda. Se construyeron en la ciudad tres nuevos santuarios para albergar cultos de África, Egipto y Siria: el <b><span style="color: #cc0000;">templo de Hércules y Dionisio</span></b>, las dos deidades de Leptis Magna, construido por <b>Septimius Severus</b> en el Quirinal; el <b><span style="color: red;">templo de Serapis</span></b>, en el Quirinal, restaurado por Caracalla; y, finalmente, el <b><span style="color: red;">templo al Sol Invictus Heliogabalus</span></b>, sustituyendo el culto en el mismo a Júpiter y dedicado por el emperador homónimo en el sector noreste del Palatino.<br />
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<br />
<b>- Finalmente, los trabajos utilitarios. </b><br />
Bajo<b> Septimio Severo </b>le construyeron los nuevos <b>campamentos</b> para la guardia de caballeria del emperador, Equites singulares Augusti, en el área de S. Giovanni en Laterano, y los de la Legión II Parthica en Albano, para servir de contrapeso al excesivo poder que habían alcanzado las unidades de la guarnición de Roma, ante todo la Guardia Pretoriana, especialmente con los asesinatos de Cómodo, Pertinax y Didio Juliano en 192-193. Como no se encontraba en una provincia, actuaba como fuerza de refuerzo allá donde se la necesitara.<br />
<br />
Bajo <b>Alejandro Severo</b> (222 al 235) se construyó el <b><span style="color: #cc0000;">Aqua Alexandrina</span></b>, el último de los once acueductos que abastecían de agua a la antigua Roma. Entraba en la ciudad por la Porta Maggiore, alimentando al ninfeo monumental, que ahora se puede ver en los jardines de Piazza Vittorio Emanuele II (los llamados "Trofeos de Mario") y de allí se dirigiéndose al Campo de Marte, donde estarían las Termas de Nerón, restauradas por Alejandro Severo en 226, conocidas como Termas Alejandrinas.<br />
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Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-67324401201986458602019-01-02T22:31:00.002+01:002019-01-06T20:11:53.269+01:00LOS FRESCOS DE LA ODISEA DE HOMERO DE LA DOMUS DE LA COLINA ESQUILINA, ROMA. LA PINTURA DE PAISAJES IDÍLICOS ROMANOS.El género del paisaje fue una gran innovación de <a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/09/la-pintura-de-pompeya-exposicion-en.html" target="_blank">la pintura romana </a>en comparación con la <a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/09/la-pintura-griega-en-fresco-y-sobre.html" target="_blank">pintura griega</a>. Desafortunadamente, pocos ejemplos de este género han llegado a nuestros días. Los más notables son los frescos de la magnífica serie de la Odisea que vamos a ver en este artículo. Se encontraron hace ya mucho tiempo, en 1848, en una domus excavada en la colina Esquilina de Roma que debió tener su entrada por el antiguo vicus Patricius, pero que se extendía hasta la paralela via Graziosa, que es por donde se estaban haciendo en ese momento obras de edificación. Esta calle ya no existe y ha sido sustituida y reurbanizada posteriormente por la actual via Cavour.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJZAZRjQt-m-h0Rl_Ox8doxyPjatguhdudlA5DizpdzUdn71fQPQSOqKkAdhYyYIps8hkbbewX0SpQkg0lYQPBoOue3FNJaKZqTp06JiXyzB0G2toE36H5G1ckgJ6udmWZ-GFe3KHLxTAt/s1600/fresco+house+Esquiline+Hill%252C+Rome%252C+depicting+Homer%2527s+Odyssey.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="474" data-original-width="1280" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJZAZRjQt-m-h0Rl_Ox8doxyPjatguhdudlA5DizpdzUdn71fQPQSOqKkAdhYyYIps8hkbbewX0SpQkg0lYQPBoOue3FNJaKZqTp06JiXyzB0G2toE36H5G1ckgJ6udmWZ-GFe3KHLxTAt/s645/fresco+house+Esquiline+Hill%252C+Rome%252C+depicting+Homer%2527s+Odyssey.jpg" /></a><br />
<br />
<b><span style="color: blue;">El hallazgo arqueológico.</span></b><br />
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Poco ha quedado de la domus salvo los frescos que hoy se pueden contemplar en el Museo Vaticano, porque se salvaron para ser regalados al Papa, y publicaciones de mediados del siglo XIX con algunas indicaciones y dibujos de cómo se hallaron. Lo encontrado en 1848 sería los restos de un criptopórtico o corredor cubierto semisubterráneo abovedado que debía servir para soportar un piso superior habitacional. La domus apoyada en la ladera del Cispius se dispondría en terrazas superpuestas en las que los pisos bajo serían aprovechados para crear una estructura semisubterránea que sustentara la superficie superior y que creara unos patios sombríos ideales por sus temperaturas moderadas en invierno y frescas en verano.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Dibujo de la publicación de Pietro Matranga: <i>La ciudad de Lamo establecida como Terracina siguiendo las descripciones de Homero y dos de las antiguas pinturas acabadas de descubrir en el Esquilino (1852)</i>.pp. 223-224. Así es como aparecieron las pinturas.</span></b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOOuSQM0hdxnwD2rX6muijkMOy93BON8hlaxa38eJQMTcgWOZE7x_suMAegdXPNgl3oIzRZZMhAUNuAaENx8G-uvaQTmx9klWWmHCtZSH7ORc-9byKQfN_BRfB0-6oRvCZci2LtokLiVld/s1600/seccion+excavaciones+en+via+Graziosa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="767" data-original-width="772" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOOuSQM0hdxnwD2rX6muijkMOy93BON8hlaxa38eJQMTcgWOZE7x_suMAegdXPNgl3oIzRZZMhAUNuAaENx8G-uvaQTmx9klWWmHCtZSH7ORc-9byKQfN_BRfB0-6oRvCZci2LtokLiVld/s645/seccion+excavaciones+en+via+Graziosa.jpg" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: blue;">La fecha de las pinturas.</span></b><br />
<br />
Los frescos se fechan hoy en día hacia mediados del siglo I a. C., ya que se encontraron fragmentos pintados coetáneos de un calendario prejuliano, lo que nos ofrece una cronología no posterior al 46 a. C. Por otro lado, estos paisajes son un claro ejemplo del "Segundo estilo pompeyano" o "Estilo arquitectónico" romano, definido por <b>August Mau,</b> que se data entre el 90 y el 25 a. C. Lo característico de este estilo es que los elementos arquitectónicos -en este caso, pilastras pintadas con mucho realismo y en perspectiva-,compartimentan espacios de dimensiones de 1,67 x 1,32 metros, creando la ilusión de estar ante ventanas a través de las cuales podemos asomarnos a paisajes imaginarios.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Reconstrucción de cómo estarían dispuestos los paisajes de la domus de via Graziosa.</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_27jQ182eauOFjrYM0JwFlz4mq7k6RXZ8DH5xpMwasJdtZakzHGPCEcIoYe7icj5ZihOuZAL1i5SuIUedC-SItCNg30x5hAYpvC4Unf5zqv7uPgUHVMVJ6dx06LKR2CDF3k3ZVsfWHfGF/s1600/Odyssey_wall_color-2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="285" data-original-width="1120" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_27jQ182eauOFjrYM0JwFlz4mq7k6RXZ8DH5xpMwasJdtZakzHGPCEcIoYe7icj5ZihOuZAL1i5SuIUedC-SItCNg30x5hAYpvC4Unf5zqv7uPgUHVMVJ6dx06LKR2CDF3k3ZVsfWHfGF/s645/Odyssey_wall_color-2.jpg" /></a><br />
<br />
<br />
<span style="color: blue;"><b>Sobre la función de este criptopórtico.</b></span><br />
<span style="color: blue;"><b><br /></b></span>
El complejo residencial sería mucho más grande y distribuido en la ladera del monte a través de varias terrazas. En concreto, la galería de nuestros frescos se articulaba en torno a un enorme espacio rectangular con al menos tres lados porticados abovedados, que pudieron alcanzar hasta cinco metros de altura hasta la clave y completando 150 metros de perímetro porticado en total. Ante tal superficie de muro, se calcula que los recuadros pintados en este criptopórtico no se limitarían a los 7 paneles que hoy se conservan (9 ó 10 si consideramos los restos de otros en muy mal estado), sino que constituirían un conjunto que podría llegar a componer entre 35 a 100 escenas que completarían el poema de <b>Homero</b>. Estos largos pórticos cubiertos, llamados por <b>Vitrubio</b> <i>ambulationes</i>, eran el lugar ideal para acoger largos paseos, conversaciones y confidencias entre los dueños de la casa y sus huéspedes. Y según el arquitecto eran el lugar ideal para ser decorados con pintura que dieran al paseante la sensación de hacerlo en medio de paisajes fantásticos donde se desarrollaban los principales acontecimientos de los mitos homéricos (Iliada y Odisea). La experiencia debía ser estética, sensual e intelectual.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Los lestrigones destruyen la flota de Ulises (izquierda); La nave de Ulises, la única que se salvó, se dirige hacia la Isla de Circe, Eea (derecha)</span></b><br />
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<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b></div>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgupoX1eSoyK-lP8HhZCX9iKKfkG3UffBAuOurwNlOdmf1j2DDss0c0zKzJp6VqDYxYe1ASoZbtRR0GRJjs3XEF7P48kpYVtZHrCstBy1b-pJ2GWL5ngA1_xNa7AD2Er7R7JjVeY98gAtEe/s1600/Cycle+with+scenes+from+the+Odyssey%252C+Via+Graziosa1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="530" data-original-width="1280" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgupoX1eSoyK-lP8HhZCX9iKKfkG3UffBAuOurwNlOdmf1j2DDss0c0zKzJp6VqDYxYe1ASoZbtRR0GRJjs3XEF7P48kpYVtZHrCstBy1b-pJ2GWL5ngA1_xNa7AD2Er7R7JjVeY98gAtEe/s645/Cycle+with+scenes+from+the+Odyssey%252C+Via+Graziosa1.jpg" /></a><br />
<div>
<br /></div>
<b><span style="color: blue;">Sobre la experiencia estética y sensual.</span></b><br />
<br />
El criptopórtico había sido pintado para sugerir una habitación rodeada por una doble columnata que creaba en el espectador la sensación de espacio más allá. Sobre tres cuartos de altura de la pared y entre las pilastras figuradas aparecían vistas panorámicas de paisajes: riscos erizados, cuevas sombrías, costas lejanas, bahías anchas, nubes ondulantes, árboles arrastrados por el viento, pequeñas ruinas, barcos navegando y un grupo de figuras empapadas de luz matutina. La preponderancia de los tonos verde claro y aguamarina evocaría la expectativa de refrescarse con la brisa marina al pasar la vista más allá.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Detalle del paisaje de la hija del rey de los Lestrigones. al fondo las naves de Ulises. Delante unas montañas de formas y árboles fantásticos.</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj6bkigoiggBnTYDll4GKfRFUgSV_63tB415jqLbFlbyMBvIr2ianUqGeAXr_4ubyrKiV5jWpyh99NG-cgkDbekzEMSx0g2xZZd3v7Na5ZqniwF8CN0hPYOfrtLEhTei_L1uwUdU084I1X/s1600/detalle+del+paisaje.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="918" data-original-width="1523" height="384" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj6bkigoiggBnTYDll4GKfRFUgSV_63tB415jqLbFlbyMBvIr2ianUqGeAXr_4ubyrKiV5jWpyh99NG-cgkDbekzEMSx0g2xZZd3v7Na5ZqniwF8CN0hPYOfrtLEhTei_L1uwUdU084I1X/s640/detalle+del+paisaje.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
Es realmente notable el sentido de profundidad alcanzado en estos frescos, considerando que el concepto de perspectiva no se desarrollaría hasta 1,500 años después. Para lograr este sentido, los colores se desvanecen en aquellas partes de la composición "más lejos" del observador.<br />
<br />
<b><span style="color: blue;">Sobre el mecenas y el artista. </span></b><br />
<br />
La representación detallada de los pasajes del texto homérico y el nombre con el que se acompaña a cada personaje escrito en griego, sugiere el ambiente refinado y elitista de para quién se pintaron. Hoy se atribuye la domus a la gens Papiria, una antigua familia patricia de Roma, que se sabe habitaba esta parte de la colina Esquilina (la altura llamada Cispius) desde el siglo III a. C.<br />
<div>
<br /></div>
El artista que las pintó seguramente fue griego y pudo copiar de modelos bien definidos, tal vez proporcionados por las ilustraciones de los poemas realizados en la biblioteca de Alejandría. El argumento principal para insinuar una relación con esta ciudad es que allí se creó una versión de la Odisea en la que aparecían mencionados tres de los emisarios que mandó Ulises para hablar con el rey de los Laestrigonianos y que aparecen rotulados en estos frescos. Esto nos indica, una vez más, la influencia notable del arte helenístico sobre el ambiente cultural romano del siglo I a. C.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Detalle de la escena de la hija del rey de los Lestrigones y los emisarios de Ulises con los rótulos encima de sus cabezas.</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgm_NTSvAyuEoE691kR15-dwEFAI7TaALYNVJbTABOGz_9RleRZfjGKV0H_dooqHF1VdHZeT1A8hUi12bR925UwpwmfQKJUTf4erapY70JGIwr8LykYWf2AcVa_eUsrC45jGao2jGQk2LHQ/s1600/detalle+de+los+nombres.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="441" data-original-width="932" height="302" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgm_NTSvAyuEoE691kR15-dwEFAI7TaALYNVJbTABOGz_9RleRZfjGKV0H_dooqHF1VdHZeT1A8hUi12bR925UwpwmfQKJUTf4erapY70JGIwr8LykYWf2AcVa_eUsrC45jGao2jGQk2LHQ/s640/detalle+de+los+nombres.jpg" width="640" /></a></div>
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<b><span style="color: #990000;">El encuentro entre los compañeros de Ulises y la hija del rey de los Lestrigones.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJmQ-H_Yz9tVa6QdM5kLLjmHV9094W1GAZ6-mbWThtW2SgHzBsUdqNe3gk80LS5UdiJ1h71Q6ALAO5Qj-t9GHc51_xdCgPCaI7A7hWm6kxdGnY3E61Cp8oIRSGWAXGykOakqgDv34OjadX/s1600/Los+exploradores+de+uliseshija+de+Ant%25C3%25ADfates.+Ca.+125+a.+C..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="913" data-original-width="1280" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJmQ-H_Yz9tVa6QdM5kLLjmHV9094W1GAZ6-mbWThtW2SgHzBsUdqNe3gk80LS5UdiJ1h71Q6ALAO5Qj-t9GHc51_xdCgPCaI7A7hWm6kxdGnY3E61Cp8oIRSGWAXGykOakqgDv34OjadX/s645/Los+exploradores+de+uliseshija+de+Ant%25C3%25ADfates.+Ca.+125+a.+C..jpg" /></a></div>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<b><span style="color: blue;">Sobre el tema. Entre </span></b><b><span style="color: blue;">el paisaje idílico</span></b><b><span style="color: blue;"> y </span></b><b><span style="color: blue;">el mito.</span></b><br />
<br />
La elección del tema homérico en el friso de este criptopórtico estaba motivado por la admiración que la aristocracia romana sentía por la cultura helenística, pero, si profundizamos un poco y nos situamos en el contexto histórico de finales de la República Romana, es indudable que también servía para crear una ensoñación nostálgica muy en boga en la época.<br />
<br />
Roma había crecido en los dos últimos siglos y entre los romanos cultos se añoraban momentos pasados en que la vida era más simple en el país y los hombres vivían más acorde con el medio. La memoria, con su tendencia a fabricar imágenes de un pasado idealizado, creaba entre ellos una utopía que añoraban como futuro. Por eso, las andanzas de Odiseo no se presentan en las escenas con el protagonismo de la acción humana o de la narración épica, sino dentro de un contexto donde la naturaleza es la protagonista del episodio. Los paisajes, aún los llenos de peligros, se han transformado en paisajes de deseo donde la belleza del lugar cautiva los sentidos y donde, aunque la violencia existe puede existir se respira la inocencia perdida del ser humano. En estos lugares parecen resonar el canto de las cigarras y se puede oler el dulce aroma de un árbol en plena floración. La corriente de un arroyo refresca nuestra mano y la hierba es lo suficientemente gruesa para descansar cómodamente. Este es el "lugar agradable", <i>locus amoenus</i>, en el que disfrutar huyendo de la urbs, la visión romana de paraíso.<br />
<br />
<b><span style="color: blue;">Los cantos X a XII de la Osisea narrados en los frescos.</span></b><br />
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Los frescos ilustran algunos episodios de la Odisea de Homero. Se ha perdido el episodio anterior en el que se debió narrar las andanzas de Ulises con Polifemo y Eolo. Por tanto, nuestras escenas comienzan cuando Odiseo y sus compañeros llegan en una docena de embarcaciones a una tierra que les es desconocida desconocida. Los barcos entraron en un puerto rodeado por abruptos acantilados, con sólo una entrada entre dos promontorios. Los capitanes metieron sus naves dentro del puerto muy juntas entre sí. Odiseo guardó su propia nave fuera del puerto, amarrada a una roca. Trepó a una roca alta para hacer un reconocimiento, pero sólo pudo ver un poco de humo ascendiendo desde el suelo. Envió a tres de sus hombres, uno de ellos como heraldo, para que averiguasen algo sobre los habitantes del lugar. Los hombres siguieron por un camino y encontraron a una mujer joven, pero gigante, que dijo que era hija de Antífates, el rey, y los condujo a su casa.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Llegada de los barcos devorados por los vientos a la tierra de Lestrigones, envío de exploradores y encuentro con la hija del rey. Aquiles retira su barco abajo a la derecha. Los tres exploradores enviados por Ulises (Euribate, Antiloco, Anchialo) cruzan un puente y se encuentran con la hija del rey de Lestrigones, que desciende de un camino empinado; en la parte superior, una figura masculina que se encuentra a medio camino del acantilado, con la mano derecha sobre su cabeza, representa el genio de la montaña, mientras que en el primer plano una mujer sentada en el suelo le da la espalda al espectador: es la ninfa de la primavera, cerca de la cual emergen los tallos de las hierbas acuáticas, mientras que arriba, en el acantilado, podemos ver los rastros desaparecidos de la palabra KRHNH (fuente: en la descripción literaria).</span></b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnT5fhbLZ-9gMAwV2AUodseZD1O8TY0ttY5nC-TsMx-858VFFgrnUdpaP5RAnGnovebXV0W6jinTCk7qx3TJM_1AF6iqVcKlvoFba5QRz0ZO3h2MaPCoRfg-rJnk5I2dZYpyZGux-Ax2-L/s1600/lestrigones.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1162" data-original-width="1600" height="464" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnT5fhbLZ-9gMAwV2AUodseZD1O8TY0ttY5nC-TsMx-858VFFgrnUdpaP5RAnGnovebXV0W6jinTCk7qx3TJM_1AF6iqVcKlvoFba5QRz0ZO3h2MaPCoRfg-rJnk5I2dZYpyZGux-Ax2-L/s640/lestrigones.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: #990000;">Cuando los enviados de Ulises llegaron ante la esposa de Antífates, ésta llamó a su marido, quien dejó la asamblea del pueblo y al llegar raptó a uno de los hombres y empezó a comérselo. Los otros dos hombres se escaparon, pero Antífates provocó un griterío y fueron perseguidos por miles de lestrigones, que eran de tamaño gigantesco. En la imagen de abajo, los lestrigones con sus rebaños y el llamado del rey Antiphates al ataque a los barcos de los griegos.</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRFLvMYJtdsbJ7LxxhSeVgM37tSuytWAFnkkpCKqAgeW-k1go8OGLEmJxc7ghkM8IMnREgrxzJBrEjcXYbspsUjLCu6LIPwtPlyBGsXlTXChHmdWSGkeFdFAT7FIY4IwGz73g1C2yN_fPk/s1600/Second+Style.+Rome+Odyssey+Frieze.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="734" data-original-width="981" height="478" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRFLvMYJtdsbJ7LxxhSeVgM37tSuytWAFnkkpCKqAgeW-k1go8OGLEmJxc7ghkM8IMnREgrxzJBrEjcXYbspsUjLCu6LIPwtPlyBGsXlTXChHmdWSGkeFdFAT7FIY4IwGz73g1C2yN_fPk/s640/Second+Style.+Rome+Odyssey+Frieze.jpg" width="640" /></a></div>
<div>
<br /></div>
<b><span style="color: #990000;">Los lestrigones, gigantes caníbales que vemos de espaldas, lanzan grandes rocas sobre los barcos de Odiseo, destruyendo a todos menos uno y matando y comiendo a varios de sus tripulantes. La nave de Ulises se salvó porque la tenía escondida en una cala. El pintor puso una gran cantidad de drama y acción en la escena, transmitiendo la sensación de confusión y caos que asedia a la flota. </span></b><br />
<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhM2HVHmuU-kjuWVGUkmE7tEKusS-ssA1fHdZSHPkZPokRXpyUmA4dEbMlmtDV1KaPTUx8VJeiiJBPHk7uMZFkp8HKbI0ywOogcMjw0gXpXSu3Ss3nhCfoz94fT2jxncY7N3T-N88noaVBK/s1600/Second+Style+Rome+Odyssey+Frieze+la+flota+de+ulises+hundida.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="581" data-original-width="792" height="468" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhM2HVHmuU-kjuWVGUkmE7tEKusS-ssA1fHdZSHPkZPokRXpyUmA4dEbMlmtDV1KaPTUx8VJeiiJBPHk7uMZFkp8HKbI0ywOogcMjw0gXpXSu3Ss3nhCfoz94fT2jxncY7N3T-N88noaVBK/s640/Second+Style+Rome+Odyssey+Frieze+la+flota+de+ulises+hundida.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
La tripulación superviviente llegaría después a la isla Eea, morada de Circe.<br />
<br /></div>
<div>
<b><span style="color: #990000;">Ulises en el palacio de Circe (izquierda); posiblemente compañeros de Ulises, transformados en cerdos (derecha). </span></b><b style="color: #990000;">En la Odisea de Homero, el palacio de Circe es descrito como una mansión de piedra que se alzaba en el centro de la isla de Eea, en medio de un valle y un claro en un denso bosque. Alrededor del referido palacio, rondaban leones y lobos, que en realidad no eran más que las víctimas de su magia: no eran peligrosos y lisonjeaban a todos los extraños.</b></div>
<div>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNTQIOnYweUXMmmbk9EXqSeUDKjIxuc4nCU_q1MdIb3GqIUEnop-vRkxtTpL21yiy5RqVP3D90Cxa4XCJJm7R0QUh1ncloz7hm7fqhhAVRT82D_qYbjR0Do2B1pcZxDnTst7YCymzQw7gz/s1600/Cycle+with+scenes+from+the+Odyssey%252C+Via+Graziosa2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="562" data-original-width="1280" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNTQIOnYweUXMmmbk9EXqSeUDKjIxuc4nCU_q1MdIb3GqIUEnop-vRkxtTpL21yiy5RqVP3D90Cxa4XCJJm7R0QUh1ncloz7hm7fqhhAVRT82D_qYbjR0Do2B1pcZxDnTst7YCymzQw7gz/s645/Cycle+with+scenes+from+the+Odyssey%252C+Via+Graziosa2.jpg" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: #990000;">Ulises, en el inframundo, primero se encuentra con las sombras de los muertos (izquierda), luego Orión, Sísifo, Tityus y los Danaides (derecha). </span></b><span style="color: #990000;"><b>Ulises desciende al Hades siguiendo las indicaciones de Circe. Allí se le aparecen los espectros de su madre, Anticlea, que se ha suicidado por la tardanza de su hijo. También habla con Aquiles. El héroe está poco contento con su condición actual y le cuenta sus penas a Ulises. Las Danaides están condenadas eternamente a llenar de agua un pozo sin fondo.</b></span><br />
<div>
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjx5_tHAhNteS2fqZZTFXDOWPZdnwtBAfxGTfw9SgNt0eqXacetUvKp-wCuZQTaW7dNHKKddpLvuA2u5JRuaBPnxV9ptKd_GYdSIIY5IKSim5yrVVQeiaZpSBSkJJY7_1TvYHKZ8SDILeDR/s1600/Cycle+with+scenes+from+the+Odyssey%252C+Via+Graziosa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="636" data-original-width="1280" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjx5_tHAhNteS2fqZZTFXDOWPZdnwtBAfxGTfw9SgNt0eqXacetUvKp-wCuZQTaW7dNHKKddpLvuA2u5JRuaBPnxV9ptKd_GYdSIIY5IKSim5yrVVQeiaZpSBSkJJY7_1TvYHKZ8SDILeDR/s645/Cycle+with+scenes+from+the+Odyssey%252C+Via+Graziosa.jpg" /></a></div>
<br />Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-84381240860905787792018-12-16T17:59:00.001+01:002018-12-25T21:16:24.589+01:00ESCULTURA DE LA DINASTÍA DE LOS SEVERO. CONTEXTO HISTÓRICO Y RETRATO IMPERIAL. LA EXPOSICIÓN "ROMA UNIVERSALIS" (1)Una buena excusa para acercarse a Roma durante estos próximos meses es contemplar la exposición <b><i><span style="color: #cc0000;">"Roma Universalis: El Imperio y la dinastía venida</span></i></b><b><i><span style="color: #cc0000;"> de África"</span></i></b>. La muestra se expone a lo largo del Parque Arqueológico del Coliseo y estará abierta del 15 de noviembre de 2018 hasta el 25 de agosto de 2019. En este marco arqueológico único y tan a propósito recorreremos la historia de la dinastía de los Severos, la última familia imperial importante que gobernó el imperio romano durante más de cuarenta años, del 193 al 235 d. C.<br />
<br />
<b><i><span style="color: #990000;">Roma Universalis</span></i> <span style="color: #990000;">se ha articulado entre varios espacios del</span><span style="color: #990000;"> anfiteatro Flavio</span><span style="color: #990000;">, el <span style="color: #990000;"><a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/09/arquitectura-romana-urbanismo-de-la.html" target="_blank">Foro Romano</a></span> y la <span style="color: #990000;"><a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/09/el-palatino-los-palacios-de-los.html" target="_blank">Colina Palatina</a></span>. </span></b><br />
<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHH0Qn6LXXAGjZQw_yNTxnP5YVpagC-IZ8rbOUlt5Ehz7zYpupNE6uJWD3FMmUkI5SiGsySkMkwR7xecRQptv80ZL55HvARSbEwXp0s6r6MCPV84bsEAsC5s9gtxN2sNNGqsTkdBXHKq3z/s1600/cartel+mostra.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="960" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHH0Qn6LXXAGjZQw_yNTxnP5YVpagC-IZ8rbOUlt5Ehz7zYpupNE6uJWD3FMmUkI5SiGsySkMkwR7xecRQptv80ZL55HvARSbEwXp0s6r6MCPV84bsEAsC5s9gtxN2sNNGqsTkdBXHKq3z/s640/cartel+mostra.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
En éste y en un segundo artículo os invito a que conozcáis conmigo y profundicemos en los aspectos artísticos más notables que nos ofrece la exposición, sin descuidar el contexto histórico en el que se produjeron:<br />
<ol>
<li>En este primer artículo, conoceremos la historia de la dinastía y la imagen que de si mismos quisieron trasmitir a sus súbditos y a la historia. Es una excelente ocasión para recorrer la evolución del retrato romano imperial, masculino y femenino, del momento final del Alto Imperio.</li>
<li>Y en un <a href="https://algargosarte.blogspot.com/2018/12/arquitectura-de-la-dinastia-de-los.html" target="_blank">segundo artículo</a>, analizaremos el importante <a href="https://algargosarte.blogspot.com/2018/12/arquitectura-de-la-dinastia-de-los.html" target="_blank">programa constructivo que los Severos impulsaron en Roma y en las provincias</a>. Grandes proyectos cuya finalidad fue demostrar, con un gran esfuerzo económico, que su dinastía y, por ende, Roma todavía era poderosa y, como dice el título de la exposición, universal.</li>
</ol>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b><span style="color: #990000;">Cartel de la exposición.</span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiqjP0UcvZgo0pfvBvEWvu1wBdAN8-mdUEOcz9rGK62j1uDc5ciwVXs3LpyHt0_bbvOY_M_QHsK5g9hxSy_K2-JVLuCbvYqnP-4Gi28A0G0Luos-3i17H1M0XfXUzm4IvcNQLYOeKyQ5u1e/s1600/DrhcFiiX0AAQHlV.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="675" data-original-width="1200" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiqjP0UcvZgo0pfvBvEWvu1wBdAN8-mdUEOcz9rGK62j1uDc5ciwVXs3LpyHt0_bbvOY_M_QHsK5g9hxSy_K2-JVLuCbvYqnP-4Gi28A0G0Luos-3i17H1M0XfXUzm4IvcNQLYOeKyQ5u1e/s640/DrhcFiiX0AAQHlV.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: blue; font-size: large;"><i>La dinastía de los Severos.</i> </span></b><br />
<br />
Comencemos la visita en el deambulatorio anular del segundo piso del Coliseo. En este espacio excepcional se puede conocer la historia y los rostros de los protagonistas de estos 40 años de la Roma Imperial.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Vitrinas con los bustos de los principales protagonistas de la dinastía. Los emperadores, sus hijos y sus mujeres, pero también los que quisieron usurparles alguna vez el trono. En primer plano el gesto soberbio de Caracalla.</span></b><br />
<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj557_nV4FvS45md0bfSj75pCFsVVQQsebwBeV-eLVj7pVq37Pu8li_J_rIKliSdQywY7DwEw31PjblI4avNxLUmOaQEq290XEpPDvMr3Fig-mUHYO4ayq8oWPRdyJOFQgB7IDmlF7grWRF/s1600/213548416-f8c3785e-6339-40c3-83d6-a8e0597f7606.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="902" data-original-width="1600" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj557_nV4FvS45md0bfSj75pCFsVVQQsebwBeV-eLVj7pVq37Pu8li_J_rIKliSdQywY7DwEw31PjblI4avNxLUmOaQEq290XEpPDvMr3Fig-mUHYO4ayq8oWPRdyJOFQgB7IDmlF7grWRF/s640/213548416-f8c3785e-6339-40c3-83d6-a8e0597f7606.jpg" width="640" /></a><br />
<br />
La dinastía de los emperadores Severos es, comparativamente, menos conocida que otras dinastías altoimperiales, por lo que no está de más que en este artículo hagamos muchas precisiones históricas que ayuden a entender su aportación a la evolución histórico-artística de Roma y de muchas partes del Imperio. De partida, ya digo que, pese a su historia violenta y estar en el origen de la decadencia o crisis del siglo III, dejaron un legado duradero en muchos campos de la política, la cultura, la sociedad y las artes.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">En el párrafo inferior, subrayado en amarillo, voy a contar esquemáticamente su historia (apenas unos cuantos hechos que establezcan la cronología) y el complejo sistema de relaciones familiares y de sucesiones. Os sugiero que sigáis su lectura con el esquema </span></b><b><span style="color: #990000;">dinástico que viene debajo p</span></b><b><span style="color: #990000;">ara terminar de entenderlo.</span></b><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<b style="background-color: #fff2cc;"><span style="color: blue;">La historia familiar de estos cuarenta años. </span></b><br />
<b style="background-color: #fff2cc;"><br /></b>
<b style="background-color: #fff2cc;">El </b><b style="background-color: #fff2cc;"> año 193 d. C. </b><b style="background-color: #fff2cc;"><span style="color: blue;">Lucio Septimio Severo (193-211) </span></b><b style="background-color: #fff2cc;">asciende al trono</b><b style="background-color: #fff2cc;"> cuando se impone inicialmente en la guerra civil que se desató en el Imperio tras el asesinato de <span style="color: blue;">Cómodo, </span><span style="color: blue;">último emperador de la familia Antonina</span>. <span style="color: blue;">Severo</span> había nacido en Leptis Magna (ciudad de la costa Libia) y era, por entonces, uno de los generales que defendían las fronteras del Danubio. En realidad,</b><b style="background-color: #fff2cc;"> </b><b style="background-color: #fff2cc;"><span style="color: blue;">Severo</span> </b><b style="background-color: #fff2cc;">no </b><b style="background-color: #fff2cc;">se sintió seguro en el poder </b><b style="background-color: #fff2cc;">hasta que a</b><b style="background-color: #fff2cc;">cabó definitivamente con todos los rivales que le disputaban el trono </b><b style="background-color: #fff2cc;">el año 197</b><b style="background-color: #fff2cc;">.</b><b style="background-color: #fff2cc;"> Fue entonces cuando decidió dar el paso de asociar oficialmente a sus hijos a su reinado, es decir, crear una dinastía. El mayor, <span style="color: blue;">Caracalla</span>, fue nombrado Augusto y el menor, <span style="color: blue;">Geta</span>, le tituló César. Ambos eran hijos de <span style="color: blue;">Julia Domna</span>, esposa de origen sirio (ciudad de Emesa), que tuvo mucho poder bajo el reinado de su esposo y que trajo consigo a Roma a muchos de sus familiares. El reinado de <span style="color: blue;">Severo</span> destacó por la defensa e, incluso, ampliación de las fronteras del imperio, de lo que dejó constancia en numerosos monumentos. A su muerte, el año 211, <span style="color: blue;">Caracalla</span> <span style="color: blue;">(211-217)</span> mató a su hermano para reinar solo. Su gobierno duró sólo seis polémicos años hasta que fue también asesinado. Tras un año de guerras civiles, la dinastía de los <span style="color: blue;">Severos</span> </b><b style="background-color: #fff2cc;">sería restaurada por</b><b style="background-color: #fff2cc;"> el ejército </b><b style="background-color: #fff2cc;">al elevar al trono a<span style="color: blue;"> Heliogábalo</span> <span style="color: blue;">(218-222)</span>, sobrino/nieto de <span style="color: blue;">Caracalla</span> por parte de madre. Este emperador trajo consigo el culto al dios Helios y originó una creciente oposición a su persona. Fue asesinado con solo 18 años de edad y reemplazado por su primo, <span style="color: blue;">Alejandro Severo (222-235)</span>, de tan sólo 13 años. El gobierno quedó, en gran parte, en manos de </b><b style="background-color: #fff2cc;">su abuela (<span style="color: blue;">Julia Maesa, </span><span style="color: blue;">hermana de</span><span style="color: blue;"> Julia Domna</span>) y de su madre (<span style="color: blue;">Julia Mamea</span>),</b><b style="background-color: #fff2cc;"> que se convirtieron en las auténticas gobernantes en la sombra </b><b style="background-color: #fff2cc;">hasta el año 235 en que todos murieron asesinados. </b><b style="background-color: #fff2cc;">Fue el último emperador de la dinastía Severa.</b><br />
<b style="background-color: #fff2cc;"><br /></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1hkwgKBKQaq2hQ-5Fg6JlLFY5ZyhgRMZvYrRGme2ZiJhwM4MtApY71Ycn57gbZxD199wwf4_MM88W-6CvvXPaEUpHNaWaxzwU_BwRYbxbXka4M77wvlT6zFZukX0ktER5NdTZyLpluK4S/s1600/dinast%25C3%25ADa+Severos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="752" data-original-width="782" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1hkwgKBKQaq2hQ-5Fg6JlLFY5ZyhgRMZvYrRGme2ZiJhwM4MtApY71Ycn57gbZxD199wwf4_MM88W-6CvvXPaEUpHNaWaxzwU_BwRYbxbXka4M77wvlT6zFZukX0ktER5NdTZyLpluK4S/s650/dinast%25C3%25ADa+Severos.jpg" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<b><span style="color: blue;"><span style="color: blue;"><br /></span><span style="font-size: large;"><i>La evolución del retrato imperial.</i></span></span></b><br />
<br />
<b><span style="color: blue;">Consideraciones previas.</span></b><br />
<br />
En la exposición hay numerosos bustos y objetos que nos familiarizan con los miembros masculinos y femeninos de esta dinastía. A través de ellos reconocemos sus rostros y perduran en nuestra memoria sus imágenes después de mucho tiempo. <a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/el-retrato-de-julio-cesar-el-retrato.html" target="_blank">Desde el siglo I a. C</a>., <a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/la-escultura-romana-caracteristicas.html" target="_blank">el retrato en Roma</a> ya no cumple sólo la misión de perpetuar la rasgos y la fama de un difunto, sino que, al ser utilizado políticamente por los poderosos, se convierte en una forma muy eficaz de trasmitir los gustos estéticos de una élite y, sobre todo, de difundir entre los ciudadanos creencias religiosas y valores políticos y morales. Además, el retrato de los emperadores a partir de Augusto debía cumplir una función propagandística de la labor de su gobierno y una función de presencia física y espiritual de un solo gobernante que unía regiones tan alejadas del imperio.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Busto de Marco Aurelio del museo Capitolino en las vitrinas de la exposición.</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPb_C2ScvTkSMkxVH5tpuMPg2EPqH8mL4BeUr49oYf8xTnFHgx60oDyfnayRnuFJW1YYstvXLje4izum-L531LU64RTBpqlgc9aZw02PNGuCZpRZNEnRQGrGtAxFtSayf_E20o1Yato_eS/s1600/lps+severo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="660" data-original-width="989" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPb_C2ScvTkSMkxVH5tpuMPg2EPqH8mL4BeUr49oYf8xTnFHgx60oDyfnayRnuFJW1YYstvXLje4izum-L531LU64RTBpqlgc9aZw02PNGuCZpRZNEnRQGrGtAxFtSayf_E20o1Yato_eS/s640/lps+severo.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
Analizaré, por tanto, algunos de los retratos imperiales no sólo desde el punto de vista histórico-artístico, sino también desde lo que supusieron como mensaje que recibía el pueblo sobre lo que debería creer de sus soberanos. Y digo "de lo que debería creer", porque es evidente que éstos pretendían, en aras del buen gobierno, dar la mejor versión de si mismos, lo que, como ya hemos visto por su historia dinástica, no era siempre acorde con la realidad. Así pues, tenemos que el emperador querían transmitir una imagen lo suficientemente realista de sí mismo como para que su pueblo le reconociese por sus rasgos personales (rostro y peinado); pero, a la vez, necesitaba crear una imagen ideal que trasmitiera la confianza en el líder. El modelo ideal de emperador era una mezcla de invicto general, de padre amante de su familia y de ciudadano de comportamiento cabal en lo personal y piadoso en relación a los dioses. Todo a lo que había aspirado el fundador de la institución imperial, <b>Octavio Augusto</b>, y que se había difundido a través de sus miles de representaciones. Lo mismo se podía decir de las emperatrices -y con más motivo para las de la familia severa, que tomaron un protagonismo clave para el sostenimiento y prolongación de la dinastía durante 40 años-, pero asumiendo virtudes y papeles femeninos ideales de maternidad, bondad y modestia. En su caso, el modelo primigenio lo representada<b> Livia</b>, la esposa de <b>Augusto</b>. Si a las perfecciones morales les sumamos los atributos particulares de los dioses, tenemos la imagen del emperador dios que trasciendo del plano terrenal al espiritual.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Octavio Augusto erguido con coraza del Museo Vaticano y la Livia sedente como sacerdotisa del Museo Arqueológico Nacional de Madrid. </span></b><b><span style="color: #990000;">Estas obras y estos dos personajes </span></b><b><span style="color: #990000;">de la primera pareja imperial,</span></b><b><span style="color: #990000;"> son evidentemente el punto de partida del retrato imperial aunque n</span></b><b><span style="color: #990000;">o estén presentes en la muestra. Ellos </span></b><b><span style="color: #990000;">sirvieron para instituir los modelos técnicos y de valores a trasmitir por las dinastas posteriores. </span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipnE1yNzisTdDEAudDJHDcOsM7CqHTvKtf11nei6Ry2rkaLDioPhRfkZijJwAeTykjzHk4Ns5V_nL6tHEl8QnxbStgM4oNUCQSpwZCmKxkfm-efhU-ZIvCUOqzEaSfmoNasuhZUvFTUuxA/s1600/Augusto+y+livia+conjunto.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1078" data-original-width="1319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipnE1yNzisTdDEAudDJHDcOsM7CqHTvKtf11nei6Ry2rkaLDioPhRfkZijJwAeTykjzHk4Ns5V_nL6tHEl8QnxbStgM4oNUCQSpwZCmKxkfm-efhU-ZIvCUOqzEaSfmoNasuhZUvFTUuxA/s645/Augusto+y+livia+conjunto.jpg" /></a></div>
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En la redacción de este artículo me tomaré la licencia de completar la historia de las representaciones más significativas de la etapa con retratos que encontraremos en la exposición y con algunos otros que son muy significativos y que no están en la misma.<br />
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<b><span style="color: blue;">El retrato del emperador Septimio Severo. La imitación de Marco Aurelio.</span></b><br />
<br />
La muestra comienza destacando como imagen de introducción un busto magistral de <b>Marco Aurelio</b>, el último de los grandes emperadores del siglo II. Esto no es superfluo, ya que con ello se nos pone sobre aviso de que los <b>Antoninos</b>, y, en especial este emperador, inspiraron la acción de gobierno y los retratos imperiales masculinos de <b>Septimio Severo</b>. El prestigio del "buen" emperador no se había apagado a pesar de que su muerte se había producido el año 180. Todo lo contrario, el imperio le añoraba después del calamitoso reinado de su hijo <b>Cómodo</b> y de la guerra civil posterior. Por ello, <b>Septimio</b>, el nuevo emperador desde el año 193, quiso asemejarse a él en todos los sentidos y, de paso, basar la legitimidad de su reinado en que restablecería esa edad dorada perdida. Tanto fue su deseo de ser visto como sucesor directo de aquel emperador, que el año 195 creó una genealogía ficticia y se autoproclamó hijo adoptivo de <b>Marco Aurelio </b>e, incluso, rehabilitó la figura de <b>Cómodo</b>, del que se autonombró hermano.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Busto de Marco Aurelio procedente del Museo Capitolino, 161-180 d.C. Mármol, 102 cm. </span></b><b><span style="color: #990000;">La estatua capta los rasgos estilísticos de la estatuario imperial de este periodo. Técnicamente, muestra </span></b><b><span style="color: #990000;">un acabado impecable donde el pulimento táctil de l</span></b><b><span style="color: #990000;">a carn</span></b><b><span style="color: #990000;">e suave contrasta notablemente con la masa de cabello rizado y trepanado, rasgo distintivo del modo del peinado masculino en los retratos de las últimas décadas del periodo Antonino. El valor que se pretende transmitir es, sobre todo, es el de un emperador sensato y bueno con un </span></b><b><span style="color: #990000;">temperamento pensativo, es el modelo de </span></b><b><span style="color: #990000;">emperador-</span></b><b><span style="color: #990000;">filósofo. Los párpados caídos y la mirada distante sugieren esa naturaleza contemplativa. S</span></b><b><span style="color: #990000;">u apariencia serena nos trasmite la idea de que es un hombre sabio y justo. Pero, además, ll</span></b><b><span style="color: #990000;">eva coraza, el distintivo militar de aquel hombre que defendió las fronteras del Imperio frente a sus enemigos exteriores. </span></b><b><span style="color: #990000;"> </span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPqgV8y12Lc6dX8C1iWFoIEPcNPOhbJER0QNwrzLjOIvd6uI2HVNdiuZJP9dr7GnPVLeBFbWWvoiwFvRT6trAFGsJVWoclBn1UtpYoGp5o6RLSmYrQ5oL8xxpYM66gfyZwo2PTN9G0rDam/s1600/Marco+Aurelio+musei-capitolini.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="943" data-original-width="768" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPqgV8y12Lc6dX8C1iWFoIEPcNPOhbJER0QNwrzLjOIvd6uI2HVNdiuZJP9dr7GnPVLeBFbWWvoiwFvRT6trAFGsJVWoclBn1UtpYoGp5o6RLSmYrQ5oL8xxpYM66gfyZwo2PTN9G0rDam/s770/Marco+Aurelio+musei-capitolini.jpg" /></a></div>
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<b><span style="color: #990000;">Busto de Septimio Severo, Glyptoteca de Munich, mármol, 81 cm. Este retrato puede ser ejemplar de lo que Septimio Severo aspiraba a ser considerado, el continuador de la dinastía Antonina y, en concreto, de Marco Aurelio. En éste, como otros retratos, adopta un aire gestual como el emperador-filósofo: la mirada tranquila y melancólica del pensador. Los rasgos físicos: pelo y barbas ensortijadas que le aportan la semejanza con los rasgos físicos del emperador admirado. La coraza militar es casi obligada puesto que está orgulloso de sus éxitos militares y de, a través del ejército, haber restaurado el orden en el imperio.</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1p87_el-UehxICf2pQ1DSIz0BFABffb_EsXVFy5uc0aBkZBB5CynLze0AJEh1uQPn6sX-wx89Qp2J3EMedwb-_Gyi9ajjNhUT-7x5j7yyzZ4_VtdL3smLJVcECDLanQIMDTX9KeS0reIl/s1600/Septimius_Severus_Glyptothek_Munich.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1345" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1p87_el-UehxICf2pQ1DSIz0BFABffb_EsXVFy5uc0aBkZBB5CynLze0AJEh1uQPn6sX-wx89Qp2J3EMedwb-_Gyi9ajjNhUT-7x5j7yyzZ4_VtdL3smLJVcECDLanQIMDTX9KeS0reIl/s750/Septimius_Severus_Glyptothek_Munich.jpg" /></a></div>
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<b><span style="color: #990000;">Marfil del emperador romano Septimio Severo, cerca del 200 d. C., encontrado en las excavaciones del Templo de la Paz cerca del Foro. En esta estatuilla se destaca más su gesto sereno. La vestimenta (toga y paladumentum) y el brazo levantado en actitud de saludo, le relacionan con la estatua ecuestre de Marco Aurelio. Aquí la toga del filósofo predomina sobre el atuendo militar. Es una imagen del emperador como sabio gobernante que dicta las instrucciones del buen gobierno y que escucha complacido la aclamación de su pueblo. </span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjoSc0yDBtyeMBmiFN7yxUNZzFyHoixFDw2KMslrOimuYPawbAtGjDRlxxpdV5eVo1l9bb89jp4r49WoUj9OGDMHtGko7YAGOvPCB-_jOS1QRiXguP82e6OSg0TKG0YfNz8UmrOVgnItLZ9/s1600/Septimius+Severus+c.+200+CE%252C+marfil.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1229" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjoSc0yDBtyeMBmiFN7yxUNZzFyHoixFDw2KMslrOimuYPawbAtGjDRlxxpdV5eVo1l9bb89jp4r49WoUj9OGDMHtGko7YAGOvPCB-_jOS1QRiXguP82e6OSg0TKG0YfNz8UmrOVgnItLZ9/s810/Septimius+Severus+c.+200+CE%252C+marfil.jpg" /></a></div>
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<b><span style="color: #990000;"><a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/el-retrato-ecuestre-romano-la-escultura.html" target="_blank">Estatua ecuestre de Marco Aurelio</a> del museo Capitolino, </span></b><span style="color: #990000;"><b>176 d. C. Bronce, 4,24 metros de altura.</b></span><b><span style="color: #990000;"> Un estudio más detallado de esta obra y del significado del retrato ecuestre imperial <a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/el-retrato-ecuestre-romano-la-escultura.html" target="_blank">en otro artículo de este blog</a>. </span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPuW-2g8gWQqoCYiMY9U2xXkQ5TD51vYdpQLhiOTNGl1UotQ95khFxYLSVAePFNM6S-Nuo8nYm1OIgm_w0STNIRD9YCR4sKI14-zXhIrKoBKmMg63mWgwzCVP08_Oihtprrt0P0wp-wsOs/s1600/M++Aurelio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="945" data-original-width="1127" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPuW-2g8gWQqoCYiMY9U2xXkQ5TD51vYdpQLhiOTNGl1UotQ95khFxYLSVAePFNM6S-Nuo8nYm1OIgm_w0STNIRD9YCR4sKI14-zXhIrKoBKmMg63mWgwzCVP08_Oihtprrt0P0wp-wsOs/s645/M++Aurelio.jpg" /></a></div>
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<b><span style="color: #990000;">Estatua en bronce de Septimio Severo, </span></b><b><span style="color: #990000;">2,08 m de altura. </span></b><b><span style="color: #990000;">Museo de Chipre, Nicosia. Esta excepcional escultura</span></b><b><span style="color: #990000;"> le representa desnudo a la manera heroica o apoteósica</span></b><b><span style="color: #990000;">. Es una de las estatuas que se echan en falta en la exposición no sólo por su gran belleza y sino además porque al emperador se le representa imitando la estatuaria griega clásica de los kouroi con un cuerpo perfecto. El contraposto recuerda al Doríforo de Policleto, pero el canon está más cercano al de Lisipo porque </span></b><span style="color: #990000;"><b>la cabeza es proporcionalmente más pequeña en comparación con el resto del cuerpo.</b></span><b><span style="color: #990000;"> Aparentemente el modelo es insólito, porque se contrasta el cuerpo idealizado con un rostro muy personal de Septimio: cabello rizado, barba abundante y partida sobre el mentón, nariz pequeña y rostro serio. Sin embargo, es la forma de representación de un emperador al que se considera como uno más de los </span></b><span style="color: #990000;"><b>dioses o héroes del panteón</b></span><b><span style="color: #990000;">. La posición de las manos sugiere que una vez sostuvieron algunos objetos que descifrarían como qué Dios quería ser representado. ¿Apolo?¿Marte Víctorioso? ¿Hércules? La estatua fue descubierta por casualidad en 1928 cerca de la aldea de Kythrea en Chipre, desprovista de contexto arqueológico y por ello no se sabe exactamente interpretar el mensaje. Que una obra de tal tamaño y calidad haya sido encontrada en una localidad tan alejada de los centros económicos y de poder nos hace pensar que la imagen y, por ende, el poder del emperador llegaba hasta el último rincón del Imperio. Posiblemente se erigiera en los años en que la familia imperial residió en Siria, en torno al año 200.</span></b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRMrOaHBtyebAjPa3NiWNeI1lFOjMx_1-VnLxt0PgKZaycY34-ZOSsBRSVE2JkYn-EUIybBQg5v54YWF9BWdzO-pW0Twgaa_ltrfGSpYYydo7iieaUItIXZDNW-HhoABDT85aelwE4kC8t/s1600/21Septimio+Severo+desnudo+como+Marte+victorioso.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="749" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRMrOaHBtyebAjPa3NiWNeI1lFOjMx_1-VnLxt0PgKZaycY34-ZOSsBRSVE2JkYn-EUIybBQg5v54YWF9BWdzO-pW0Twgaa_ltrfGSpYYydo7iieaUItIXZDNW-HhoABDT85aelwE4kC8t/s1360/21Septimio+Severo+desnudo+como+Marte+victorioso.jpg" /></a></div>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<b><span style="color: #990000;">Nuestra escultura de Chipre entre otras figuras de Hércules en bronce. A la izquierda, el bronce de Hércules </span></b><b><span style="color: #990000;">encontrado en el foro Boario (2, 45 m altura) </span></b><b><span style="color: #990000;">y hoy en el museo </span></b><b><span style="color: #990000;">Capitolino, y, a la </span></b><b><span style="color: #990000;">derecha, el de las excavaciones </span></b><b><span style="color: #990000;">en el teatro de Pompeyo y hoy en </span></b><b><span style="color: #990000;">el </span></b><b><span style="color: #990000;">Vaticano.</span></b><b><span style="color: #990000;"> Los tres comparten el material, la pose y el tamaño parecidos. Al contemplarlos comparados, me hacen pensar</span></b><b><span style="color: #990000;"> que </span></b><b><span style="color: #990000;">Septimio </span></b><b><span style="color: #990000;">se quiso identificar con Hércules. Mi hipótesis se basa, por un lado, en que se busca resaltar un desnudo de</span></b><b><span style="color: #990000;"> anatomía perfecta que combine fortaleza y belleza</span></b><b><span style="color: #990000;"> y, por otro, la postura adoptada. Le faltaría la clava que perfectamente podría empuñar en la mano derecha como los otros Hércules y las frutas de las Hespérides y tal vez la piel de león de Nemea que portaría en la mano y brazo izquierdo a la manera del Hércules del Vaticano. También hay otra razón para fundamentar mi teoría, la admiración que sentían por este héroe los </span></b><b><span style="color: #990000;">Antoninos, especialmente Cómodo, y el propio hijo de Septimio, Caracalla. Septimio Severo también siente devoción por este semidios al que representa e</span></b><b><span style="color: #990000;">n el arco de triunfo de Leptis Magna, </span></b><b><span style="color: #990000;">entre otros</span></b><b><span style="color: #990000;"> dioses, asistiendo a la coronación del triunfo del emperador.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPmaTMe9SS0R8t8f7ehnYByB10UTg0dsRSp1GZCo8SUhLI8xXchlmW1UnZothhXjdIUYYiix7KlcM6HKxI60XgI5l3ltwsMWnLjPoa-ZyiCrwRrBOVc1OmBIzjAurjbTysFNBIB09VEpwH/s1600/severo+heroico+de+chipre+junto+a+hercules+bronce.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="897" data-original-width="1361" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPmaTMe9SS0R8t8f7ehnYByB10UTg0dsRSp1GZCo8SUhLI8xXchlmW1UnZothhXjdIUYYiix7KlcM6HKxI60XgI5l3ltwsMWnLjPoa-ZyiCrwRrBOVc1OmBIzjAurjbTysFNBIB09VEpwH/s645/severo+heroico+de+chipre+junto+a+hercules+bronce.jpg" /></a></div>
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<b><span style="color: #990000;">La escultura en bronce de Chipre tiene similitudes con otra obra que falta en la exposición, la encontrada en 1643 en el Janículo de Roma, durante los trabajos de fortificación realizados por el Papa Urbano VIII. La obra actualmente se conserva en el Museo del Cincuentenario de Bruselas, tal vez ha sido despreciada porque fue muy restaurada y transformada en el siglo XVII. Le faltaba el brazo y la cabeza que Paolo Naldini reconstruyó, añadiéndole la cabeza del emperador Septimio Severo, por lo que puede representar a este emperador o a cualquiera entre el siglo I y el III. La estatua mide 2,15 metros. </span></b><span style="color: #990000;"><b>Sabemos que fue un emperador por</b></span><span style="color: #990000;"><b> </b></span><b style="color: #990000;">el gesto tradicional del orador y por las sandalias realistas que conserva. Posiblemente </b><b style="color: #990000;">tenía un cetro en la mano izquierda y pedía la palabra con la mano derecha. La ejecución es era de gran calidad.</b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8lrKhi4y1aBplaxqJglp2Led_re-l2cCeke00meYim3Mjw2x7XN03YXl0bzVa3cuyzagRq05TwuUuVN1XWXkY1Y0f4F7iuSyvDlZPHYjknpVB0LkqQrhgarO-eMq_TS-J14FlFa14J-HT/s1600/septimius-severus+Art+%2526+History+Museum+Brussels.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="796" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8lrKhi4y1aBplaxqJglp2Led_re-l2cCeke00meYim3Mjw2x7XN03YXl0bzVa3cuyzagRq05TwuUuVN1XWXkY1Y0f4F7iuSyvDlZPHYjknpVB0LkqQrhgarO-eMq_TS-J14FlFa14J-HT/s1270/septimius-severus+Art+%2526+History+Museum+Brussels.jpg" /></a></div>
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<b><span style="color: blue;">El retrato de la emperatriz.</span></b><br />
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Si <b>Marco Aurelio </b>es el referente iconográfico del retrato de los Severos, la esposa de aquel, <b>Faustina la Menor</b>, lo será del modelo a imitar entre las mujeres de la nueva dinastía. Si <b>Severo</b> se convertía en un nuevo <b>Marco Aurelio</b>, su mujer <b>Julia Domna</b> pasaría a ser la nueva <b>Faustina la Menor</b>: una mujer generosa, leal, fiel y fecunda. Estas virtudes son las que se intentan potenciar a través de su imagen puesto que aportan estabilidad a la dinastía.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Retrato de Faustina la Menor </span></b><b style="color: #990000;">(130–175 dC)</b><b><span style="color: #990000;">, hija de Antonino Pío, esposa de Marco Aurelio y madre de Cómodo.</span></b><span style="color: #990000;"><b> Realizado entre el </b></span><b style="color: #990000;">180 y el 190 d. C. </b><b style="color: #990000;">Mármol, 50 cms. Procede de excavaciones en Gabii y hoy se encuentra en el Museo del Louvre, París. L</b><span style="color: #990000;"><b>a emperatriz es representada como una mujer de unos treinta años, con rostro ovalado y barbilla puntiaguda. Lo más característico de su rostro son sus ojos saltones, </b></span><b style="color: #990000;">fusionándose con sus gráciles cejas arqueadas</b><span style="color: #990000;"><b> y su nariz delgada. </b></span><b style="color: #990000;">Luce su cabello con amplias ondas que, partiendo de la sien, se anudaban discretamente en la nuca llegando a cubrir totalmente las orejas y la parte posterior de la cabeza</b><span style="color: #990000;"><b>. Es un peinado que resucita los retratos de Livia, la mujer de Augusto. Y como ella, </b></span><span style="color: #990000;"><b>Faustina reivindicó unos ideales y virtudes femeninas y un puesto especial en el poder. Fue muy querida por los soldados romanos, ya que acompañó a su esposo en varias campañas militares, por ello le otorgaron el título de Mater Castrorum. A su muerte el año 175 fue deificada por su amante esposo. La literatura contemporánea, sin embargo, fue menos amable con ella, que la tachó de asesina, intrigante y adúltera. Marco Aurelio la defendió siempre contra estas afirmaciones.</b></span><br />
<span style="color: #990000;"><b><br /></b></span>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOaHCiqCezKSz5yKzNgBPs6FcKajbwe-nGcpeNcgvt7dbTsL9tyxxUGKSeKEXIz13jTHBddXTOSiSTZ7I5w5Fh6bubL2S16OUAkC0Y-8YVvuMQ48KlNRumP_4OJko9JWmNIAvOpWnyTp4O/s1600/Faustine+la+menor+esposa+de+marco+aure3lio.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1417" data-original-width="1191" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOaHCiqCezKSz5yKzNgBPs6FcKajbwe-nGcpeNcgvt7dbTsL9tyxxUGKSeKEXIz13jTHBddXTOSiSTZ7I5w5Fh6bubL2S16OUAkC0Y-8YVvuMQ48KlNRumP_4OJko9JWmNIAvOpWnyTp4O/s765/Faustine+la+menor+esposa+de+marco+aure3lio.JPG" /></a></div>
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<b>Julia Domna</b> era natural de Emesa (la actual Homs, Siria), hija de <b>Julio Basiano</b> (sumo sacerdote de la divinidad solar siria Baal en Emesa) y hermana de <b>Julia Mesa</b> (abuela carnal de los futuros emperadores <b>Heliogábalo</b> y <b>Alejandro Severo</b>). Del matrimonio con el ambicioso <b>Lucio Septimio Severo</b> nacieron dos varones, <b>Lucio Septimio Basiano</b>, conocido desde 195 como <b>Marco Aurelio Antonino Caracalla</b>, y <b>Publio Septimio Geta</b>. En 193, año en que <b>Septimio Severo</b> fue proclamado emperador, <b>Julia Domna</b> obtuvo asimismo el título de Augusta. La constante presencia junto a su marido durante las expediciones militares hizo que se le concediera, como a <b>Faustina la Menor</b>, el título de <i>mater castrorum</i>.<b> Julia Domna</b> ejerció, desde el inicio, una fuerte influencia sobre las decisiones de su marido, llegando a tener parte activa en la administración del imperio. Su presencia fue vital como representante de las aristocracias del este en la Corte, favoreciendo la lealtad de los lugares visitados, especialmente en Oriente, tras la victoria de <b>Septimio Severo</b> en el año 198 contra el reino parto. Durante varios años el emperador y su familia permanecieron en la parte oriental del Imperio para organizar la administración del territorio. Desde Laodicea (Siria) viajaron a finales del año 200 a Egipto y a comienzos del 201 d.C. regresaron a Siria. Desde allí retomaron el camino de Roma, cruzando Asia Menor y atravesando las provincias de Tracia, Moesia y Panonia. En los primeros meses del 202, la familia imperial llegó a la capital del imperio donde celebrarían al año siguiente los diez años de gobierno del emperador o <i>Decennalia</i>. Sin embargo, poco tiempo pasó la familia en Roma puesto que al finalizar el 203 partieron para seguir visitando el imperio. Esta vez el destino fue África: las provincias de Numidia, Mauritania y Tripolitania, con la consiguiente parada en su ciudad natal, Leptis Magna.<br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<b><span style="color: #990000;">Retrato de Julia Domna (tipo "Gabii"), </span></b><b><span style="color: #990000;">193-210 d. C</span></b><b><span style="color: #990000;">. Mármol Lunense, 25.5 cm Roma, Museo Nacional Romano, Palazzo Massimo alle Terme, inv. 66058. </span></b><b><span style="color: #990000;">La mujer de Septimio Severo lleva un peinado en grandes bucles y recogido por detrás, semejante a su modelo a seguir, Faustina la Menor. </span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsu3XeeTWa0ialr4wsha8VqPH-1pEKaUEn1EGlCj0al2SGxZY9f5UGpiTNSC8rQgXaxU24FKIMUElusl5QIwSJ9LWTVzYdSgMP1_x7_JbzdvP76PEgYGaHrOnori6qikY0QEm9YlOTryjw/s1600/ritratto+di+julia+domnica.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="402" data-original-width="667" height="384" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsu3XeeTWa0ialr4wsha8VqPH-1pEKaUEn1EGlCj0al2SGxZY9f5UGpiTNSC8rQgXaxU24FKIMUElusl5QIwSJ9LWTVzYdSgMP1_x7_JbzdvP76PEgYGaHrOnori6qikY0QEm9YlOTryjw/s640/ritratto+di+julia+domnica.jpg" width="640" /></a><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span>
Julia Domna</b> adquirió un protagonismo en el plano religioso sin precedentes hasta entonces entre las mujeres de la casa imperial, hecho que quedó inmortalizado en varias representaciones artísticas. Julia se encargó de presidir los ritos religiosos de las diosas femeninas. Además, a la emperatriz se le asimiló con distintas virtudes (fecundidad, alegría, castidad y modestia) y de ahí sólo había un paso a su representación caracterizada como las diosas femeninas en monedas, <a href="http://algargosarte.blogspot.com/2015/07/camafeos-romanos-la-gema-augustea-de.html" target="_blank">camafeos</a> y esculturas.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">La imagen de Julia Domna fue tan popular como la del emperador Septimio Severo. Existen numerosos retratos de ella, desde monumentales a pequeños objetos decorativos, encontrados a lo largo de muchas ciudades del imperio. Las <a href="http://revistas.uned.es/index.php/ETFII/article/view/18852/17094" target="_blank">emisiones monetarias </a>con su rostro y asumiendo funciones religiosas son muchísimas, tanto en el reinado de su marido como en las de sus hijos.</span></b><br />
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<br />
A <b>Julia Domna</b> se la representó como: <i>Venus Genetrix</i> o diosa de la maternidad –de los futuros emperadores– y de la vida doméstica y <i>Venus Felix</i>, como propiciadora de la buena suerte; <i>Juno Regina</i>, reina de los dioses, del matrimonio y de la maternidad, de la madre de la familia y por extensión «madre del Estado»; <i>Vesta</i>, diosa del hogar, de la vida familiar, la fidelidad, y protectora de los destinos del Estado; <i>Diana Lucifera</i> o «portadora de Luz», protectora de la maternidad y del parto; <i>Cibeles</i>, Diosa-madre, asociada con la fertilidad, con la naturaleza salvaje –simbolizada por los leones que la acompañan– y con la protección de su pueblo durante la guerra; y <i>Ceres</i>, diosa tierra-madre, protectora del matrimonio y relacionada con la fertilidad vegetal y con la maternidad.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Retrato de Julia Domna como sacerdotisa de un culto femenino, posiblemente Diana Lucifera. Mármol, Museo del Louvre. Julia porta en una mano un platillo de libaciones y en la otra posiblemente una antorcha. Cubre su cabeza con el paño de su túnica en correspondencia con el acto sagrado que preside, sin embargo, deja ver su característico peinado a bucles.</span></b><br />
<span style="color: #990000;"><b><br /></b></span>
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<span style="color: #990000;"><b><br /></b></span>
Durante el reinado de <b>Caracalla</b> (211–217), el descuido de este emperador por los asuntos estatales permitió una activa participación de <b>Julia Domna</b> en la gestión de los asuntos concernientes al Estado. Su "titulatura" siguió aumentando: <i>Mater Augusti/imperatoris et castrorum et senatus et patriae</i> y poco después <i>et populi Romani y Pia Felix</i>. <b>Julia</b> acompañó a <b>Caracalla </b>en la campaña contra el Imperio parto de 217, durante la cual el emperador fue asesinado y sucedido brevemente por <b>Macrino</b>. <b>Julia</b>, luego de recibir la noticia y ya enferma, se suicidó en la ciudad de Antioquía, pues sabía que el usurpador no podría dejar que sobreviviera una mujer que había estado asociada al más alto poder dinástico durante más de veinticinco años.<br />
<br />
<span style="color: #990000;"><b>Retrato de Julia Domna con diadema alta, 193-210 d.C. Mármol. 31.5 cm. Kunsthistorisches Museum Vienna.</b></span><br />
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<br /></div>
<b><span style="color: blue;">El retrato de la familia de Septimio Severo y Julia Domna.</span></b><br />
<b><span style="color: blue;"><br /></span>
Septimio Severo</b> siempre tuvo presente a sus dos hijos y a su mujer. A sus hijos los asoció al poder pese a su juventud y los hizo copartícipes de sus actos y de sus victorias militares. Numerosos relieves conmemorativos nos los enseñan compartiendo el poder (ver próximo artículo). En bulto redondo, hubiese sido muy interesante conocer la escultura en bronce que coronaba el arco de <b>Septimio</b> en el foro romano, donde el emperador se hacía rodear de sus hijos en la cuádriga trunfante.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Pierre Mortier. Grabado con la reconstrucción del Arco de Septimio Severo, 1704. Papel, 47 x 59 cm. Extraído de la obra "Nouveau Theatre d'Italie". Interesante representación de la cuádriga y de la escena a la que acompañaban más soldados y una victoria. Esta versión se basa en las evidencias monetarias que representaron el monumento durante el reinado de Septimio Severo.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
La representación de la familia fue frecuente en las emisiones monetarias en las que además del mensaje de glorificación del emperador se presentaba a la consorte y a los herederos, asociados a mensajes de deseo para todo el imperio de felicidad y eternidad.<br />
<br />
<span style="color: #990000;"><b><u>Moneda superior.</u> Aureus de Septimio Severo de 202, 7.11 g. En el anverso aparece el busto laureado de Septimio Severo y una leyenda que dice así: SEVERVS PIVS - AVG PM TR PX. En el reverso en el centro Julia Domna que enfrenta de perfil a Caracalla (laureado) y a Geta y con una leyenda que dice FELICITAS / SAECVLI. </b></span><br />
<span style="color: #990000;"><b><u>Moneda inferior.</u> </b></span><span style="color: #990000;"><b>Aureus de Julia Domna, esposa de Septimio Severo, 201, 6.95 g. </b></span><b style="color: #990000;">En el anverso aparece el busto de perfil de Julia Domna</b><span style="color: #990000;"><b> </b></span><b style="color: #990000;">y una leyenda que dice así: JULIA</b><b style="color: #990000;">- AVGVSTA. </b><b style="color: #990000;">En el reverso aparecen confrontados </b><b style="color: #990000;">Caracalla </b><b style="color: #990000;">y Geta con una leyenda que dice</b><b style="color: #990000;"> AETERNIT IMPERI. </b><br />
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<span style="font-weight: bold;"><br /></span>
Sobrevive milagrosamente del reinado de <b>Septimio Severo</b> una excepcional tabla de madera pintada en encáustica con la imagen de un retrato imperial. Se sabe que era la pintura el método más común para reproducir en serie la imagen de los soberanos y repartirla por todo el imperio. Su bajo coste y realización rápida permitía que los cuadros se exhibiesen en oficinas y edificios públicos como parte del procedimiento legal romano de que algunos documentos tenían que ser firmados frente a una imagen del Emperador. Como la madera es un material orgánico y normalmente no sobrevive, el <b><span style="color: #990000;">Tondo de Berlín</span></b> sigue siendo, hasta el momento, el único ejemplar sobreviviente de este tipo de pintura. Representa a la familia del emperador aparentemente muy bien avenida.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Retrato de la familia de Septimius Severus, hacia el 200 d. C. Museo Altes, Berlín. Temple sobre tondo de tabla, 30,5 cm. </span></b><span style="color: #990000;"><b>Representa a la familia imperial de </b></span><b style="color: #990000;">Septimio Severo</b><span style="color: #990000;"><b> vistiendo suntuosas prendas ceremoniales. Septimio Severo y sus hijos también sostienen cetros y llevan coronas de oro decoradas con piedras preciosas. Esta imagen de un Severo de pelo gris, con su esposa e hijos pequeños, enfatiza las ambiciones dinásticas del nuevo emperador. El tono de piel más oscuro del Emperador refleja sus orígenes libios. Julian Domna aparece sonriente y con su peinado distintivo en ondas paralelas. Los hijos: </b></span><b style="color: #990000;">Geta tiene la cara borrada </b><span style="color: #990000;"><b>en un acto deliberado de iconoclasia ocurrido después de ser asesinado por su hermano Caracalla y aplicar en todas las representaciones en que apareciese Geta la <i>damnatio memoriae</i>. </b></span><b><span style="color: #990000;">El tondo parece ser de origen egipcio, utilizando materiales y estilo similares a los retratos de las momias de El Fayum. </span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWPNrGYV8W4_krsMVnlzQwDDX5aw960gswbtrK9ocdVSVbwYPt4GhCAOK6USXBJLAfOkf7_gvOojbVkzsukUBzsxeo3LCxUjPRP_CT_Dyk8VM5EYHzfHw3xgUm9r_YDr9UsnO18iJ6lhcr/s1600/800px-Portrait_of_family_of_Septimius_Severus_-_Altes_Museum_-_Berlin_-_Germany_2017.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1019" data-original-width="1009" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWPNrGYV8W4_krsMVnlzQwDDX5aw960gswbtrK9ocdVSVbwYPt4GhCAOK6USXBJLAfOkf7_gvOojbVkzsukUBzsxeo3LCxUjPRP_CT_Dyk8VM5EYHzfHw3xgUm9r_YDr9UsnO18iJ6lhcr/s650/800px-Portrait_of_family_of_Septimius_Severus_-_Altes_Museum_-_Berlin_-_Germany_2017.jpg" /></a></div>
<span style="color: blue;"><b><br /></b></span>
<span style="color: blue;"><b>Los hijos de Septimio Severo: </b></span><b style="color: blue;">Geta</b><span style="color: blue;"><b> y </b></span><b style="color: blue;">Caracalla</b><b style="color: blue;">.</b><br />
<span style="color: #990000;"><b><br /></b></span>
<b>Septimio Severo</b> era consciente de la pugna por el poder entre los dos hermanos y sus aspiraciones por llegar en solitario al trono. Durante años intentó conseguir la concordia entre ambos porque veía peligrar la integridad y armonía familiar, pero no obtuvo finalmente los resultado esperados. Su muerte en febrero del año 211 en Britania hizo protagonista a <b>Julia Domna</b> en el papel de apaciguadora entre los dos hermanos que pasaron a ser coemperadores. Ambos contaban con sus propios partidarios incondicionales que apoyaban sus acciones y proyectos. Sin embargo, las tensiones y peleas seguirán y, ya en Roma, <b>Caracalla</b> urdió en diciembre de 212 una trama para deshacerse de su hermano. <b>Geta</b> murió cruelmente en presencia de su madre, la cual incrédula presenció el homicidio de su hijo por medio de la guardia pretoriana. A continuación, <b>Caracalla</b> persiguió y ejecutó a los partidarios de <b>Geta</b> (se dice que pudieron ser 20.000 los ajusticiados) y ordenó un <i>damnatio memoriae </i>contra su hermano. <b>Caracalla </b>se vio en la obligación de recompensar a los soldados que le habían procurado el poder en solitario. Evidentemente siguió el consejo paterno de mantener el apoyo fiel de los soldados.<br />
<span style="color: #990000;"><b><br /></b></span>
<span style="color: #990000;"><b>Geta tenía 23 años cuando fue asesinado por los asesinos de Caracalla a fines del 211 d.C.</b></span><br />
<span style="color: #990000;"><b>Las imágenes de Geta y su hermano mayor Caracalla no pueden distinguirse bien hasta la muerte del padre. Se suponía que ambos hijos debían ser presentados como herederos igualmente adecuados del trono, mostrando así más "profundidad" a la dinastía.</b></span><b style="color: #990000;"> Muy pocos retratos de mármol atribuibles a Geta sobreviven hasta la fecha, debido a la <i>damnatio memoriae</i> que decretó su hermano Caracalla y que trajo consigo la destrucción de sus inscripciones e imágenes. Este de aquí abajo, transformado en el siglo XVII y que se conserva en el museo del Prado, puede ser uno de los supervivientes</b><br />
<span style="color: #990000;"><b><br /></b></span>
<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSQ_KhVfqRoIpA9GRZZgP-jJKZYCS7bZquPbbVs5ss-xJtdmqjIGIzk7ouivIG7oR9gKTStBHKSrDdbWvj24YdePFdgfjT5St-zAadymw8YwpUs0quIDNQcV1Zzp8Zfh2oecgVQ66YUsRe/s1600/Geta.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="592" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSQ_KhVfqRoIpA9GRZZgP-jJKZYCS7bZquPbbVs5ss-xJtdmqjIGIzk7ouivIG7oR9gKTStBHKSrDdbWvj24YdePFdgfjT5St-zAadymw8YwpUs0quIDNQcV1Zzp8Zfh2oecgVQ66YUsRe/s1600/Geta.jpg" /></a></div>
<div>
<br /></div>
Desde el comienzo del reinado, <b>Caracalla</b> quiso marcar distancias con el modelo de retrato Antonino-Severo. Los retratos del nuevo emperador incorporan novedades técnicas y estilísticas. Técnicamente, destaca la no utilización del trépano para la labra del pelo y de la barba, realizándose entalladuras para resaltar los rizos, recurso que utilizarán muchos escultoress durante el resto del siglo III. Estilísticamente, lo más destacado que aportan es la expresividad de la cara. El artista rompe con el idealismo y serenidad imperante en las rostros de los emperadores anteriores y, en su lugar, se cargan de agresividad al fruncir el ceño y acentuar una mirada amenazadora. Se argumenta que <b>Caracalla</b> quiso con este gesto mostrar autoridad y hacerse temible frente a sus enemigos externos y frente a sus soldados. El hecho de haber pasado cierto tiempo en Alejandría y de haber visto las representaciones de <b>Alejandro Magno</b> también debió de influir en la decisión de cambio en el retrato hacia un modelo mucho más expresivo e individual.<br />
<span style="color: #990000;"><b><br /></b></span>
<span style="color: #990000;"><b>Retrato de Caracalla, 212-17 a. C. </b></span><span style="color: #990000;"><b>Busto con paludamentum que procede de las termas de Caracalla. Mármol, </b></span><b style="color: #990000;">65</b><b style="color: #990000;"> cm</b><b style="color: #990000;">.</b><span style="color: #990000;"><b> Museo Arqueológico Nacional de </b></span><b style="color: #990000;">Nápoles.</b><span style="color: #990000;"><b> </b></span><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilaCqDp_EDRfcYhyRkevYNELoOtBbXkjBiS__gtKh9LorDZHQFS8VY3CnZzQZdtyYS2tvdiO_UTLOetOMXwvypfmb74s7y-Y2Q2Lx1CosFddSkII0T2CwUmc63Oxk1YVS_46masc3arW7h/s1600/Caracalla+Ba%25C3%25B1os+de+Caracalla.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1069" data-original-width="768" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilaCqDp_EDRfcYhyRkevYNELoOtBbXkjBiS__gtKh9LorDZHQFS8VY3CnZzQZdtyYS2tvdiO_UTLOetOMXwvypfmb74s7y-Y2Q2Lx1CosFddSkII0T2CwUmc63Oxk1YVS_46masc3arW7h/s870/Caracalla+Ba%25C3%25B1os+de+Caracalla.jpg" /></a></div>
<br />
<b style="color: #990000;">Retrato en mármol de Caracalla en el Museo Metropolitano de Nueva York, 36 cms. No se conoce su origen arqueológico. Atrás queda la serenidad de Marco Aurelio y Septimio Severo. El retrato muestra la agresividad física de la que estaba dotado el controvertido emperador. La expresión dura y amenazadora que muestra su rostro nos permite hacernos una idea del temor que causó Caracalla a sus adversarios. Creyó ser la reencarnación de Alejandro Magno y de ahí la pose torsionando su cabeza, tal y como aparecía Alejandro en los retratos. En este busto el pelo y la barba están aún más recortados, al estilo militar.</b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLSaKaBYslueJ93KXd6fMQTvR3Pd9AjOD9SLfyRnGSrytIstb0Bqkm359c48QOlpwBFCKaO5Uo4JluwVUe1yjPsbmibHOpqK4NFJLT2vHHADWkCp7Sg0n6_VeYNRJIt3NV3NN-4JzxYbqa/s1600/caracalla+met+212.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1065" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLSaKaBYslueJ93KXd6fMQTvR3Pd9AjOD9SLfyRnGSrytIstb0Bqkm359c48QOlpwBFCKaO5Uo4JluwVUe1yjPsbmibHOpqK4NFJLT2vHHADWkCp7Sg0n6_VeYNRJIt3NV3NN-4JzxYbqa/s950/caracalla+met+212.jpg" /></a></div>
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La figura del emperador que esbozan las fuentes antiguas es la de un hombre preocupado por su tarea de soldado y la del tirano cruel. En 213, aproximadamente un año después de la muerte de <b>Geta,</b> <b>Caracalla</b> salió de Roma junto con su madre para no volver jamás. Primero, se dirigió al norte hacia la frontera alemana para derrotar con éxito a algunas de las tribus germánicas. Después, comenzó a obsesionar con <b>Alejandro Magno </b>y planeó seguir sus pasos que incluían su propia invasión del imperio persa. Visitó los lugares donde tuvieron lugar las batallas y hechos más importantes del rey macedonio, Gránico, Gordino, Isos, Tiro y Sidón llegando a Egipto el año 215, para ver en Alejandría la tumba del rey. Estando allí se enteró de que en la ciudad se había estrenado una sátira que tenía como tema el asesinato que cometió de su hermano <b>Geta</b>. <b>Caracalla</b> respondió a este insulto masacrando a la delegación de los principales ciudadanos que se habían reunido para saludarle a su llegada y luego dejó que sus tropas saquearan la ciudad. La campaña contra los partos comenzó en la primavera del 216. Sus actos eran cada vez más violentos e impredecibles, incluso con los más cercanos, lo que determinó a éstos a conspirar para eliminarle. La conjura tuvo éxito, <b>Marco Aurelio Antonino Caracalla</b> fue asesinado en abril del año 217 cerca de la ciudad de Edessa. Tres días después, uno de los conspiradores y prefecto de la guardia pretoriana, <b>Macrino, </b>se declaró emperador con el apoyo del ejército. <b>Julia Domna</b>, la madre del emperador se suicidó en Antioquía antes de que <b>Macrino</b> tomara una decisión con respecto a qué hacer con ella.<br />
<div>
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<b><span style="color: #990000;">La siguiente estatua de Caracalla no está en la exposición, pero es muy interesante. Fue </span></b><b><span style="color: #990000;">encontrada </span></b><b><span style="color: #990000;">el año 2014 entre otras de dioses en </span></b><b><span style="color: #990000;">el ninfeo de la ciudad de Perga </span></b><b><span style="color: #990000;">en Panfilia</span></b><b><span style="color: #990000;"> (Turquía).</span></b><b><span style="color: #990000;"> La estatua es de mármol y mide 2,20 metros de altura. Actualmente se encuentra en el </span></b><span style="color: #990000;"><b>Museo de Antalya. </b></span><b><span style="color: #990000;">Esta excepcional estatua representa al emperador toracato en actitud victorioso. El relieve de una medusa en su pecho es inequívoca sobre su inspiración en su héroe Alejandro Magno,</span></b><span style="color: #990000;"><b> aunque es típica de los retratos reales según los cánones del arte griego establecidos desde el siglo IV a. C. </b></span><b><span style="color: #990000;"> En su cabeza porta una Corona Cívica (corona de hojas de roble), distinción militar que nunca había aparecido en ninguna de las estatuas conocidas de Caracalla y que se otorgaba a aquel realizaba una acción heroica en batalla. Además porta en una de sus manos restos de una espada y en la otra posiblemente el astil de un lábaro o estandarte. En la esquina inferior derecha encontramos la figura en tamaño pequeño de un soldado parto, por lo que se puede concluir que conmemoraría su victoria futura sobre los partos. Se da la circunstancia de que Caracalla fue asesinado durante su campaña a Partia el año 217, por lo que puede ser uno de sus últimos retratos.</span></b></div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqq2WoLijUoDkLXV0R89-sKz384U-NWtuqTe4RkynlZ6oVoqWWPg7O1zSAmftNTG0zOr7V1w28bG6r3Y8m_gWGh7mUXn40Z0fjWZbK-UsCdCt-U6oZIHWusNE4otF5mpU1JNesCwzRvO83/s1600/20+Caracalla+toracato+ninfeo+de++Prga+turquia+220.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="924" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqq2WoLijUoDkLXV0R89-sKz384U-NWtuqTe4RkynlZ6oVoqWWPg7O1zSAmftNTG0zOr7V1w28bG6r3Y8m_gWGh7mUXn40Z0fjWZbK-UsCdCt-U6oZIHWusNE4otF5mpU1JNesCwzRvO83/s1100/20+Caracalla+toracato+ninfeo+de++Prga+turquia+220.jpg" /></a></div>
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<b><span style="color: #990000;">Detalle del busto. El gesto terrible es una característica personal y del mensaje que quiere transmitir este emperador. La ciudad de Perge debió estar ligada, como muchas ciudades orientales a la familia imperial por medio de la clientela de la emperatriz Julia Domna, natural de esta zona y que pudo ser la que impulsó la acción administrativa y de gobierno de difundir la imagen del nuevo emperador en estas provincias, como ya la hizo con su marido.</span></b></div>
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<span style="color: #990000;"><b><br /></b></span>
<span style="color: #990000;"><b>Detalle del mosaico </b></span><span style="color: #990000;"><b>que representa a Alejandro en la batalla de Issos. C</b></span><b style="color: #990000;">opia romana (ca. I a. C.) de una pintura helenística (ca. 325 a. C.) hallada en la Casa del Fauno, en Pompeya. Alejandro carga contra el emperador parto Darío III Codomano. En su pecho se haya pintada la medusa. Mide 272 cm × 513 cm. Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, Italia.</b><br />
<b style="color: #990000;"><br /></b>
<br />
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<br />
<b><span style="color: blue;">El regreso de la dinastía de los Severos. </span></b><b><span style="color: blue;">Los jóvenes emperadores.</span></b><br />
<br />
<b>Macrino</b> (217-18) fue emperador romano poco más de un año, pero nunca tuvo la oportunidad de regresar a Roma. Las políticas de su predecesor habían dejado las arcas de Roma vacías y el imperio seguía en guerra con Partia, Armenia y Dacia y no podía hacer frente a los pagos de las tropas. Parte del ejército se dejó tentar por el dinero que les ofreció la tía del asesinado <b>Caracalla</b>, <b>Julia Maesa</b>, para instigar una rebelión que reconociese a su nieto de catorce años <b>Heliogábalo</b> como emperador. <b>Macrino</b> fue derrotado en Antioquía en junio de 218 y <b>Heliogábalo</b> se proclamó emperador. El Senado declaró a <b>Macrino</b> enemigo de Roma e hizo que su nombre fuera eliminado de los registros y sus imágenes destruidas.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Uno de los pocos bustos de Macrino. Su rostro busca entroncar con la legitimidad Antonina y de Severo. Su barba larga a lo Septimio Severo y la mirada soñadora indican que quiso reforzar la idea de continuidad con el pasado tras el corto reinado de Caracalla. Museos Capitolinos.</span></b><br />
<br />
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<br />
<b>Julia Maesa</b> era una mujer tan ambiciosa y astuta como su hermana, la Augusta divinizada <b>Julia Domna. </b>Su sed de venganza y de poder le hicieron concebir un plan para que fuera de nuevo aceptada la dinastía Severa a través de sus hijas, <b>Julia Soemias</b> y <b>Julia Mamea</b>, así como de los hijos de éstas, <b>Heliogábalo</b> y <b>Alejandro Severo </b>respectivamente. Inventó que <b>Heliogábalo</b> era fruto de la relación adúltera entre su hija <b>Julia Soemias</b> y su sobrino, el difunto <b>Caracalla</b>, y que en consecuencia, aquel era el legítimo sucesor del emperador. Durante más de dos décadas siguió moldeando la política del Imperio, siendo el poder real y la urdidora de las intrigas durante el reinado de sus nietos <b>Heliogábalo</b> y <b>Alejandro Severo</b> hasta su muerte en 226.<br />
<br />
<span style="color: #990000;"><b>Retrato de una matrona romana, posiblemente Julia Maesa. Caliza, 82 cm. Proviene de Bambyce-Hierápolis (Manbij), Siria, siglo III A.D., una localidad cercana a la de su nacimiento en Emesa, ahora en el Museo de Arqueología y Antropología de la Universidad de Pennsylvania. </b></span><b><span style="color: #990000;">La austeridad del retrato es a la vez simbólica de su carácter fuerte y representativa de la manera poco halagüeña y realista en que se retrataron las mujeres imperiales del siglo III. El velo sobre la cabeza le dota de respetabilidad y de acto sagrado.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<br />
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<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<b><span style="color: #990000;">Denario de Julia Maesa del año 226. Aparece deificada como Juno.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<br />
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<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<br />
En el período de los Severos serán elevados al poder como herederos y como emperadores varios niños. Ya vimos el caso de <b>Geta</b> y <b>Caracalla </b>y, años después, <b>Heliogábalo</b> es proclamado emperador por el ejército en el 218 con catorce año. Su primo <b>Alejandro Severo</b> será su César a la edad de doce años en el año 221 y le sucederá como Augusto un año después. El retrato de niños y adolescentes presentaba muchos problemas al escultor de retratos de cualquier época del Imperio romano. El artista debía crear una imagen reconocible del joven gobernante, lo cual se hacía difícil porque la mayoría de los rasgos que pueden utilizarse para dar identidad y personalidad al individuo todavía no se habían desarrollado. Además, estos retratos, como eran del jefe del estado, requerían dignidad y en un niño era difícil de representarla a no ser que se impostara una mirada de seriedad precoz, sin importar si tal expresión era fiel al carácter del niño.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Retrato de Geta niño (tipo de "sucesión") De la colección Bevilacqua, mármol blanco de Verona; alt. cm 26 198-204 d.C. Munich, Staatliche Antikensammlungen und Glyptothek. Mirada soñadora a lo antonino.</span></b><br />
<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPcHW8BU87wwiE7B_tI0fWSn5_cpOZ6vsd0mjG_QWqA9R0_O-E0fSYS96XycE44scN0gmJ15vO8cY7v58D8BFAjIchmOObcaFR27Meq4FKs3BJ2iiVthNZNNiigDX77D2xTkAoIbc2j_Hn/s1600/Geta+De+la+colecci%25C3%25B3n+Bevilacqua%252C+m%25C3%25A1rmol+blanco+de+Verona+198-204+AD.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1024" data-original-width="768" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPcHW8BU87wwiE7B_tI0fWSn5_cpOZ6vsd0mjG_QWqA9R0_O-E0fSYS96XycE44scN0gmJ15vO8cY7v58D8BFAjIchmOObcaFR27Meq4FKs3BJ2iiVthNZNNiigDX77D2xTkAoIbc2j_Hn/s850/Geta+De+la+colecci%25C3%25B3n+Bevilacqua%252C+m%25C3%25A1rmol+blanco+de+Verona+198-204+AD.jpg" /></a></div>
<br />
El reinado de <b>Heliogábalo</b> es recordado principalmente por los escándalos sexuales y por la controversia religiosa. Estuvo "casado" cinco veces, aunque lo realmente escandaloso para la sociedad romana fueron sus amantes masculinos y que se prostituyera en el palacio imperial. Desde el punto de vista religioso, reemplazó a Júpiter, el dios supremo del panteón romano, por la deidad <b>Heliogábalo</b>, de quien había sido sumo sacerdote.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Áureo de oro del emperador Heliogábalo, 212-222 d.c. Aparece en la cruz la inscripción "Dhys +Deos Soli Elagabal" y un motivo que representa al dios Sol Elagabal conduciendo un cuadriga con la que se desplaza en el Cielo.</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3v5tPE5_fo3cBOgcvZiY0ZQSGewCtOxxEurMLEbTjz7VGm1huwds99GE9XxuCw0IpN3_zPYYGcXrI5sX8VK62hIjNjX-WcFCHiuCUAnko121i7xsmtXH-qbVGAMa3RcAtyM9vIe4hsG5e/s1600/aureo+de+heliogabalo+y+cuadriga.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="486" data-original-width="941" height="330" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3v5tPE5_fo3cBOgcvZiY0ZQSGewCtOxxEurMLEbTjz7VGm1huwds99GE9XxuCw0IpN3_zPYYGcXrI5sX8VK62hIjNjX-WcFCHiuCUAnko121i7xsmtXH-qbVGAMa3RcAtyM9vIe4hsG5e/s640/aureo+de+heliogabalo+y+cuadriga.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
Su comportamiento alejó a la guardia pretoriana, al Senado y la gente común por igual. En medio de la creciente oposición, <b>Heliogábalo</b> fue asesinado junto con su madre en marzo de 222 cuando solo tenía 18 años de edad. El complot fue ideado por su abuela, <b>Julia Maesa</b>, y llevado a cabo por miembros descontentos de la Guardia Pretoriana que le reemplazaron por su primo <b>Alejandro Severo</b>. Este gobernó durante 13 años antes de ser también asesinado.<br />
<div>
<br /></div>
<b><span style="color: #990000;">Retrato de </span></b><b style="color: #990000;">Varius Avitus Bassianus, conocido comúnmente como </b><b><span style="color: #990000;">Heliogábalo, 220-221 d. C. Museos Capitolinos, Palazzo Nuovo, Sala degli Imperatori. Mármol, cm 46. </span></b><b style="color: #990000;">Los rasgos son muy diferentes a anteriores emperadores niños: la cabeza compacta y redonda, ojos grandes y vello facial de un adolescente entre los quince años, en que se convirtió en emperador y los dieciocho del momento de su muerte. El modelado suave y naturalista del cabello encaja en el gusto severo.</b><br />
<br />
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<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<b><span style="color: #990000;">Julia Mamea, sobrina de Julia Domna y madre del emperador Alejandro Severo </span></b><span style="color: #990000;"><b>y regente de facto durante su reinado</b></span><b><span style="color: #990000;">. Mármol, </span></b><span style="color: #990000;"><b>222-235 d. C. Museos Capitolinos. </b></span><span style="color: #990000;"><b>Después de morir Julia Maesa fue deificada. Mamea, al quedar sola con su hijo, se esforzó por dirigirlo y dominarlo de la misma manera que lo hizo su abuela. Lo impulsó a una continua actividad judicial en la que pasaba la mayor parte del día. Mientras estuviera ocupado en asuntos tan importantes, indispensables para un emperador, no le quedaría tiempo para vicios como su primo. Rostro adusto y firme como su madre.</b></span><br />
<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjn7FRltGuidUFT5Wi-d5CvS6DcHGr-67pBTduarDW84TvTPaqVCd5GWi9Sz8dRMLyF7fcqQwsmFTip7SOqutFBGIODphigNsGawTKDg4iSJ81FGvRvjE2Dkp9-v6745LT3JpzLpRShWIOq/s700/Geta+De+la+colecci%25C3%25B3n+Bevilacqua%252C+m%25C3%25A1rmol+blanco+de+Verona+198-204+AD.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><br /></a></div>
<br />
Hay tres tipos de retratos que representan <b>Alejandro Severo </b>según distintas edades, el emperador que lo fue desde los trece a los veinticinco años. Uno lo muestra como niño, posiblemente como César, cuando todavía tenía 11 o 12 años,. Un segundo ya de adolescente coronado. Y un tercero como un hombre joven de unos veinte años con una barba corta pero completamente desarrollada. En los tres casos hay rasgos que los relacionan y que le dan una identidad inconfundible.<br />
<b style="color: #990000;"><br /></b>
<b><span style="color: #990000;">Alejandro Severo </span></b><b><span style="color: #990000;">descubierto en la villa de Antonino Pío en Lanuvio, </span></b><b><span style="color: #990000;">221 a 223 a. C. </span></b><b style="color: #990000;">Museo Capitolino</b><b><span style="color: #990000;">. L</span></b><b style="color: #990000;">a estructura ósea todavía no está muy bien afirmada por lo que podría ser del</b><b style="color: #990000;"> tipo de </b><b><span style="color: #990000;">retrato </span></b><b style="color: #990000;">de niño y sin vello facial.</b><br />
<b style="color: #990000;"><br /></b>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYDq8DJaPRApGRaRhUNh4V-0k2q96xjU-YV5DaHHgYSb7MAtspTm1-kKRrkMf9JDwVcro1n23IyISBKkTkHutiiiblTY5rYLI1Ith7eqWvyYLxL4vOrr41LWtMyIJ1LlutmovrtLc2-BLn/s1600/alejadro+severo+adolecescnt.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="700" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYDq8DJaPRApGRaRhUNh4V-0k2q96xjU-YV5DaHHgYSb7MAtspTm1-kKRrkMf9JDwVcro1n23IyISBKkTkHutiiiblTY5rYLI1Ith7eqWvyYLxL4vOrr41LWtMyIJ1LlutmovrtLc2-BLn/s850/alejadro+severo+adolecescnt.jpg" /></a><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b></div>
<b><span style="color: #990000;">Busto de Alejandro Severo en el Louvre. Mármol, 40 cms.</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzvvFOfezeJIC4Q5QQk2YWVfGaqhD1wk-gOq1aV8fED0Qh9dvhq-mFZDJ_mPvWC4AHCnNCDnxIahGoQRb6qymMJalZSFYxgG3OMpA5EdZzc0Z4SuaIHlrtA58tE4lVLUZhIWNVJ33L-t3c/s1600/Alejandro+severo+en++severus-louvre++226.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1125" data-original-width="750" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzvvFOfezeJIC4Q5QQk2YWVfGaqhD1wk-gOq1aV8fED0Qh9dvhq-mFZDJ_mPvWC4AHCnNCDnxIahGoQRb6qymMJalZSFYxgG3OMpA5EdZzc0Z4SuaIHlrtA58tE4lVLUZhIWNVJ33L-t3c/s950/Alejandro+severo+en++severus-louvre++226.jpg" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: #990000;">Busto en bronce del emperador Alejandro Severo, 234 d. C. Bronce, Museo arqueológico de Dion, Grecia.</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFloft-0MMh0ozkh_D6zBJKWzSDljAzNi3QxGJkWZSWalcbOEu-onASUkdj8hh8dUepbOIYzMBIA9AvWe4uYiEuAzovspNQasAbwTeTzxpeGHDs1BI2cy1qDshiumbmeIkKPIEF7jswlZ-/s1600/busto+emperador+Alejandro+Severo%252C.+museo+arqueol%25C3%25B3gico+de+ion%252C+grecia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1356" data-original-width="1597" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFloft-0MMh0ozkh_D6zBJKWzSDljAzNi3QxGJkWZSWalcbOEu-onASUkdj8hh8dUepbOIYzMBIA9AvWe4uYiEuAzovspNQasAbwTeTzxpeGHDs1BI2cy1qDshiumbmeIkKPIEF7jswlZ-/s640/busto+emperador+Alejandro+Severo%252C.+museo+arqueol%25C3%25B3gico+de+ion%252C+grecia.jpg" /></a></div>
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-70694662245343852002018-11-11T22:43:00.002+01:002018-11-11T22:47:23.877+01:00EL BIZANTINISMO EN LA PINTURA GÓTICA ITALIANA. Un icono de virgen con niño de Filippo Rusuti, siglo XIIIUno de los iconos más apreciados por los romanos, <b><span style="color: #cc0000;">La Virgen de San Luca o de Santa María del Popolo</span></b>, permanece expuesta en la Biblioteca del Museo Nacional de Castel Sant'Angelo hasta el 18 de noviembre de este año 2018. Esta es una de las vírgenes más veneradas en Roma al considerar que hace milagros sobre la salud y al presidir el altar mayor de esta iglesia.<br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<b><span style="color: #990000;">La imagen es pequeña y humilde, sobrevolando sobre el ampuloso marco arquitectónico barroco,</span></b><b><span style="color: #990000;"> pero magnética</span></b><b><span style="color: #990000;">.</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj50fe0skh1dUbXYOPW0u337yJiRVIgcwq9SNGemRMXTFmGwnPyDLThMnG0s4LgMvvr5PHt0u_r43-Sin0HwGd3rDYK8vuZ11H_n7OclO3VchqYng2YXZPjd1PsoJRwYNOAoXjbp0DHEFIS/s1600/%25D0%25BA%25D0%25B0%25D0%25BF%25D0%25B5%25D0%25BB%25D0%25BB%25D0%25B0+%25D0%259A%25D0%25B8%25D0%25B4%25D0%25B6%25D0%25B8.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1066" data-original-width="800" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj50fe0skh1dUbXYOPW0u337yJiRVIgcwq9SNGemRMXTFmGwnPyDLThMnG0s4LgMvvr5PHt0u_r43-Sin0HwGd3rDYK8vuZ11H_n7OclO3VchqYng2YXZPjd1PsoJRwYNOAoXjbp0DHEFIS/s850/%25D0%25BA%25D0%25B0%25D0%25BF%25D0%25B5%25D0%25BB%25D0%25BB%25D0%25B0+%25D0%259A%25D0%25B8%25D0%25B4%25D0%25B6%25D0%25B8.jpg" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<br />
Gracias a la espectacular restauración a la que ha sido sometida la tabla ha desvelado un fragmento de la firma de <b>Filippo Rusuti</b>, uno de los principales pintores y artistas del mosaico que trabajaron en Roma a finales del siglo XIII.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHjtE4OyMwig7NOdpP9YmFxW30UW52z0d4izYKl5yhNy14HJRPygHTUpAE-4qQ0AYEOnDtKpNsfVvXC674oMyvVVKzRrsXS9GaQOfE8iXZDUnTddA5M5ozhu5-tsvGVxMZnQIGyv9XXkOE/s1600/madonna.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="910" data-original-width="800" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHjtE4OyMwig7NOdpP9YmFxW30UW52z0d4izYKl5yhNy14HJRPygHTUpAE-4qQ0AYEOnDtKpNsfVvXC674oMyvVVKzRrsXS9GaQOfE8iXZDUnTddA5M5ozhu5-tsvGVxMZnQIGyv9XXkOE/s720/madonna.jpg" /></a></div>
<br />
Esta tabla me sirve como excusa para reivindicar la pintura bizantinista en el gótico italiano. La obra es un magnífico ejemplo de este estilo del <b><span style="color: blue;">Duocento </span></b>que, a menudo, ha sido tratado muy injustamente por la Historia del Arte, que lo ha postergado, cuando no denostado, para ensalzar la obra de los protorrenacentistas del <b><span style="color: blue;">Trecento</span></b> como <b><a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/giotto-di-bondone-y-la-pintura-italiana.html" target="_blank">Giotto</a></b>.<br />
<br />
<span style="color: blue;"><b>Veamos la obra.</b></span><br />
<span style="color: blue;"><b><br /></b></span>
Hasta hace unos pocos meses la obra se atribuía a un supuesto <b>Maestro de San Saba</b>, por similitudes estilísticas con los frescos de esa iglesia romana. Una restauración, que comenzó en 2017, utilizó la última tecnología para analizar la pintura del panel. Así fue como se descubrió la firma previamente invisible del artista.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Recuperación parcial de la firma del artista en letras mayúsculas góticas <i>'(PHILIP)PUS RU(S)UTI PINX(IT)' </i>sobre el marco pictórico superior.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtrrRVzLpmmdsUVVGIL9K-U8DljtS1gVp_Y6iBUEGZ4YP7QtpqjG9oLNw04h-tWDrz1B5zLCYOnCzn6aV5J6qIW9Qcqnja9iYDvJyO165VFB_cWbHaS5zUaHEicsgNlj6CHmuQwu_ffyqf/s1600/Imagen1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="471" data-original-width="1600" height="188" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtrrRVzLpmmdsUVVGIL9K-U8DljtS1gVp_Y6iBUEGZ4YP7QtpqjG9oLNw04h-tWDrz1B5zLCYOnCzn6aV5J6qIW9Qcqnja9iYDvJyO165VFB_cWbHaS5zUaHEicsgNlj6CHmuQwu_ffyqf/s640/Imagen1.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
El icono es de estilo bizantino. Muestra la imagen de una Virgen como madre de Dios Niño (Madonna o Theotokos) con le sostiene con su brazo izquierdo mientras que con el otro le presenta. El niño está rígidamente erguido, completamente vestido y bendiciendo. Sus características iconográfícas son las de la tradicional virgen Odigitria (<span style="background-color: white; color: #222222; font-family: sans-serif; font-size: 14px;"><i>Ὁδηγήτρια</i></span>"la que muestra el camino, la verdad"). Su interpretación teológica es que la Virgen muestra a la humanidad el camino para su salvación, que es su Hijo. La Virgen tiene en ambas manos un anillo, uno como novia de José y el otro como novia de la Iglesia, según la iconografía tradicional.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Filippo Rusuti. Virgen de San Luca o Madona con niño. Tres tablas de nogal. posiblemente de finales del siglo XIII.</span></b><br />
<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiICh1ilrDLJOAOrr_u-fG3TKexEknBxrJxlvITLCxKNc2fWYm1Bonjocw8HwOEnajz2akMDYUw69Bcx-7ylnteEyTxIQcYGLqvnPKIsvXYHglOg1urik8gzecv6JIMB-saJBawRCyXtJB/s1600/rusuti+Madonna-di-San-Luca-after-restoration.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1349" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiICh1ilrDLJOAOrr_u-fG3TKexEknBxrJxlvITLCxKNc2fWYm1Bonjocw8HwOEnajz2akMDYUw69Bcx-7ylnteEyTxIQcYGLqvnPKIsvXYHglOg1urik8gzecv6JIMB-saJBawRCyXtJB/s760/rusuti+Madonna-di-San-Luca-after-restoration.jpg" /></a><br />
<div>
<br /></div>
La obra quizás está enriquecida por un patetismo diferente a las figuras típicas de la iconografía de la época. Se aprecia en ella el afecto familiar: la Madre vuelve la cabeza hacia su hijo, dirigiéndole una mirada llena de ternura, mientras que el Hijo pone su mano izquierda sobre la de la Madre, confirmando su apego. La obra, por lo tanto, a través de la vivacidad gestual muestra ese carácter de intimidad que busca la empatía del usuario, un lenguaje figurativo más humano y realista, incluso antes que las escuelas sienesa y florentina.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjakt9GCbyryz4ErPauYMxLaPS2egswQuZrt-xQL5deYcKksJXSH_2x4hV5e4PcPDWHvygrCBg94iN9ObP6h3vSrlpPmtOa5F3Ok9Uq7pFs4j1rDPIKUx9PZSoCfbairKZSq2yprJ7gzwCh/s1600/rusuti+Madonna-di-San-Luca-after-restoration+detalle.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1317" data-original-width="1158" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjakt9GCbyryz4ErPauYMxLaPS2egswQuZrt-xQL5deYcKksJXSH_2x4hV5e4PcPDWHvygrCBg94iN9ObP6h3vSrlpPmtOa5F3Ok9Uq7pFs4j1rDPIKUx9PZSoCfbairKZSq2yprJ7gzwCh/s730/rusuti+Madonna-di-San-Luca-after-restoration+detalle.jpg" /></a></div>
<br />
Aún así las figuras responden a estereotipos bizantinos en sus cánones humanos y vestimentas. Sus rasgos artísticos son también bizantinos: posturas rígidas, volúmenes y pliegues artificiales. El simbolismo dorado del fondo refuerza el espíritu del icono bizantino. También los colores de la vestimenta poseen un significado profundamente teológico. El color del manto azul ultramar de la virgen se identifica con la divinidad de su hijo. Mientras el niño Jesús viste los colores verde y naranja. El naranja representa la Verdad, el fuego del Espíritu Santo.<br />
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
<b><span style="color: blue;">El pintor.</span></b><br />
<b><br /></b>
<b>Filippo Rusuti </b>fue, junto con <b>Jacopo Torriti</b> y <b>Pietro Cavallini</b>, uno de los principales pintores romanos del Duocento y comienzos del Trecento. Se le conocía mayormente porque firmó los mosaicos de la antigua fachada de la <b><span style="color: #cc0000;">Basílica de Santa María la Mayor</span></b>, hoy en día en gran parte oculta por la logia del siglo XVIII. Allí representó motivos típicamente bizantinos y románicos como un Cristo Pantocrátor en el trono, que podemos ver justo debajo.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Filippo Rusuti. Detalle del mosaico de la fachada medieval de Santa María la Mayor de Roma.</span></b><span style="color: #990000;"><b> La obra formó parte de la campaña para modernizar la basílica promovida por el papa franciscano Nicolás IV</b></span><b><span style="color: #990000;">. Representa a un Cristo Pantocrátor rodeado de ángeles. Se puede datar la obra entre 1288 y 1297. La firma se encuentra </span></b><span style="color: #990000;"><b>en el borde inferior del clipeo que circunscribe la figura de la bendición de Cristo en el trono. L</b></span><span style="color: #990000;"><b>a inscripción en letra dorada mayúsculas dice: "Philipp [us] Rusuti fecit hoc or [p] us"</b></span><b><span style="color: #990000;">. Delante tenemos la loggia barroca de Fuga.</span></b><br />
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</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiH4jknmp6ei3tBrGlRHIvUS-JTs4fd0WnImRpEVOLWPG_F1QXfTs5Dk6UmPXR6Wq0S6AA9in-4dp-cVePNEj22ZGz2iX27FWIwUDs3QLwNXwMe06x1udkD8UrJprqiWA1Z3Y3uI5Qgnui/s1600/Rusuti+Santa_Maria_Maggiore_%2528Rome%2529_mosaic_on_frontside.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="988" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiH4jknmp6ei3tBrGlRHIvUS-JTs4fd0WnImRpEVOLWPG_F1QXfTs5Dk6UmPXR6Wq0S6AA9in-4dp-cVePNEj22ZGz2iX27FWIwUDs3QLwNXwMe06x1udkD8UrJprqiWA1Z3Y3uI5Qgnui/s1050/Rusuti+Santa_Maria_Maggiore_%2528Rome%2529_mosaic_on_frontside.jpg" /></a></div>
<br />
<div>
De su carrera artística se sabe que en su juventud también participó en la decoración con frescos de la <b><span style="color: #990000;">basílica de San Francisco de Asis</span></b>. Y que en la primera y segunda década del siglo XIV trabajó para el rey de Francia Felipe IV en el palaicio real de Poitiers (donde se le conoció como <b>Philippus Bizuti</b>)y para el papado en Avignon. Se le conocen las últimas obras en Nápoles, alrededor de 1319-20, donde participó junto a <b>Pietro Cavallini</b> en la decoración de frescos de la <b><span style="color: #cc0000;">iglesia de Santa Maria Donnaregina</span></b> y en la <b><span style="color: #cc0000;">capilla Brancaccio de la iglesia de San Domenico</span></b>.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Rusuti y Cavallini. Frescos del coro de la i<span style="color: #cc0000;">glesia de Santa Maria Donnaregina,</span> contrafachada es con el Apocalipsis, dividido en tres registros: a la izquierda el Paraíso, en el medio el Juicio Final y a la derecha el Infierno,</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJqsEFVlmRZWUxz0YVaa30vEdFQT9K-YVuoFbGSwHDJWxZX7RQGV6-arbSlCUOkEaTU1TRKARpKYIy6zJd7DL0X9j23EMe2qTJzKgNKDOStwj3AL0j1Wb9filZMmNCunxE2PwwndALbTom/s1600/CavalliniDonnaRegina_controfacciata_rid.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="763" data-original-width="981" height="496" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJqsEFVlmRZWUxz0YVaa30vEdFQT9K-YVuoFbGSwHDJWxZX7RQGV6-arbSlCUOkEaTU1TRKARpKYIy6zJd7DL0X9j23EMe2qTJzKgNKDOStwj3AL0j1Wb9filZMmNCunxE2PwwndALbTom/s640/CavalliniDonnaRegina_controfacciata_rid.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<br />
En definitiva, aunque se tienen pocos registros documentales de <b>Rusuti </b>y ni <b>Lorenzo Ghiberti</b> ni <b>Giorgio Vasari </b>prácticamente le nombraron en sus historias, debió ser indudablemente muy importante en su época, ya que:<br />
<br />
<ul>
<li>- Participó en la decoración de los edificios más importantes llevados a cabo en la transición entre los siglos XIII al XIV, tanto en Italia como en Francia.</li>
<li>- Colaboró con los principales pintores de su época.</li>
<li>- En Francia llegó a tener gran consideración, puesto que se le dieron los nombres de "magister" y "pictor regis". Los escritos dicen que tuvo derecho a un salario anual de por vida, vestimenta adecuada para el papel desempeñado y una posición reconocida dentro de de la jerarquía real. Tal consideración constituye uno de los primeros reconocimientos de la figura del artista que nos dejó la Edad Media.</li>
<li>- Fue un maestro muy completo ya que dominó el fresco, la pintura sobre tabla y así como el trabajo del mosaico.</li>
</ul>
<br />
<span style="color: blue;"><b>El contexto romano del Duecento al Trecento pictórico.</b></span><br />
<br />
La escuela romana de pintura entre los siglos XIII y XIV fue una de las corrientes más importantes activas en Italia y en Occidente en general. Allí coincidieron varios pintores de talento junto a <b>Rusuti</b>. El declive vino con el traslado de la sede pontificia a Avignon en 1309. Aún así esta escuela dio un impulso inestimable a la liberación de la pintura italiana del dominio de las formas bizantinas.<br />
<br />
<b>Pietro Cavallini</b> (1240-1330). Es el más conocido de los pintores de esta época. Se formó en la tradición del arte bizantino, pero abandonó la estilización de aquel y buscó en el arte de la Antiguedad clásica su modelo. Se convirtió de este modo en el primer artista que plasmó las formas de la escultura clásica en el mosaico y la pintura. Después de pintar en Asis como <b>Rusuti</b>, en plena madurez realizó los <span style="color: #cc0000;"><b>mosaicos del ábside de Santa Maria in Transtevere</b> </span>(1291). En ellos fundió la pintura de la tradición local y del arte paleocristiano con las convenciones bizantinas mediante una ordenación y un ritmo claro de las figuras, así como expresando un inicio de perspectiva en los edificios del fondo.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Pietro Cavallini. <span style="color: #cc0000;">Mosaicos del ábside de Santa Maria in Transtevere </span>(1291)</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPNpPhZSxoX2ELLaIIbM4o0xIhFGWLxK6NGntfBjL70haOhXw0inm0ZNLEYWPkPZpZwO4YaC8kVaFD0pYg91m26ixcRa9yzTp5pvY24bVLs_lvIqYUtWQmpHwxX8O8tLuTN9vCEXZJACBX/s1600/Pietro_Cavallini+Santa+maria+trstevere.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="774" data-original-width="1280" height="386" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPNpPhZSxoX2ELLaIIbM4o0xIhFGWLxK6NGntfBjL70haOhXw0inm0ZNLEYWPkPZpZwO4YaC8kVaFD0pYg91m26ixcRa9yzTp5pvY24bVLs_lvIqYUtWQmpHwxX8O8tLuTN9vCEXZJACBX/s640/Pietro_Cavallini+Santa+maria+trstevere.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQEPtwhBx9jL7Q6fuyMeGSvz59NAJ7wikQAmJdXubr9h9QDrfTx9gsD2Zwk3vUtrj8aVNIx3pQPxOcC78hhNvTL3v7ndskIDGkmdVVu7W7gqJldLQIslvUG0GxtDwYBQiqgwxmjooaLEPZ/s1600/Cavallini-Nativita-vergine-665x694.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="922" data-original-width="969" height="608" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQEPtwhBx9jL7Q6fuyMeGSvz59NAJ7wikQAmJdXubr9h9QDrfTx9gsD2Zwk3vUtrj8aVNIx3pQPxOcC78hhNvTL3v7ndskIDGkmdVVu7W7gqJldLQIslvUG0GxtDwYBQiqgwxmjooaLEPZ/s640/Cavallini-Nativita-vergine-665x694.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
Posteriormente, en <b><span style="color: #cc0000;">el fresco del Juicio Final de Santa Cecilia in Transtevere</span></b> (hacia 1293), sobre una composición donde todavía es patente la influencia bizantina o románica, aunque desarrolla una innovadora riqueza de empastes de color en las figuras de los ángeles y los apóstoles reunidos en torno a Cristo. El empleo dramático del color y la sencillez monumental es lo más imponente de las obras del artista que ha llegado hasta nosotros.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Pietro Cavallini. Juicio final (Parte.) Santa Cecilia en Trastevere</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiFrkctS4yjOLRmhu5aFGzt_UuQ_pbKR-4BvU5DGPXk2In3UtHROzBXJnO3EmyW8B50xqO9pcf2WWsKyTDqunBVgi7Y6E1IYhT-QPkrU6xxc81p8MHkoPlMHHIy3IliXO_2i_ubcX6SiSe/s1600/cavallini+frescos+de+santa+cecilia+del+trastevere.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="462" data-original-width="800" height="368" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiFrkctS4yjOLRmhu5aFGzt_UuQ_pbKR-4BvU5DGPXk2In3UtHROzBXJnO3EmyW8B50xqO9pcf2WWsKyTDqunBVgi7Y6E1IYhT-QPkrU6xxc81p8MHkoPlMHHIy3IliXO_2i_ubcX6SiSe/s640/cavallini+frescos+de+santa+cecilia+del+trastevere.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRDE8ku1ZLdEiFtoionMq5DfT7oS8v9sXX_3HJwvL9k-gIIZPeVOIMIxpEwPfdOzm5FbQmRhfNFbKiFTlcV3jkSQMiO7gWVif5EoYecC6o0lj7uaNIKFoctthUXJS6ErYVWFw_h2YvARh9/s1600/Pietro_Cavallini_007.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="971" data-original-width="800" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRDE8ku1ZLdEiFtoionMq5DfT7oS8v9sXX_3HJwvL9k-gIIZPeVOIMIxpEwPfdOzm5FbQmRhfNFbKiFTlcV3jkSQMiO7gWVif5EoYecC6o0lj7uaNIKFoctthUXJS6ErYVWFw_h2YvARh9/s770/Pietro_Cavallini_007.jpg" /></a></div>
<br />
La obra de <b>Cavallini</b> que influyo poderosamente en la escuela Florentina, tuvo su madurez en las obras napolitanas de <b><span style="color: #cc0000;">Santa Maria Donnaregina</span></b>, <b><span style="color: #cc0000;">Santa Maria de Aracoeli, Santo Domingo el Mayor</span></b> y en la <b><span style="color: #cc0000;">Catedral de Nápoles</span></b>.<br />
<span style="color: #990000;"><br /></span>
<b><span style="color: #990000;">Pietro Cavallini. Frescos de la Iglesia de San Domenico Maggiore, Capilla Brancaccio, pared derecha. Historias de la Magdalena, Noli me tangere, 1308.</span></b><br />
<b><br /></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8l6dLg4G56gow9boKpxUcMLYLwYVdyuplXB54WWU0yAKw5i5RemJ2MlTrfQ-2FbELg_M9Xyf9xaEsVwyMiJTPJRRlQULLzTdlicF3gH1yrXhTYycn8HOKsDUAXHo6wmA6k-27sSBdpDMt/s1600/Cavallini+Dom_Magg_aff.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="825" data-original-width="1024" height="514" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8l6dLg4G56gow9boKpxUcMLYLwYVdyuplXB54WWU0yAKw5i5RemJ2MlTrfQ-2FbELg_M9Xyf9xaEsVwyMiJTPJRRlQULLzTdlicF3gH1yrXhTYycn8HOKsDUAXHo6wmA6k-27sSBdpDMt/s640/Cavallini+Dom_Magg_aff.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<br />
<br />
<b>J</b><b>acopo Torriti</b>. Su nombre aparece en el <b><span style="color: #cc0000;">mosaico del ábside de S. Giovanni de Letrán</span></b> (1291) y además compuso el <b><span style="color: #cc0000;">mosaico con la Coronación de la Virgen y escenas de la vida de la Virgen en el ábside de S. Maria Maggiore</span></b> (1295). El esquema bizantino y en el estudio cuidadoso del naturalismo paleocristiano (giros de acanto en la parte superior) y el río, abajo, con aves, peces, botes y pescadores, que probablemente se refieren a un mosaico preexistente del siglo V, logra un nuevo efecto, especialmente basado en el color.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Jacopo Torriti. <span style="color: #cc0000;">Mosaico con la Coronación de la Virgen y escenas de la vida de la Virgen en el ábside de S. Maria Maggiore</span> (1295)</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheOiUVSjqJPuSnzemOsYTF688_85fcqoKlz5GVheBaJKWX5OcLG0G_qwzHa6vCkTN3j0VRauvIPFfEzimI5sUhrtNxoIzw8LWgLdKw401EZuADUxRV14pudpj81qWsj9c8Nx6onphULTEr/s1600/Jacopo+Torriti+coronation+de+la+Virgn+w%252C+%25C3%25A1bside+Basilica+di+Santa+Maria+Maggiore%252C+by+Jacopo+Torriti+%25281295%2529.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1064" data-original-width="1600" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheOiUVSjqJPuSnzemOsYTF688_85fcqoKlz5GVheBaJKWX5OcLG0G_qwzHa6vCkTN3j0VRauvIPFfEzimI5sUhrtNxoIzw8LWgLdKw401EZuADUxRV14pudpj81qWsj9c8Nx6onphULTEr/s640/Jacopo+Torriti+coronation+de+la+Virgn+w%252C+%25C3%25A1bside+Basilica+di+Santa+Maria+Maggiore%252C+by+Jacopo+Torriti+%25281295%2529.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<br /></div>
Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-59324450398666348272018-09-06T13:15:00.002+02:002018-09-07T12:10:08.988+02:00EL COMENTARIO DE UNA OBRA DE ARTE Y EL HILO DE TWITTER. La mejor obra de arte de Grecia.<br />
<div class="MsoNormal">
Ya he propuesto en otras ocasiones la utilización de Twitter
como instrumento didáctico<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>para
sintetizar mensajes que pueden ser acompañados con imágenes. El curso pasado,
sin ir más lejos, algunos de los alumnos lo ensayaron de forma voluntaria para
destacar <i style="mso-bidi-font-style: normal;"><b><a href="http://algargosarte.blogspot.com/2018/05/como-me-gusta-las-artes-figurativas-del.html" target="_blank">aquello que les había gustado más de las artes figurativas del siglo XX</a></b></i>. Echad un vistazo al enlace anterior porque posiblemente os dé ideas de las cosas que se pueden hacer en
un hilo de tweets. Y si no tenéis de idea de <a href="http://algargosarte.blogspot.com/2018/04/la-aplicacion-didactica-de-twitter-la.html" target="_blank">c<b><i>ómo es Twitter y en qué consiste el hilo</i></b> </a>pinchad en el siguiente enlace en donde lo explico.<br />
<br />
Sin embargo, esta vez vamos a intentar sacarle aún más
beneficio al relato consecutivo de tweets para aprender a comentar una obra
de arte y de paso ganarnos una nota de clase. </div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="color: blue;">Primer paso. Las obras.<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
Cada alumno recibirá por sorteo una obra de los estándares del
currículo para comentar y defender su valía en un hilo de twitter. En concreto,
el alumno tendrá que exponer con rigor, orden y creatividad argumentos
históricos y artísticos que hacen de la obra que le haya tocado la más bella,
importante o sublime.</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
Las obras son las siguientes:</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
1) el templo del Partenón, 2) la tribuna de las cariátides
del Erecteion, 3) el templo de Atenea Niké, 4) el teatro de Epidauro, 5) el santuario
de Zeus en Olimpia, 6) el templo del Olimpeion en Atenas, 7) el Faro de
Alejandría, 8) la dama de Auxerre, 9) el kouros de Anavysos, 10) el auriga de
Delfos, 12) los guerreros de Riace, 13) el discóbolo (Mirón), 14) Doríforo
(Policleto), 15) una metopa del Partenón (Fidias), 16)la estatua de Atenea
Partenos (Fidias), 17) el Hermes con Dioniso niño (Praxíteles), 18) el Apoxiomenos
(Lisipo), 19) <st1:personname productid="la Victoria" w:st="on">la Victoria</st1:personname>
de Samotracia, 20) <st1:personname productid="la Venus" w:st="on">la Venus</st1:personname>
de Milo, 21) el friso del altar de Zeus en Pérgamo (detalle de Atenea y Gea) y <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>22) el grupo escultórico de Laocoonte y sus hijos.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhs2RO5mouS5t3a4bmhElLZIQkeuvTYnBlR4BPoox5VsuJSHHMy7XS2zbGEubUIfNrXjiSWkDtcNRok4rKNzTU7c2ffVyffSlwR-quh1B4CidOVSjIFQrNJZrR664k0C5uyGLr75ctOY3qv/s1600/grecia+y+twitter.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="461" data-original-width="598" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhs2RO5mouS5t3a4bmhElLZIQkeuvTYnBlR4BPoox5VsuJSHHMy7XS2zbGEubUIfNrXjiSWkDtcNRok4rKNzTU7c2ffVyffSlwR-quh1B4CidOVSjIFQrNJZrR664k0C5uyGLr75ctOY3qv/s1600/grecia+y+twitter.jpg" /></a></div>
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="color: blue;">Segundo paso. La exposición en el hilo adaptándose a los
siguientes requisitos.<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
El alumno buscará información en internet, libros de texto y
apuntes de clase sobre la obra que le haya tocado defender y a continuación
redactará un guión o borrador que le sirva para exponer la información
imprescindible en un hilo de twitter. </div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
Requisitos del hilo de twiter.</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Extensión y contenido.</b>
Un mínimo de 7 y un máximo de 10 tweets. Es importante sintetizar la
información clave puesto que los tweets están diseñados para no permitir más de
240 caracteres. En el conjunto del hilo hay que dar como información mínima:<br />
<br />
<ul>
<li>a)
la identificación y descripción de la obra objeto de estudio,</li>
<li> b) la contextualización
en su estilo, </li>
<li>c) pero, sobre todo, las razones contundentes y rigurosas para
explicar y caracterizar la obra, </li>
<li>d) así como destacar la importancia de la
misma en la historia del arte.</li>
</ul>
</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Hashtag.</b> El tweet
inicial debe tener la etiqueta o <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">hashtag
#concursoalgargosarte</b> para poder agrupar todos los hilos puesto que se publicarán
en un artículo conjunto en este blog. También deberá ir referido al twitter del
profesor,<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"> algargos</b>, para que el
profesor se dé por enterado de la entrega por parte del alumno.</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Visual.</b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Cada tweet debe tener al menos una imagen
como archivo</b> adjunto que ilustre visualmente lo descrito en el tweet. Se
valorará la <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">calidad y la personalización
de las imágenes.<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Creatividad. </b>Es<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"> </b>requisito fundamental que <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">al menos uno de los tweets contenga una
imagen de creación propia (elaborada con cualquier editor de imágenes) con la
contextualización de la obra en una línea de tiempo</b> donde aparezcan otras
obras de la época o del autor. Se valorará muy positivamente que se elaboren
otras imágenes personalizadas siempre que aporten valor al tweet.</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Fecha de entrega. </b>Se
publicará el hilo a finales del mes de septiembre</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="color: blue;">Tercer paso. La evaluación por parte del profesor y de los
compañeros.<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
Aquí podéis ver la rúbrica que aplicaré para la evaluación
de vuestro trabajo. </div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<br />
<a name='more'></a><br /><br />
<div class="MsoNormal">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="color: blue;">La rúbrica.</span><o:p></o:p></b><br />
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="color: blue;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<b><u>Contenido</u>----- Valor máximo 40%</b><br />
<b><br /></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 36.0pt; mso-list: l0 level1 lfo1; tab-stops: list 36.0pt; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="mso-list: Ignore;">-<span style="font: 7.0pt "Times New Roman";"> </span></span>El hilo es completo o faltan ideas claves de identificación de la
obra (alguna, más de dos), Faltan ideas claves de explicación de la obra
(alguna, más de dos), faltan argumentos o razones artísticas, faltan argumentos
o razones históricas. </div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 36.0pt; mso-list: l0 level1 lfo1; tab-stops: list 36.0pt; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="mso-list: Ignore;">-<span style="font: 7.0pt "Times New Roman";">
</span></span><!--[endif]-->Utiliza un vocabulario y un lenguaje artístico
correcto. No utiliza con propiedad del lenguaje artístico. No utiliza lenguaje artístico</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 36.0pt; mso-list: l0 level1 lfo1; tab-stops: list 36.0pt; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="mso-list: Ignore;">-<span style="font: 7.0pt "Times New Roman";">
</span></span><!--[endif]-->Hay entre <st1:metricconverter productid="7 a" w:st="on">7
a</st1:metricconverter> 10 tweets. Faltan o sobran tweets.</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 36.0pt; mso-list: l0 level1 lfo1; tab-stops: list 36.0pt; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="mso-list: Ignore;">-<span style="font: 7.0pt "Times New Roman";">
</span></span><!--[endif]-->Falta imagen asociada a cada tweet o su relación no es
significativa.</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><u>Investigación y trabajo personal</u>---- Valor máximo 40%</b><br />
<b><br /></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
- Aporta la imagen personaliza
(tweet con línea de tiempo). Le falta este requisito creativo y personal o no
es personal o de escasa calidad.</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
- Aporta más imágenes
personalizadas y con calidad didáctica, además de la requerida (una, dos,…).<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>No aporta o las que aportan no son
personales.</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
- Los tweets tienen una lógica
narrativa. No hay un guión coherente o falta totalmente.</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt;">
- La información ha sido
sintetizada y personalizada. El alumno no se limita a copiar y pegar. La información no es personal y se limita a copiar y cortar</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><u>Presentación</u>---- </b><b>Valor máximo </b><b>20%</b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 36.0pt; mso-list: l0 level1 lfo1; tab-stops: list 36.0pt; text-indent: -18.0pt;">
<span style="mso-list: Ignore;"><br /></span>
<!--[if !supportLists]--><span style="mso-list: Ignore;">-<span style="font: 7.0pt "Times New Roman";">
</span></span><!--[endif]-->Hay una portada de presentación en el primer tweet. No hay portada de presentación.</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 36.0pt; mso-list: l0 level1 lfo1; tab-stops: list 36.0pt; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="mso-list: Ignore;">-<span style="font: 7.0pt "Times New Roman";">
</span></span><!--[endif]-->No le falta el hashtag de localización. Le falta el hashtag</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 36.0pt; mso-list: l0 level1 lfo1; tab-stops: list 36.0pt; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="mso-list: Ignore;">-<span style="font: 7.0pt "Times New Roman";">
</span></span><!--[endif]-->No contiene faltas de ortografía. Contiene faltas de ortografía.</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 36.0pt; mso-list: l0 level1 lfo1; tab-stops: list 36.0pt; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="mso-list: Ignore;">-<span style="font: 7.0pt "Times New Roman";">
</span></span><!--[endif]-->Está correctamente redactado. Texto mal redactado o gramaticalmente incorrecto.</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 36.0pt; mso-list: l0 level1 lfo1; tab-stops: list 36.0pt; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="mso-list: Ignore;">-<span style="font: 7.0pt "Times New Roman";">
</span></span><!--[endif]-->Las imágenes aportadas son grandes y de calidad. Las imágenes son pequeñas o de mala calidad.</div>
<br />
Pero además de la rúbrica del profesor someteré a votación entre todos vosotros la obra que merece ser compensada como la mejor obra del arte griego.Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-17044614696572024772018-06-07T21:04:00.000+02:002018-06-07T21:04:07.343+02:00EL EXAMEN DE HISTORIA DEL ARTE DE LA EBAU DE JUNIO DE 2018 DE LA COMUNIDAD DE MADRIDAunque soy muy crítico con el sistema de exámenes de selectividad que realizan las distintas coordinadorsa de las asignaturas de Geografía e Historia de la Comunidad de Madrid, tengo que reconocer que en el caso de la Historia del Arte ha mejorado. Este nuevo examen creo que es más lógico y compensado. No se sobrevaloran como en el antiguo dos preguntas, el tema o la imagen, en donde el conjunto valía hasta 7 puntos del total, y donde podía haber mala o buena suerte en lo que te cayera. Ahora la evaluación es más variada y el desarrollo de un tema junto con el comentario de una imagen sólo tiene un valor de 4 puntos sobre 10. Juzgad vosotros mismos.<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="900" msallowfullscreen="" src="https://app.box.com/embed/s/zckqxnqe94ax9tvitgqkmiwkchja0uu3" webkitallowfullscreen="" width="670"></iframe>
<br />
<b>Los temas </b>en ambas opciones son adecuados. No digo que en este caso sean fáciles, sino que tienen un valor correspondiente a su desarrollo, dos puntos. En este caso, podían ser más fáciles pero se pregunta sobre las <b>características de la pintura gótica </b>insistiendo en <b>Giotto</b>, lo que no parece disparatado y sobre las <b>características de la arquitectura barroca</b> poniendo el foco en <b>Italia</b>.<br />
<br />
Pero en lo que, sin duda, hemos ganado todos es en tener una mayor seguridad a cerca de las imágenes que pueden caer. Son dos obras reconocibles y estándares evaluables.<br />
<b>La lámina</b> de la opción A es de la <b><i><span style="color: #990000;">fachada principal del Museo del Prado</span></i></b>, obra <span style="color: blue;"><b>neoclásica</b></span> por excelencia de <b>Juan de Villanueva </b>y la opción B es el relieve del tímpano <b><span style="color: blue;">románico</span></b> de la iglesia de <b><span style="color: #990000;">Santa Fé de Conqués</span></b>. En las dos se pueden aplicar las características de sus respectivos estilos y hablar de su importancia.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZjVzPvRHr3ZNK3zjYCS9VI8AHWfmq-cXc0_nGAacDZR_hHUDqf7HkTGngBFnlBGmSJUnckcyXK1UfC00oFX-43CZlUn5Qa2hwNeuFER_xe41Smz5OcCC4qlqcXxeQyWucq5fjuh5uMWwT/s1600/fachada+del+museo+del+prado.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="689" data-original-width="1022" height="430" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZjVzPvRHr3ZNK3zjYCS9VI8AHWfmq-cXc0_nGAacDZR_hHUDqf7HkTGngBFnlBGmSJUnckcyXK1UfC00oFX-43CZlUn5Qa2hwNeuFER_xe41Smz5OcCC4qlqcXxeQyWucq5fjuh5uMWwT/s640/fachada+del+museo+del+prado.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiApBlb7XE7fxy8d3k44RO78AB2lz_dZMb9oS1SXAmCiKSBFHJ5kAxY7hBXfR6rspSTvcqy71vWdM0g6l2N7431dtcamUBlYZ-WPSebjTxC8kdQsz0sLze0Qm7B4YA1IKdWoJ_RAqP9Rw-O/s1600/p%25C3%25B3rtico+de+Santa+F%25C3%25A9+de+Conques.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="769" data-original-width="1176" height="418" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiApBlb7XE7fxy8d3k44RO78AB2lz_dZMb9oS1SXAmCiKSBFHJ5kAxY7hBXfR6rspSTvcqy71vWdM0g6l2N7431dtcamUBlYZ-WPSebjTxC8kdQsz0sLze0Qm7B4YA1IKdWoJ_RAqP9Rw-O/s640/p%25C3%25B3rtico+de+Santa+F%25C3%25A9+de+Conques.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
Pero si estoy contento es porque se ha dado más valor a los términos artísticos y a las preguntas cortas de autores (hasta seis puntos, 3+3), lo que te permite picotear sobre el conocimiento de los alumnos, pero a su vez éstos tienen la posibilidad de descartar algunos de los términos o personajes requeridos, ya que hay elección generosa.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
En este caso <b>los términos artísticos</b> han sido (sólo 6 entre 8):</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
</div>
<ul>
<li>En la opción A: <b>Arte Helenístico</b>, <b>Manierismo</b>, <b>Surrealismo</b>, <b>Tenebrismo</b>, <b>orden dórico</b>, <b>circo</b>, <b>cavea</b>, <b>collage</b>.</li>
<li>En la opción B: <b>Bauhaus</b>, <b>Neoclasicismo</b>, <b>Impresionismo</b>, <b>Plateresco</b>, <b>orden jónico</b>, <b>anfiteatro</b>, <b>termas</b>, <b>fresco</b>.</li>
</ul>
<div>
Los personajes han sido (sólo 3 entre 5):</div>
<div>
<ul>
<li>En la opción A: <b>Lisipo</b>, <b>Ghiberti</b>, <b>Rubens</b>, <b>Matisse</b>, <b>Le Corbusier</b>.</li>
<li>En la opción B: <b>Praxiteles</b>, <b>Masaccio</b>, <b>Murillo</b>, <b>Gaudí</b>, <b>Delacroix</b>.</li>
</ul>
</div>
<br />
<br />Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-16663042796148369012018-05-14T10:32:00.000+02:002018-05-14T10:49:01.390+02:00¡CÓMO ME GUSTA LAS ARTES FIGURATIVAS DEL SIGLO XX Y XXI!... En Twitter.<b><span style="font-size: large;">Resultado del trabajo propuesto sobre <a href="http://algargosarte.blogspot.com.es/2018/04/la-aplicacion-didactica-de-twitter-la.html" target="_blank">el hilo de twitter</a> y las <a href="https://algargos.jimdo.com/arte-e-historia/14-siglo-xx-y-xxi/" target="_blank">artes figurativas del siglo XX</a>.</span></b><br />
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b>
<b><span style="font-size: large;"><br /></span></b>
<span style="font-size: large;"><b><br /></b><b>David. Van Gogh.</b></span><br />
<blockquote class="twitter-tweet" data-lang="es">
<div dir="ltr" lang="es">
Bueno, peña, este va a ser un hilo bastante fuera de lo común, porque mi profesor de Arte, <a href="https://twitter.com/Algargos?ref_src=twsrc%5Etfw">@Algargos</a>, nos ha propuesto hacer un trabajo vía Twitter. Por subir nota, ya sabéis.<br />
<br />
Así que voy a contar algunas cosillas sobre la vida de Van Gogh, que vale la pena. <a href="https://twitter.com/hashtag/AlgargosArte?src=hash&ref_src=twsrc%5Etfw">#AlgargosArte</a> <a href="https://t.co/QNzQRIzAp7">pic.twitter.com/QNzQRIzAp7</a></div>
— David (@Davinnistrad) <a href="https://twitter.com/Davinnistrad/status/992732194106957824?ref_src=twsrc%5Etfw">5 de mayo de 2018</a></blockquote>
<b><span style="font-size: large;">Sara. Surrealismo</span></b><br />
<blockquote class="twitter-tweet" data-lang="es">
<div dir="ltr" lang="es">
Microrrelato de la pintura figurativa del siglo XX concretamente del Surrealismo.<a href="https://twitter.com/hashtag/algargosarte?src=hash&ref_src=twsrc%5Etfw">#algargosarte</a> <a href="https://twitter.com/hashtag/Surrealismo?src=hash&ref_src=twsrc%5Etfw">#Surrealismo</a> <a href="https://t.co/EkYKgc7Lwe">pic.twitter.com/EkYKgc7Lwe</a></div>
— SARA (@sarasouaf) <a href="https://twitter.com/sarasouaf/status/989577388899143680?ref_src=twsrc%5Etfw">26 de abril de 2018</a></blockquote>
<script async="" charset="utf-8" src="https://platform.twitter.com/widgets.js"></script>
<b><span style="font-size: large;">Claudia . Dalí</span></b><br />
<blockquote class="twitter-tweet" data-lang="es">
<div dir="ltr" lang="es">
Microrrelato del Surrealismo y Salvador Dalí (1904-1989). Dicha corriente consiste en representar los fenómenos del subconsciente que escapan de la razón. <a href="https://twitter.com/hashtag/SalvadorDal%C3%AD?src=hash&ref_src=twsrc%5Etfw">#SalvadorDalí</a> <a href="https://twitter.com/hashtag/Surrealismo?src=hash&ref_src=twsrc%5Etfw">#Surrealismo</a> <a href="https://twitter.com/hashtag/Algargosarte?src=hash&ref_src=twsrc%5Etfw">#Algargosarte</a> <a href="https://t.co/eomfrJ8Sj7">pic.twitter.com/eomfrJ8Sj7</a></div>
— Claudia Cantón (@CarjonaCanton) <a href="https://twitter.com/CarjonaCanton/status/993925299665620999?ref_src=twsrc%5Etfw">8 de mayo de 2018</a></blockquote>
<script async="" charset="utf-8" src="https://platform.twitter.com/widgets.js"></script>
<b><span style="font-size: large;">Inés. El Guernika de Picasso, proceso de creación.</span></b><br />
<blockquote class="twitter-tweet" data-lang="es">
<div dir="ltr" lang="es">
Microrrelato sobre la evolución del cuadro El Guernica de Picasso <a href="https://twitter.com/hashtag/ElGuernica?src=hash&ref_src=twsrc%5Etfw">#ElGuernica</a> <a href="https://twitter.com/hashtag/algargosarte?src=hash&ref_src=twsrc%5Etfw">#algargosarte</a> <br />
¿Cómo una idea puede convertirse en un icono mundial?<br />
Por Inés Bartolomé Viejo 2ºB Bach. <a href="https://t.co/ERxNQYPWA7">pic.twitter.com/ERxNQYPWA7</a></div>
— Inés Bartolomé (@AirliaZale) <a href="https://twitter.com/AirliaZale/status/993975010116108288?ref_src=twsrc%5Etfw">8 de mayo de 2018</a></blockquote>
<span style="font-size: large;"><b>Alba. Action Painting y Jackson Pollock</b></span><br />
<blockquote class="twitter-tweet" data-lang="es">
<div dir="ltr" lang="es">
Microrrelato de la pintura figurativa del siglo XX y XIX concretamente del Action Painting 🖌️ <a href="https://twitter.com/hashtag/algargosarte?src=hash&ref_src=twsrc%5Etfw">#algargosarte</a> <a href="https://t.co/cZ3krz2nLB">pic.twitter.com/cZ3krz2nLB</a></div>
— ألبا❤ (@Albita_manzano) <a href="https://twitter.com/Albita_manzano/status/989244406711705600?ref_src=twsrc%5Etfw">25 de abril de 2018</a></blockquote>
<script async="" charset="utf-8" src="https://platform.twitter.com/widgets.js"></script><b><span style="font-size: large;">
Paula. Pop Art y Andy Warhol
</span></b>
<br />
<blockquote class="twitter-tweet" data-lang="es">
<div dir="ltr" lang="es">
MICRORELATO SOBRE ANDY WARHOL Y EL POP ART. Andy Warhol es un artista norteamericano (1928-1987) cuya producción es crucial para el nacimiento del Pop Art, moviendo que surge a mediados del siglo XX. <a href="https://twitter.com/hashtag/AndyWarhol?src=hash&ref_src=twsrc%5Etfw">#AndyWarhol</a> <a href="https://twitter.com/hashtag/PopArt?src=hash&ref_src=twsrc%5Etfw">#PopArt</a> <a href="https://twitter.com/hashtag/Algargosarte?src=hash&ref_src=twsrc%5Etfw">#Algargosarte</a> <a href="https://t.co/1tqNAyl6gN">pic.twitter.com/1tqNAyl6gN</a></div>
— P a u l a (@pauucolmenarejo) <a href="https://twitter.com/pauucolmenarejo/status/989576452596224000?ref_src=twsrc%5Etfw">26 de abril de 2018</a></blockquote>
<br />
<script async="" charset="utf-8" src="https://platform.twitter.com/widgets.js"></script>
Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-40123313787064271542018-04-30T00:27:00.000+02:002018-04-30T00:27:14.396+02:00VINCENT VAN GOCH Y EL JAPONISMOLa historia del arte se volvió un movimiento global a partir del siglo XIX, el siglo en el que Europa se abrió al mundo. La relación artística entre la vanguardia europea y Japón en el siglo XIX es uno de esos flujos interculturales. <b>Vincent van Gogh</b> (1853-1890) estuvo profundamente interesado por Japón. El Museo Van Gogh en Ámsterdam, en colaboración con tres museos japoneses, ha montado la exposición más completa hasta la fecha para explorar esa inspiración, "<b><i>Van Gogh & Japan</i></b>", que estará abierta hasta el 24 de junio de 2018.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7tilIyUaurk_3AxjmoEHCvCkSMSNsekauES9uMnQYJIEUMZjQyeFuqEm8TjYYqUH23jdgVXgPgV8jv4VVDnAv9c5dBQ7JKWvJOA1tcpwD0NYfs910d8bJnLoofdfjEJuqlhGSbzHGM81o/s1600/introduccion.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="967" data-original-width="1600" height="386" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7tilIyUaurk_3AxjmoEHCvCkSMSNsekauES9uMnQYJIEUMZjQyeFuqEm8TjYYqUH23jdgVXgPgV8jv4VVDnAv9c5dBQ7JKWvJOA1tcpwD0NYfs910d8bJnLoofdfjEJuqlhGSbzHGM81o/s640/introduccion.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
La exposición de Ámsterdam es más grande que una versión anterior que recorrió Tokio, Sapporo y Kyoto. Aquí se incluyen 60 obras, casi todas las pinturas más importantes de <b>Van Gogh</b>, que hacen referencia directa o indirecta al arte japonés. Además se exponen cerca de unos 50 grabados japoneses que desempeñaron un papel en el desarrollo del estilo distintivo de Van Gogh, así como laca japonesa y pergaminos pintados.<br />
<br />
En la misma se nos muestra, al principio, el inicio de <b>Van Gogh</b> como <u>coleccionista</u> de la moda japonesa, como mucho de sus contemporáneos. De ahí al <b>Van Gogh</b> <u>copista</u> que se interesa por descubrir y aprehender la esencia de los <a href="http://algargosarte.blogspot.com.es/2014/10/ukiyo-e-imagenes-de-un-mundo-flotante.html" target="_blank">grabados ukiyo-e</a> y escritos japoneses. Y luego, al <b>Van Gogh</b> que intenta asimilar <u>la ética o forma de vida del artista japonés</u> para intentar fundar una comunidad de artistas franceses de ideas afines. Y, por último, al <b>Van Gogh </b>que asimila los rasgos artísticos de la pintura japonesa para hacerlos suyos.<br />
<br />
<br />
<b><span style="color: blue;">Van Gogh, descubriendo el arte oriental</span></b><br />
<br />
Durante la segunda mitad del siglo XIX hubo en Europa una gran admiración por todo lo japonés. Inicialmente, a Vincent no le llamó la atención esta moda, ya que en los Países Bajos pocos artistas conocían nada del arte japonés. El gusto por el japonesismo sí que era una tendencia desde mediados de la década de los 60 en París. Maestros del grabado japonés del final del siglo XVIII y comienzos del siglo XIX como <b>Hokusai</b>, <b>Hiroshige y</b> <b>Utagawa Kuniyoshi </b>eran admirados y coleccionados por todos los que estaban a la última en Europa.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Utagawa Kunisada, El Cuarto Mes de la serie de trípticos 'Los Doce Meses', 1884.</span></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpWBOFGWPbduQEF7gzMnNbEYMU_BFiPngdiVMp1drElNMZFqTUJao9pRtRMY61B3U7iRF50c3JLt39wGD4csJunoVkxiUnkRYfkyz43btEJqGIqfCi883VsAkQqhyphenhyphenlVmMVJ33yZPbEztUE/s1600/Utagawa+Kunisada%252C+The+Fourth+MonthThe+First+Cuckoo%252C+from+the+triptych+series+The+Twelve+Months%252C+1884.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="480" data-original-width="1000" height="306" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpWBOFGWPbduQEF7gzMnNbEYMU_BFiPngdiVMp1drElNMZFqTUJao9pRtRMY61B3U7iRF50c3JLt39wGD4csJunoVkxiUnkRYfkyz43btEJqGIqfCi883VsAkQqhyphenhyphenlVmMVJ33yZPbEztUE/s640/Utagawa+Kunisada%252C+The+Fourth+MonthThe+First+Cuckoo%252C+from+the+triptych+series+The+Twelve+Months%252C+1884.png" width="640" /></a></div>
<br />
En el retrato de <b><a href="http://algargosarte.blogspot.com.es/2014/09/edouard-manet-1832-1883-etapas.html" target="_blank">Édouard Manet</a></b> de 1868 del novelista <b>Émile Zola</b>, una imagen de un luchador de <b>Utagawa Kuniaki II</b> colgaba en su estudio, mientras que un biombo asomaba parcialmente a su espalda. También Gran Bretaña se rindió al culto de este estilo cuando <b>Whistler</b> expuso pinturas como <b><i><span style="color: #990000;">Nocturne: Blue y Gold - Old Battersea Bridge</span></i></b> que estaban manifiestamente inspiradas en grabados japoneses.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4IjaaEVRAktn79BPVklyb1unqeGonqtGrcW1t2Q7dGVmDqkokXrIMkiYVsUF7jB3Prx94zskAvL5Z6f9BYO2MrlfCOQ0rRMjjeh-vPYycAohTXtJq-wveZQm-LDcHl4pxAVPLhp5VKd7Z/s1600/Captura+de+pantalla+completa+29042018+181859.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="933" data-original-width="1438" height="414" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4IjaaEVRAktn79BPVklyb1unqeGonqtGrcW1t2Q7dGVmDqkokXrIMkiYVsUF7jB3Prx94zskAvL5Z6f9BYO2MrlfCOQ0rRMjjeh-vPYycAohTXtJq-wveZQm-LDcHl4pxAVPLhp5VKd7Z/s640/Captura+de+pantalla+completa+29042018+181859.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both;">
En 1874, el mismo año en que surgió oficialmente el <b><span style="color: blue;"><a href="http://algargosarte.blogspot.com.es/2014/09/el-impresionismo-frances-precedentes.html" target="_blank">Impresionismo</a></span></b> con la pintura de <b><a href="http://algargosarte.blogspot.com.es/2014/09/claude-monet-1840-1926-caracteristicas.html" target="_blank">Claude Monet</a></b>, <i><b><span style="color: #990000;">Impresión, Sol Naciente</span></b></i>, el coleccionista y crítico francés <b>Philippe Burty</b> acuñó el término Japonisme, que se traduce como japonismo. <b><a href="http://algargosarte.blogspot.com.es/2014/09/claude-monet-1840-1926-caracteristicas.html" target="_blank">Claude Monet</a></b>, por ejemplo, había amasado una impresionante colección de grabados en madera, la mayoría de los cuales aún cuelga en su casa de Giverny hoy. En su locura por lo japonés llegó a pintar a su mujer con quimono y rodeada de abanicos como una <i>geisha</i> en 1876. Casi todos <a href="http://algargosarte.blogspot.com.es/2014/09/el-impresionismo-frances-precedentes.html" target="_blank">los impresionistas</a> se sintieron muy influidos por esta moda.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBuXujOJpCcgUajAroVpprAmWhawHWiNn5Fg_mN2BDlAoyyWlxqb43oHOqYo1JdKo1Y-Os-kwyDvUJfCqFAdtPgd_iBDS-X4toqi_qPtig1VlhdcsrXkulOAle2gM9UlUxCtxkibtRFPaj/s1600/monet.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="738" data-original-width="904" height="522" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBuXujOJpCcgUajAroVpprAmWhawHWiNn5Fg_mN2BDlAoyyWlxqb43oHOqYo1JdKo1Y-Os-kwyDvUJfCqFAdtPgd_iBDS-X4toqi_qPtig1VlhdcsrXkulOAle2gM9UlUxCtxkibtRFPaj/s640/monet.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
Y es que el arte japonés había estado oculto a los occidentales durante muchos años por el cierre de fronteras decretado por sus dirigentes. Cuando Japón se abrió al mundo a partir de 1859, el arte<br />
y los artículos para el hogar japoneses inundaron Europa. Fue, sobre todo, en la Feria Mundial de Londres en 1862 y París en 1867 cuando el arte y los artículos para el hogar japoneses como kimonos, abanicos, sombrillas, laca y pantallas se convirtieron en una locura entre el público europeo.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">El stand japonés en la Feria Mundial de Londres, 1862.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOy4rN8p93xn_CLVUR1ZIVYBN2jAr4PyvUYfbSIFOYIfRPvos0plwUmko8MlwgYYYKopqh_0mV32Q2bkQjCbkYfRUcjd2Q-BfRDDv30p8Tk8_m1cJDhd_3onYNTMC5_YhgSpUxHBt989dT/s1600/El+stand+japon%25C3%25A9s+en+la+Feria+Mundial+de+Londres%252C+1862.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="698" data-original-width="1000" height="446" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOy4rN8p93xn_CLVUR1ZIVYBN2jAr4PyvUYfbSIFOYIfRPvos0plwUmko8MlwgYYYKopqh_0mV32Q2bkQjCbkYfRUcjd2Q-BfRDDv30p8Tk8_m1cJDhd_3onYNTMC5_YhgSpUxHBt989dT/s640/El+stand+japon%25C3%25A9s+en+la+Feria+Mundial+de+Londres%252C+1862.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
Los grabados fueron un éxito instantáneo entre los artistas occidentales, ya que diferían significativamente de lo que era habitual en Occidente. Los hacían especialmente atractivos por sus colores brillantes y exóticos eran. También era de admiración la concepción japonesa del espacio que ofrecía nuevos puntos de vista para el trabajo de los artistas occidentales.<br />
<br />
<span style="color: #990000;"><b>Portada de la revista Le Japon artistique Diciembre de 1889. Edición francesa. </b></span><b><span style="color: #990000;">Las curiosidades orientales fueron vendidas por vendedores de arte como el legendario Siegfried Bing en París. Bing publicó una revista entre mayo de 1888 y abril de 1891 dedicada al arte oriental y otros productos: Le Japon artistique. Vincent fue uno de sus lectores.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsHJ-vMc7VWXl5Y8cj4O8is3onMFklUu3AXPCz90GXq8NsxFRy5EZaK7K08zXfRSVl1TeuvvQAokrv8TNEd-pyh6aaD_uw7Ew6OwB8wySbKyTDQiy1cqxI-vLAic79Xhj4Kn3Ok5ha4pKa/s1600/Le_Japon_artistique_d%25C3%25A9cembre_1889.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1001" data-original-width="742" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsHJ-vMc7VWXl5Y8cj4O8is3onMFklUu3AXPCz90GXq8NsxFRy5EZaK7K08zXfRSVl1TeuvvQAokrv8TNEd-pyh6aaD_uw7Ew6OwB8wySbKyTDQiy1cqxI-vLAic79Xhj4Kn3Ok5ha4pKa/s870/Le_Japon_artistique_d%25C3%25A9cembre_1889.jpg" /></a></div>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<br />
<br />
<b>Van Gogh</b> se encontró por primera vez con estampas japonesas en 1885 mientras trabajaba en la ciudad porteña belga de Amberes, cuyos muelles, según dijo, rebosaban de mercancías japonesas: eran "fantásticos, singulares, extraños", escribió. Vincent compró su primera colección de xilografías japonesas y las fijó a la pared de su habitación. Así lo describió a su hermano Theo el 28 de noviembre de 1885: "Mi estudio es bastante tolerable, principalmente porque he fijado un conjunto de grabados japoneses en las paredes que encuentro muy divertidos. Ya sabes, esas pequeñas figuras femeninas en jardines o en la costa, jinetes, flores, ramas retorcidas y espinosas". Unos meses después, el pintor se mudó a la casa de su hermano en París y juntos crearon una importante colección de grabados japoneses comprándoselos al marchante de arte alemán <b>Siegfried Bing</b>, que vendía obras de arte japonesas y objetos decorativos. Éste tenía un ático lleno de grabados japoneses a precios muy razonables (sólo unos centavos la pieza) por lo que compró cerca de 660 con la intención inicial de revenderlos.<br />
<br />
<span style="color: #990000;"><b>Vincent Van Gogh. Tres novelas anverso y reverso, enero-febrero de 1887. Óleo sobre madera, 31.1 cm x 48.5 cm. Museo Van Gogh, Ámsterdam (Fundación Vincent van Gogh). </b></span><b><span style="color: #990000;">Vincent pintó Tres novelas en la parte posterior de la tapa de una caja de madera de la empresa comercial Kiryu Kosho Kaisha. La firma vendió obras de arte japonesas y otros productos en el mercado europeo. Sabemos con certeza que Vincent compró grabados al marchante de arte Bing, pero la tapa sugiere que también visitó a este proveedor.</span></b><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4cD2ccGsa26iIax1Qlje4ChdGTLYqN3Ds88EDDnAWWVslj4eCTdeZAU8WtPPHqrMLqZUdwGrz_9LNSQAPdXsoJfxD2jeJsn3QHdhGmNC8FqpYZCr64rX-65a1nqN-H6EGqq92HMtBWGfb/s1600/La+parte+anterior+de+la+pintura+Tres+novelas%252C+enero+febrero+1887.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4cD2ccGsa26iIax1Qlje4ChdGTLYqN3Ds88EDDnAWWVslj4eCTdeZAU8WtPPHqrMLqZUdwGrz_9LNSQAPdXsoJfxD2jeJsn3QHdhGmNC8FqpYZCr64rX-65a1nqN-H6EGqq92HMtBWGfb/s640/La+parte+anterior+de+la+pintura+Tres+novelas%252C+enero+febrero+1887.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlOd01ZvK9x4pThtXdnkp_42v5S4-8WHZh842ddRwUCuvsIMKbZM1owSmfqVsJioB9j8L2bzCVo-YZ2XdDi_8wM5LdJLRG6NkA5WxUXk3LRlc6xKfI4M6rZ89lk7SEq_DLHN7L6vjObd2d/s1600/La+parte+posterior+de+la+pintura+Tres+novelas%252C+1887.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="518" data-original-width="762" height="434" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlOd01ZvK9x4pThtXdnkp_42v5S4-8WHZh842ddRwUCuvsIMKbZM1owSmfqVsJioB9j8L2bzCVo-YZ2XdDi_8wM5LdJLRG6NkA5WxUXk3LRlc6xKfI4M6rZ89lk7SEq_DLHN7L6vjObd2d/s640/La+parte+posterior+de+la+pintura+Tres+novelas%252C+1887.jpg" width="640" /></a></div>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>Pronto comenzó a ver los grabados como algo más que una curiosidad agradable, los tuvo en cuenta como un ejemplo artístico y pensó que eran iguales a las grandes obras maestras de la historia del arte occidental. Este cambio de actitud podría haber sido impulsado por amigos artistas como el pintor francés <b>Henri de Toulouse-Lautrec</b>, que fue un ávido coleccionista de objetos japoneses.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipKQT0_lAj11J-lzVXUtG6uLIiXRPPGzXpiabX52Z8ciUgeRbsEBz6hIABdv0I_7Ptcg9HfwHD0Avy0fyklu8k6r6uEtdu-WpxOfWdMYUu0dXQsiE-Ri2dcgQeZyHDSfdXe3a-ro03rhYs/s1600/Maurice+Guibert%252C+photograph+of+Henri+de+Toulouse-Lautrec+in+Japanese+costume%252C+c.+1890.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="698" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipKQT0_lAj11J-lzVXUtG6uLIiXRPPGzXpiabX52Z8ciUgeRbsEBz6hIABdv0I_7Ptcg9HfwHD0Avy0fyklu8k6r6uEtdu-WpxOfWdMYUu0dXQsiE-Ri2dcgQeZyHDSfdXe3a-ro03rhYs/s640/Maurice+Guibert%252C+photograph+of+Henri+de+Toulouse-Lautrec+in+Japanese+costume%252C+c.+1890.jpg" width="496" /></a></div>
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En 1887, durante su segundo año en París, Vincent organizó una exposición de sus grabados japoneses en Le Tambourin. La dueña de este café-restaurante era su entonces amante, <b>Agostina Segatori</b>. Allí la pintó con sus propios grabados en el fondo. Vincent esperaba venderlos, pero hasta donde sabemos, no hubo compradores. No sabemos exactamente cuán grande era la colección de grabados de Vincent en ese momento, aunque él dice en sus cartas que eran cientos. Como no las vendió se aferró a ellas y decidió utilizarlos para decorar las paredes de su estudio y utilizarlos como inspiración. Cerca de 500 sobreviven, y ahora son parte de la colección permanente del Museo Van Gogh.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Vincent van Gogh. En el Café: Agostina Segatori en Le Tambourin, París, enero-marzo de 1887. Óleo sobre lienzo, 55.5 cm x 47 cm. Museo Van Gogh, Ámsterdam (Fundación Vincent van Gogh).</span></b><br />
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<span style="color: #990000;"><b>Vincent van Gogh, Retrato de Julien Tanguy, 1887. Óleo sobre lienzo, 75 cm × 92 cm. Museo Rodin, París. </b></span><b><span style="color: #990000;">Vincent pintó este retrato del proveedor de pinturas y marchante de arte Père Tanguy sobre un fondo de grabados japoneses. Probablemente pertenecían a su propia colección y fue pintado en su propio estudio. La mayoría de los grabados de la pintura se pueden identificar fácilmente. </span></b><span style="color: #990000;"><b>En la parte superior del sombrero de Tanguy esta el Monte Fuji; Actores de Kabuki comparten la pared con los cerezos en flor. </b></span><br />
<span style="color: #990000;"><b><br /></b></span>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixdYr_G-Zxronc4CiO5FUYjoaHA5udHU-1fgCpj0zVRtFmbq8YCGeoJ-MYsCNFFZ6QSBm24M-fObkvXkVQ9NavWyupQXZMZZh-CW69OEmGVD7XoAoExJZJW0Gx13FZl6-fl91-FmA34P5R/s1600/Vincent+van+Gogh%252C+Retrato+de+Julien+Tanguy%252C+1887%252C+Museo+Rodin%252C+Par%25C3%25ADs.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="795" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixdYr_G-Zxronc4CiO5FUYjoaHA5udHU-1fgCpj0zVRtFmbq8YCGeoJ-MYsCNFFZ6QSBm24M-fObkvXkVQ9NavWyupQXZMZZh-CW69OEmGVD7XoAoExJZJW0Gx13FZl6-fl91-FmA34P5R/s800/Vincent+van+Gogh%252C+Retrato+de+Julien+Tanguy%252C+1887%252C+Museo+Rodin%252C+Par%25C3%25ADs.jpg" /></a></div>
<span style="color: #990000;"><b><br /></b></span>
<span style="color: #990000;"><b>Los tres grabados reconocidos. De Utagawa Kunisada, Actor en el papel de la cortesana Takao de la Casa Miura, de una serie sin título de actores con un poema, 1861. De </b></span><span style="color: #990000;"><b>Utagawa Hiroshige, Ishiyakushi: El cerezo Yoshitsune cerca del Santuario Noriyori, no. 45 de la serie Colección de ilustraciones de lugares famosos cerca de las Cincuenta y tres estaciones [A lo largo del Tōkaidō], 1855. Y del mismo </b></span><b style="color: #990000;">Utagawa Hiroshige, El río Sagami, de la serie Treinta y seis vistas del Monte Fuji, 1858.</b><br />
<span style="color: #990000;"><b><br /></b></span>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrQyZfyPKaKY-61moQ2-Jit1b2ARqRlgNsvToqKxePQbA0c1ipwWkiZuyc2Wqzw-krPEfpu7iv4G70gkNky4SOhGaDvUO6cYqc9M3fjNGZVZnGwq_b_MMa98sy3XbTe4kj3gfpoeypXMMc/s1600/Captura+de+pantalla+completa+29042018+11630.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="694" data-original-width="1435" height="309" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrQyZfyPKaKY-61moQ2-Jit1b2ARqRlgNsvToqKxePQbA0c1ipwWkiZuyc2Wqzw-krPEfpu7iv4G70gkNky4SOhGaDvUO6cYqc9M3fjNGZVZnGwq_b_MMa98sy3XbTe4kj3gfpoeypXMMc/s640/Captura+de+pantalla+completa+29042018+11630.jpg" width="640" /></a><br />
<br />
<b><span style="color: blue;">Van Gogh, asimilando las características artísticas. El efecto espacial y el color.</span></b><br />
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
Los artistas japoneses a menudo dejaban vacío el campo medio de sus composiciones, mientras que los objetos en primer plano a veces se ampliaban. También excluían regularmente el horizonte, o recortaban bruscamente los elementos de la imagen en el borde. Los artistas occidentales aprendieron de todo esto que no siempre tenían que componer sus obras de arte de una manera tradicional.<br />
<br />
<b>Van Gogh</b> pintó varias copias de grabados japoneses para explorar el estilo y el uso del color de los grabadores japoneses.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Vincent van Gogh. Cortesana, París, octubre-noviembre de 1887. Óleo sobre lienzo, 100.7 cm x 60.7 cm. Museo Van Gogh, Amsterdam (Fundación Vincent van Gogh). Van Gogh basó esta pintura en un grabado en madera del artista japonés Kesai Eisen, famosos por sus retratos de mujeres. La impresión había sido reproducida en la <a href="https://photos.app.goo.gl/cswymqugR22Ykbbk9" target="_blank">portada de la revista Paris illustré en 1886</a> (pinchando sobre el enlace). Usó colores brillantes y contornos audaces, como si se tratara de un grabado en madera. Podemos decir que la mujer es una cortesana por su peinado y el cinturón (obi) que lleva, que está atado en la parte delantera de su kimono en lugar de en la parte posterior. Van Gogh la enmarcó con un estanque lleno de nenúfares, tallos de bambú, grullas y ranas. Esta escena tiene un significado oculto: grue (grúa) y grenouille (rana) fueron palabras en argot francés para 'prostituta'.</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrludSKKhNg0xAyzWpkbP87YnTweyX3vaNl_T6yivm9zAM7d9O_d69nWt08yTcnJYra0GExbDqxBnolefJBdv4QcO7XglbKGdmpqFmSlw-eCdk5zwOLVdjs2O6ZGo1wehGXcKXRoTMXWvo/s1600/Captura+de+pantalla+completa+29042018+185042.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="766" data-original-width="960" height="510" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrludSKKhNg0xAyzWpkbP87YnTweyX3vaNl_T6yivm9zAM7d9O_d69nWt08yTcnJYra0GExbDqxBnolefJBdv4QcO7XglbKGdmpqFmSlw-eCdk5zwOLVdjs2O6ZGo1wehGXcKXRoTMXWvo/s640/Captura+de+pantalla+completa+29042018+185042.jpg" width="640" /></a></div>
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<b><span style="color: #990000;">Vincent Van Gogh. Puente bajo la lluvia (después de Hiroshige), París, octubre-noviembre de 1887. Óleo sobre lienzo, 73,3 cm x 53,8 cm. Museo Van Gogh, Amsterdam (Fundación Vincent van Gogh). Basó esta pintura de un puente en la lluvia en una impresión del famoso artista <a href="https://lh3.googleusercontent.com/qk1MUVwMOb9UFaj00MTFfXCCED39zxu7xCNDwLLszZExaHfCUhWHgsy312yZOEcyKI4CpYGriZPmivnleuFnFw2fbijakpNIkLeyFJoF96bb19yvuIWd1uFYuHJsFMMKPTTqltB-FrPhYrdJaMWSgDOvrPU09MHV_Eg-VglfMuO7y9LOMAUGDfYU6d3np719ybHJmCbPIPqi3HzcxFsrkalecIjT8jQy5jY5EVeUTp9FIwGqjgq1-RtI2vCJRhlx2sbXpkpgL6jZk9X38sQAJglAYV1zo9gQsvycWSThfhecSiGzqswBGWq7ZIjEaWb-EZFNL5Dfx8X016cHXwgglW_IDy6RGEV0Aj6jgTIumG2im67dzYX0rc9kR4NSBsbLvjhJnXV1Urq4ivILyCBMf-WuS5QU5UyQBT0hKDmND6VchHhnMiqhUZ2e8LgW2_68bjcF2AhrY9fntvMfSihdySexppINGy0Oz3QJyEYA-ziweo8tQY6cn3BB1HhDWnlvpeCjomNy3wdQPHMGJh8gEe6Byy6PwUVH60_um7031UffknFLP8CrEvA4rCG_2hHsTHH7MZ3hwF_vWj2v7bGbnW0phPTjyU0No2xLtjCQ=w585-h900-no" target="_blank">Utagawa Hiroshige</a> de 1857(se puede ver pinchando en el enlace). Sin embargo, Van Gogh hizo los colores más intensos que en el original. Pintó este trabajo en un lienzo de tamaño estándar. Quería mantener las proporciones de la impresión original y dejó un borde, que rellenó con caracteres japoneses copiados de otras impresiones. </span></b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNcUv8oMb8O5EBgV9F4sNfBWPgysZFEGDqIgDZHTa9ORsr4RJJaIJq0-30r-xrEUyyktd0efMPumpyKsbLWipvtmYZ3S2RMNb4wfxffUm2bc4ND0fTgOPl6Hhfy2lnMLunAO3AsXh__9mQ/s1600/Bridge+in+the+Rain+%2528after+Hiroshige%2529+1887.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1395" data-original-width="1015" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNcUv8oMb8O5EBgV9F4sNfBWPgysZFEGDqIgDZHTa9ORsr4RJJaIJq0-30r-xrEUyyktd0efMPumpyKsbLWipvtmYZ3S2RMNb4wfxffUm2bc4ND0fTgOPl6Hhfy2lnMLunAO3AsXh__9mQ/s880/Bridge+in+the+Rain+%2528after+Hiroshige%2529+1887.jpg" /></a></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVZB2yTVWGFRZBWLsjDolj5ahAkGktPOg_jpJZrnmAxmLl9EsOA-uZ54rpXL38GNuuizDyvP40x2mODfC7aA2BVrtZNLdiMKUFFIWABkfUdH7uUa4UrC0G7LTGBB0ahuB9HREH0XSG_qa1/s1600/Captura+de+pantalla+completa+29042018+183455.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1035" data-original-width="1439" height="460" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVZB2yTVWGFRZBWLsjDolj5ahAkGktPOg_jpJZrnmAxmLl9EsOA-uZ54rpXL38GNuuizDyvP40x2mODfC7aA2BVrtZNLdiMKUFFIWABkfUdH7uUa4UrC0G7LTGBB0ahuB9HREH0XSG_qa1/s640/Captura+de+pantalla+completa+29042018+183455.jpg" width="640" /></a></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifyOlsl_7i55IX_w9CLxNnLAeiEnxzOHeeOLliAox3xY44EVS6GI1hKrhIUVKC6TxjmgHnqEahEO20yOiwyGt7Rrd3VEYaSIz6dXsoLvFYFp9ZKji5HvVjSKS3ZqDlT0QmVlucQUUZSYB3/s1600/Bridge+in+the+Rain+%2528after+Hiroshige%2529+1887+detalle.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="756" data-original-width="1269" height="380" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifyOlsl_7i55IX_w9CLxNnLAeiEnxzOHeeOLliAox3xY44EVS6GI1hKrhIUVKC6TxjmgHnqEahEO20yOiwyGt7Rrd3VEYaSIz6dXsoLvFYFp9ZKji5HvVjSKS3ZqDlT0QmVlucQUUZSYB3/s640/Bridge+in+the+Rain+%2528after+Hiroshige%2529+1887+detalle.jpg" width="640" /></a></div>
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Incluso cuando está copiando servilmente el arte japonés, <b>Van Gogh</b> no se parece en nada a un artista japonés. Cada impulso del pincel del holandés agrega algo propio. Transforma el cielo liso y melancólico en un grupo nublado de pinceladas. Una mancha azul-agrisada del agua de <b>Hiroshige</b> se convierte, pintada por <b>Van Gogh</b>, en un mar de colores intensos y matices. Las líneas negras de lluvia que forman una fría cortina en la imagen de <b>Hiroshige</b> son, según la visión de <b>Van Gogh</b>, violentas cuchilladas azules sobre el puente amarillo.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Vincent van Gogh. Floración de ciruelo, París, octubre-noviembre de 1887. Óleo sobre lienzo, 55,6 cm x 46,8 cm. Museo Van Gogh, Amsterdam (Fundación Vincent van Gogh). Ésta copia se basa en el <a href="https://lh3.googleusercontent.com/M5JlnzvzcNQswNubpb6whmUkTlBfPL2rte5NDVei6DsBkdZM386S6Dy72MzoVFCl2aUtFri4ostquk46wq5au1VWDzxBkZdEhEJx7NiR3dmMSjq5ODNNKwxZtHLoV2mZtRF_lnGHsmsAWGjV3cq-ElCCpHo3ezP8SHkRN_YElQG7EBiYvTQn3qOZoLRPulWjhxAuQFXjTd_GEVCU5xlB9C9qgR1uhR7MOq8DZq0-IroP3ySdgSXyq6w6BEccoJjk3OYnu27WfJDeZm5nVDv7eElox8rV1XEOCgefZe8KIVmyBgK94rz4u1f60C6eww1PVC0wyhBG6_YiDNEmbqz1ypF0cWkq_1CPHXftX-z1vaAZpeoixerEa6xFZZETjDzyAM4epWfaRBYqOsHcDHTEFSkOnOFcbS-_8vb4CpLG1o42atChAWuFlE8eq8nNRCKNhSz7QjA4YgJX4B5MM_xYGqHmOn0nOd8l16HWWbG6E57Qlp-SzlB2cCYBus0qx6j7TDh51dcZvbIJXXxaWr5Md0HeO8OoqNM6HGLf6ytOvVHjneiw3iDi9vdjUrCtOs41MtRK6_TBl0R_tMtWRL6U-7-6NgtSfQcLV2RGtQ3q=w597-h900-no" target="_blank">Ciruelo de Utagawa Hiroshige en Kameido</a></span></b><b><span style="color: #990000;">(se puede ver pinchando en el enlace).</span></b><b><span style="color: #990000;"> Van Gogh reprodujo con precisión la composición pero hizo que los colores fueran mucho más intensos. Reemplazó el negro y el gris del tronco del árbol de Hiroshige con tonos rojos y azules. También agregó los dos bordes naranja con caracteres japoneses para un efecto decorativo y exótico.En este ejemplo, le dio a la imagen del huerto de ciruelos un marco naranja sobre el cual colocó caracteres japoneses. Los tomó prestados de otro grabado en madera para hacer su trabajo aún más exótico.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKcw7Nu4lrVklWcM6ZsMYwiUBY18nPW9chXih8A64030wqK1tBBcdVmIEbm7MzkQgYzCQ83zijBWk3bKV5-5iol1ZLKHhmhbBRtSpHYe6Sj5WlQwzZ2EwhjG3fTpz3SIHXyl0ExdcHrzVh/s1600/Vincent+van+Gogh%252C+Flowering+Plum+Orchard+%2528after+Hiroshige%2529%252C+1887.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1342" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKcw7Nu4lrVklWcM6ZsMYwiUBY18nPW9chXih8A64030wqK1tBBcdVmIEbm7MzkQgYzCQ83zijBWk3bKV5-5iol1ZLKHhmhbBRtSpHYe6Sj5WlQwzZ2EwhjG3fTpz3SIHXyl0ExdcHrzVh/s760/Vincent+van+Gogh%252C+Flowering+Plum+Orchard+%2528after+Hiroshige%2529%252C+1887.jpg" /></a></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsktpA0VP14uU6jVv9qnKAOmUaB6cSNLxsFNSM2-fJyFPmLAm-RS2e-Qj63XLpju4OgaxyYe5Y9foVWMtlH4OsRMc68j7l6VNuqfwzVMKOyZq17XL55g6aqnKprMscp46s6Amvhif7DlhA/s1600/4490.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1070" data-original-width="1600" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsktpA0VP14uU6jVv9qnKAOmUaB6cSNLxsFNSM2-fJyFPmLAm-RS2e-Qj63XLpju4OgaxyYe5Y9foVWMtlH4OsRMc68j7l6VNuqfwzVMKOyZq17XL55g6aqnKprMscp46s6Amvhif7DlhA/s640/4490.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
Vincent adoptó estos inventos visuales japoneses en su propio trabajo. Le gustaban los efectos espaciales inusuales, las extensiones de colores fuertes, los objetos cotidianos y la atención a los detalles de la naturaleza. Y, por supuesto, la atmósfera exótica y alegre.<br />
<br />
<span style="color: #990000;"><b style="color: #990000;">Vincent van Gogh, Martín pescador por la orilla del mar, 1887 y </b><b style="color: #990000;">Utagawa Hiroshige III, Jacinto de agua, andarríos y martín pescador, del álbum Nueva selección de pájaros y flores, 1871 - 1873. </b><b>Vincent tomó la composición de esta pequeña pintura de una ilustración en un libro japonés de grabados. Se olvida del horizonte. </b></span><br />
<b style="color: #990000;"><br /></b>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhr7HjnTE9U4lmJIcya-_hfMPXTGZECC5JJf1s4nf0pnVxUhBALpRQMyFMEDWanLPscvReEbOfqnrbGuZDb1dleqfCNNvd-RgY2EfPcnjnELQEVgMqM-wy8-OBT0n83BxETwxwxZPTrqGyl/s1600/Captura+de+pantalla+completa+29042018+20101.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="873" data-original-width="1430" height="390" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhr7HjnTE9U4lmJIcya-_hfMPXTGZECC5JJf1s4nf0pnVxUhBALpRQMyFMEDWanLPscvReEbOfqnrbGuZDb1dleqfCNNvd-RgY2EfPcnjnELQEVgMqM-wy8-OBT0n83BxETwxwxZPTrqGyl/s640/Captura+de+pantalla+completa+29042018+20101.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<span style="color: blue;"><b><br /></b></span>
En París, <b>Van Gogh</b> hizo algo más que simplemente copiar grabados japoneses. Fue influenciado en parte por su amigo artista <b>Émile Bernard</b>. Ese año 1887, este joven pintor, influido por los vitrales medievales y la estampa japonesa, estaba desarrollando una técnica que denominó <b><i><span style="color: blue;">Cloisonismo</span></i></b> (“cloisonner”). Esta consiste en aplicar el color por zonas bien delimitadas por un trazo grueso generalmente negro. Esto deriva en figuras sencillas y planas en la que la perspectiva no importa. Los colores además debían ser decididamente opuestos, creando fuertes contrastes que hicieran vibrar la tela, volviéndola decididamente expresiva. Inspirado por <b>Bernard</b>, <b>Van Gogh</b> comenzó a suprimir la ilusión de profundidad a favor de una superficie plana, pero la combinó esta búsqueda con su característica pincelada de remolinos.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Vincent van Gogh. La Berceuse (Retrato de Madame Roulin), 1889. Óleo sobre lienzo, 92,7 x 73,7 cm. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York (Colección Walter H. y Leonore Annenberg). Este retrato se relaciona con los grabados</span></b><span style="color: #990000;"><b> japoneses de Toyohara Kunichika. Van Gogh se inspiró en las estampas japonesas que utilizaban flores como telón de fondo.</b></span><br />
<span style="color: #990000;"><br /></span>
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<span style="color: #990000;"><br /></span>
<b style="color: #990000;"><br /></b><b><span style="color: blue;">Van Gogh, intentando vivir según la ética y la mirada de Japón en el sur de Francia.</span></b><br />
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
Después de dos años en París, <b>Van Gogh</b> dejó atrás el bullicio de París en febrero de 1888. Partió hacia Arles, en el sur de Francia donde esperaba encontrar la paz espiritual que necesitaba y "la claridad de la atmósfera y los efectos de color" de los grabados orientales. Le escribió a su amigo <b>Gauguin</b>, que también estaba fascinado con los ejemplos japoneses, que en su viaje miraba por la ventanilla del tren para ver si todo era como Japón.<br />
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<b style="color: #990000;">Vincent Van Gogh. C</b><span style="color: #990000;"><b>ampo con flores cerca de Arles (1888). Museo Van Gogh Amsterdam</b></span><b style="color: #990000;">.</b><br />
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Los dos creían que los artistas deberían trasladarse a regiones más meridionales y primitivas, en busca de colores vibrantes. Durante al menos un año, <b>van Gogh </b>vivió en Provenza en una especie de sueño japonés. No fue una ilusión, sino más bien una proyección imaginativa de una visión idealizada de Japón en el paisaje francés.<br />
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<span style="color: #990000;"><b>Vincent Van Gogh. Almendros en flor, Saint-Rémy-de-Provence, febrero de 1890. Óleo sobre lienzo, 73,3 cm x 92,4 cm. Museo Van Gogh, Amsterdam. </b></span><b><span style="color: #990000;">Vincent pintó estas flores de primavera para su sobrino recién nacido. Se inspiró en el tema del grabado japonés, como podemos observar en la posición de la rama grande en el medio del plano pictórico. Alzó la vista y acercó el zoom al mismo tiempo.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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Vincent dejó su colección de grabados en París con su hermano Theo. Ya no la necesitaba. Y, poco a poco, comenzó a incorporar en su estilo las lecciones de <a href="http://algargosarte.blogspot.com.es/2014/10/ukiyo-e-imagenes-de-un-mundo-flotante.html" target="_blank">ukiyo-e</a>, sus audaces contornos y campos de color, perspectivas truncadas y figuras sin sombras. Tres meses después de establecerse en Arles, le dijo a Theo que había comenzado a "ver con ojos japoneses". Sabía que, como en los grabados japoneses, había que representar composiciones con un horizonte bajo o sin referencia al mismo. Y, en cuanto a los temas que debía fijarse en la naturaleza y captar sus detalles aparentemente insignificantes como flores e insectos. Le decía a su hermano en la carta del 9 al 14 de septiembre de 1888: "Siempre me digo a mí mismo que aquí estoy en Japón. El resultado es que solo tengo que abrir los ojos y pintar justo lo que me impresiona que me encuentro en frente de mí".<br />
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<b><span style="color: #990000;">Vincent van Gogh. Mariposas y amapolas, Saint-Rémy-de-Provence, mayo-junio de 1889. Óleo sobre lienzo, 35 cm x 25,5 cm. Museo Van Gogh, Amsterdam. Cuando Van Gogh hizo esta pintura, comenzó con las flores y las mariposas y luego llenó el fondo azul. Esto queda claro por el hecho de que los trazos anchos de pintura azul de vez en cuando cubren los tallos verdes de las flores. Van Gogh incluso dejó una parte del lienzo sin pintar, con la tela desnuda visible. Utilizando varios tonos de verde, le dio profundidad a la maraña de tallos, hojas y pétalos. Van Gogh capturó hábilmente el espíritu de las delicadas amapolas. Algunos de los brotes están a punto de reventar.</span></b><br />
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<span style="color: #990000;"><b>Vincent Van Gogh. La habitación, Arlés, octubre de 1888. Óleo sobre lienzo, 72.4 cm x 91.3 cm. Museo Van Gogh, Amsterdam. Van Gogh hizo esta pintura de su dormitorio </b></span><b style="color: #990000;">en Arlés</b><span style="color: #990000;"><b>. Él mismo adecuó la habitación con muebles simples y la decoró con su propio trabajo colgado en la pared. Los colores brillantes estaban destinados a expresar absoluto 'reposo' o 'sueño'. Las reglas de la perspectiva parecen no haber sido aplicadas con precisión en toda la pintura, aunque e</b></span><b style="color: #990000;">l ángulo aparentemente extraño de la pared trasera no es un error de Van Gogh, sino que la esquina estaba realmente sesgada. </b><b><span style="color: #990000;">También excluyó todas las sombras. </span></b><span style="color: #990000;"><b>Vincent le dijo a Theo en una carta que había "aplanado" deliberadamente el interior y había dejado fuera las sombras para que su imagen se pareciera a un grabado japonés. Van Gogh estaba muy contento con la pintura: "Cuando volví a ver mis lienzos después de mi enfermedad, lo que a mí me pareció mejor fue el dormitorio". </b></span><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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También intentó trabajar de manera espontánea y hábil en sus propios dibujos. "Los japoneses dibujan rápidamente, muy rápido, como un relámpago, porque sus nervios son más finos, su sensación más simple", escribió Vincent a Theo. Sus dibujos son frescos y de estilo espectacular, con una amplia variedad de líneas onduladas, puntos y rayas.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Vincent van Gogh, granja en un Wheatfield. Arles, abril de 1888. Lápiz, bolígrafo y pluma de caña y tinta, sobre papel, 25.8 cm x 34.9 cm. Museo Van Gogh, Amsterdam.</span></b><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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Su interés en el arte japonés fue más allá de los problemas fríos de la estética y leía sobre la mística japonesa. De ahí le vino la idea de que los artistas japoneses intercambiaban trabajo entre ellos y, por ello, sugirió a <b>Gauguin</b> y a <b>Bernard</b> que hicieran lo mismo. En concreto, le escribió a <b>Bernard</b>: "Me conmovió el hecho de que los artistas japoneses a menudo hacían intercambios entre ellos. Claramente prueba de que se querían y que se mantenían unidos, y que había una cierta armonía entre ellos y que realmente vivían una especie de vida fraternal [...] Cuanto más nos parezcamos a ellos en ese sentido, mejor será para nosotros." Vincent les envió un autorretrato en el que se pintó a sí mismo como un monje japonés con ojos rasgados y cabello recortado. También les animaba a que se reunieran con él y formar una comunidad fraternal como los monjes budistas.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Vincent van Gogh, Self-Portrait, 1888, Harvard University Art Museums, Cambridge (MA), Fogg Art Museum. </span></b><span style="color: #990000;"><b>La identificación de Van Gogh con los artistas japoneses fue completamente sincera. Iba buscando un camino que no encontraba. Lo que se ve en este cuadro no es la calma espiritual que buscaba, sino sus penetrantes ojos que comunican la profundidad de su soledad, de su angustia, y el deseo de encontrar un lugar que valga la pena en el mundo.</b></span><br />
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
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<b><span style="color: #990000;">Émile Bernard, autorretrato con retrato de Gauguin, 1888. </span></b><span style="color: #990000;"><b>Óleo sobre tela. 46 cm x 56 cm. Museo Van Gogh. Amsterdam, Holanda. </b></span><span style="color: #990000;"><b>Bernard pintó este autorretrato en el pueblo costero francés de Pont-Aven. Estaba trabajando allí con Paul Gauguin (que se muestra en el fondo de la imagen). En la parte inferior derecha, se puede ver un grabado japonés</b></span><b style="color: #990000;">.</b><br />
<span style="color: #990000;"><b><br /></b></span>
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<b><span style="color: #990000;">Paul Gauguin, Autorretrato con Retrato de Émile Bernard (Les misérables), 1888. </span></b><span style="color: #990000;"><b>Óleo sobre lienzo, 44.5 cm x 50.3 cm, Museo Van Gogh, Amsterdam. Gauguin se pintó bajo el disfraz de Jean Valjean, el personaje principal de la novela de Victor Hugo Les Misérables, equiparando al paria ficticio vibrante y amoroso con los artistas incomprendidos de su tiempo. Él escribió: "Al hacerlo con mis rasgos, tienes mi imagen individual, así como un retrato de todos nosotros, pobres víctimas de la sociedad, tomándonos nuestra venganza haciendo el bien". El alegre estampado floral de la pared era la forma en que Gauguin testificaba de "nuestra virginidad artística". Van Gogh quedó impresionado por el carácter melancólico del retrato. Describió las sombras en la cara de Gauguin como "lúgubres, teñidas de azul" y anotó que parecía enfermo y atormentado.</b></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9QzqbaU5QtakLFZ6DY58hGrwTwUsBqN3t83WOOdPpF3C2BRnHFtSdbAkQnaMTkPk0k6JBk2JMBIbZSv38U6ILnm-dc84lYRCZTLMLmv7JJvjBovklwtpxgQH_ZyVDv8I9mD3LZqOJ3A1r/s1600/Paul+Gauguin%252C+Autorretrato+con+Retrato+de+%25C3%2589mile+Bernard+%2528Les+mis%25C3%25A9rables%2529%252C+1888.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="802" data-original-width="1000" height="512" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9QzqbaU5QtakLFZ6DY58hGrwTwUsBqN3t83WOOdPpF3C2BRnHFtSdbAkQnaMTkPk0k6JBk2JMBIbZSv38U6ILnm-dc84lYRCZTLMLmv7JJvjBovklwtpxgQH_ZyVDv8I9mD3LZqOJ3A1r/s640/Paul+Gauguin%252C+Autorretrato+con+Retrato+de+%25C3%2589mile+Bernard+%2528Les+mis%25C3%25A9rables%2529%252C+1888.jpg" width="640" /></a></div>
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Al final, solo <b>Gauguin</b> vino. Pintó de la imaginación y animó a <b>Van Gogh</b> a trabajar de una manera más estilizada. Vincent le mostró a <b>Gauguin</b> lo que había aprendido de él y de las xilografías japonesas.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Vincent Van Gogh. Les Alyscamps, hojas cayendo. Noviembre de 1888, Arles. Óleo sobre lienzo, 73 x 92 cm1888, Museo Kröller-Müller, Otterlo. Pintó esta escena al aire libre una tarde de otoño y a vista de pájaro en una audaz composición, que excluye el horizonte y queriendo crear una fuerte diagonal. Los árboles dividen la pintura en zonas de color. La imagen tiene además otro significado simbólico, ya que este paseo es una avenida sobre la antigua necrópolis de Arlés, de ahí los sepulcros como bancos. </span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtSXMjydY30pYBwiMpFFuJ2oL7j2LnZdyxbjkRmIDqDlVK0HnXp7KJcz55JAYNsNEsT5K1pQHv8-TTgWwo8bB0cRIh03SwPKkyMasRT0qIJ7xZaTgqkUH9v5PEAsKNog8gQFCHn3epk3K3/s1600/Vincent+van+Gogh%252C+Les+Alyscamps%252C+1888%252C+Museo+Kr%25C3%25B6ller-M%25C3%25BCller%252C+Otterlo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="734" data-original-width="954" height="492" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtSXMjydY30pYBwiMpFFuJ2oL7j2LnZdyxbjkRmIDqDlVK0HnXp7KJcz55JAYNsNEsT5K1pQHv8-TTgWwo8bB0cRIh03SwPKkyMasRT0qIJ7xZaTgqkUH9v5PEAsKNog8gQFCHn3epk3K3/s640/Vincent+van+Gogh%252C+Les+Alyscamps%252C+1888%252C+Museo+Kr%25C3%25B6ller-M%25C3%25BCller%252C+Otterlo.jpg" width="640" /></a></div>
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Desgraciadamente, <b>Van Gogh</b> y <b>Gaugin </b>discutieron con demasiada frecuencia. En un altercado entre ellos se rebanó la oreja. <b>Gauguin</b> regresó a París. Vincent estaba empezando a mostrar los primeros signos de enfermedad mental. Fue ingresado en el hospital y luego en una clínica psicológica, y perdió la fe en su propia capacidad. Desarrollar el arte del futuro era un objetivo demasiado ambicioso y el pintor se refería cada vez menos frecuentemente en sus cartas al grabado japonés, aún así seguía presente en sus cuadros.<br />
<br />
Su angustia se exhibe en una fila formidable de autorretratos que también incluye autorretrato con una oreja vendada, pintado en 1889 después de que se mutiló a sí mismo. Aquí el contraste entre los graciosos ideales que <b>Van Gogh </b>vio en el arte japonés y su propia realidad torturada es aún más doloroso. Las pinceladas verticales sorprendentemente gruesas están muy alejadas de la planitud de <i><b><a href="http://algargosarte.blogspot.com.es/2014/10/ukiyo-e-imagenes-de-un-mundo-flotante.html" target="_blank">ukiyo-e</a></b></i>. Y, sin embargo, en la pared detrás de él, <b>Van Gogh</b> ha pintado en gran detalle "<b><i><span style="color: #990000;">Geishas sobre un paisaje</span></i></b>", una impresión <a href="http://algargosarte.blogspot.com.es/2014/10/ukiyo-e-imagenes-de-un-mundo-flotante.html" target="_blank">ukiyo-e </a>producida por <b>Sato Torakiyo</b> en la década de 1870. Su presencia muestra cómo continuó preocupado con su fantasía de Japón, incluso cuando su salud estaba disminuyendo. El hombre que nos mira desde detrás de esos ojos azules está muy lejos de la calma que proyecta el paisaje. Es un personaje que lucha para mantenerse sano.<br />
<br />
<b><span style="color: #990000;">Vincent Van Gogh. Autorretrato con oreja vendada. Arles, enero de 1889. Óleo sobre lienzo, 60,5 × 50 cm. Courtauld Institute of Art, Londres. </span></b><span style="color: #990000;"><b>Este autorretrato fue pintado poco después de que Van Gogh regresara a casa del hospital habiéndose mutilado su propia oreja. Van Gogh se representa a sí mismo en su estudio, usando su abrigo y un sombrero. Para encajar su propia cara en la composición, Van Gogh ha cambiado las figuras y el Monte Fuji a la derecha del grabado.</b></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgtp7_hQqr4W473Yjht1aclclgo3aVCY0MJAf45jEETKxHJOfvTXAP_SdHEkC99R7DufgMUtnC8fBIL3wcV4TansytHx6E2B9zFsLijwPpsqxrrhyxUYiX9NeUvWppH0vYTsVYdsDDQNJ2/s1600/Vincent_van_Gogh_-_Self-portrait_with_bandaged_ear_%25281889%252C_Courtauld_Institute%2529.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1024" data-original-width="842" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgtp7_hQqr4W473Yjht1aclclgo3aVCY0MJAf45jEETKxHJOfvTXAP_SdHEkC99R7DufgMUtnC8fBIL3wcV4TansytHx6E2B9zFsLijwPpsqxrrhyxUYiX9NeUvWppH0vYTsVYdsDDQNJ2/s780/Vincent_van_Gogh_-_Self-portrait_with_bandaged_ear_%25281889%252C_Courtauld_Institute%2529.jpg" /></a></div>
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En mayo de 1890, <b>Van Gogh</b> se mudó de Arles, en la soleada Provenza, al pueblo de Auvers-sur-Oise, al norte de París. Allí se hospedó en el Café Ravoux y recibió tratamiento del Dr. Paul-Ferdinand Gachet. Entre el 17 de junio y el 27 de julio, <b>Van Gogh</b> pintó trece lienzos de las plazas, loss jardines y campos de Auvers. Una de las últimas obras de Van Gogh, <b><i><span style="color: #990000;">Lluvia sobre Auvers</span></i></b>, pintada poco antes de su suicidio en 1890, es en realidad su última interpretación de la forma gráfica en que se muestra la lluvia en grabados como <b>Hiroshige</b>. La última lluvia de <b>Van Gogh</b> no tiene nada en común con la de <b>Hiroshige </b>ni con la de nadie más. En su última carta, se expresó "completamente absorto en la inmensa llanura con campos de trigo contra las colinas, sin límites como un mar, amarillo delicado, delicado y suave color verde, la delicada violeta de un pedazo de tierra excavado y desherbado". La atmósfera recuerda uno de los poemas favoritos de Van Gogh, <b><i><span style="color: #990000;">The</span></i></b> <b><i><span style="color: #990000;">Rainy Day</span></i></b> de <b>Longfellow</b> "Mi vida es fría, oscura y lúgubre; llueve y el viento nunca se cansa... En cada vida debe caer algo de lluvia, algunos días deben ser oscuros y lúgubres ".<br />
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<b><span style="color: #990000;">Vincent Van Gogh. Lluvia en Auvers, Junio 1890. Óil sobre lienzo, 50,3 x 100,2 cms. Colección Davies Sisters, Gales.</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMLtmb7tVV6MtWsMXv88LD5nM8DxWnW9F8Mny7rmIggAw2zoa3rfTG6HFE8NjyGYV62mWmG-dBJHz_eY_qciCbRTv8lMgJCaksEuF8o9AA3Q2xhgL6LKTKKGH6sZS7sGJFR_U7yr4aFZVS/s1600/Rain+%25E2%2580%2593+Auvers%252C+1890..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="790" data-original-width="1600" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMLtmb7tVV6MtWsMXv88LD5nM8DxWnW9F8Mny7rmIggAw2zoa3rfTG6HFE8NjyGYV62mWmG-dBJHz_eY_qciCbRTv8lMgJCaksEuF8o9AA3Q2xhgL6LKTKKGH6sZS7sGJFR_U7yr4aFZVS/s640/Rain+%25E2%2580%2593+Auvers%252C+1890..jpg" width="640" /></a></div>
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<b>Van Gogh</b> se pegó un tiro y murió el 29 de julio de 1890, poco después de pintar este trabajo.Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-3776743179121576902.post-33802069933239501582018-04-24T23:34:00.000+02:002018-05-14T10:43:10.926+02:00LA APLICACIÓN DIDÁCTICA DE TWITTER A LA ASIGNATURA DE HISTORIA DEL ARTE. Ejemplo del microrrelato de la arquitectura del siglo XIX.Estoy ensayando nuevas posibilidades que ofrece Twitter para utilizarlas como herramientas didácticas. En este caso mi objetivo es desarrollar un relato, o mejor dicho un microrrelato o haiku, a través de un aspecto de esta herramienta que es la creación de un "hilo" de twitter. Un hilo en Twitter es una serie de Tweets conectados de una misma persona, que permiten proporcionar más contexto a lo que quieres contar salvando el escollo de los <a href="https://elpais.com/tecnologia/2017/09/26/actualidad/1506399545_718901.html" target="_blank">escasos 280 caracteres</a> que permite la red social por mensaje. Esto es perfecto para elaborar una pequeña narración ilustrada.<br />
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<b><span style="color: #990000;">Captura de pantalla con la búsqueda del hashtag <a href="https://twitter.com/hashtag/algargosarte?src=hash" target="_blank">#algargosarte</a> en Twitter. <a href="https://twitter.com/Algargos/status/988499828199055362" target="_blank">Un ejemplo de hilo de twitter</a></span></b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8GAZsIoHd7pVASghPhZ7ryRZFHkT12Akww92bYIXmw08uVbvbinoOJqyatmWSfhJjJSeNnDpdG5idQDXD9-lR5uVI6CK0x5oNoTu5z7nNpdi6zaB1PQ9vNRMqIPkmv8FmgqCN92R1pVGF/s1600/twitter+y+el+hastag+%2523algargosarte.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="901" data-original-width="801" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8GAZsIoHd7pVASghPhZ7ryRZFHkT12Akww92bYIXmw08uVbvbinoOJqyatmWSfhJjJSeNnDpdG5idQDXD9-lR5uVI6CK0x5oNoTu5z7nNpdi6zaB1PQ9vNRMqIPkmv8FmgqCN92R1pVGF/s700/twitter+y+el+hastag+%2523algargosarte.jpg" /></a></div>
<br />
<b><span style="color: blue;">¿Cómo se crea un hilo en Twitter?</span></b><br />
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
Es sencillo, aunque lo explicaré para aquellos que no estén familiarizados con esta red social. Es requisito imprescindible tener cuenta en la red. Luego sólo es cuestión de redactar un primer tweet e ir añadiendo nuevos tweets a través del botón de <span style="font-size: large; font-weight: bold;">+ </span>que aparece debajo a la derecha. Si superas con tu el texto el límite de caracteres, el sobrante aparecerá resaltado para que puedas editarlo fácilmente antes de publicar el Tweet.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdNY_CAFcLU4IDqTfAdOCkijq_v0yP_AGNQmA4T90KQDjchACaSYXuNw0kA8WqH0w45RFo-lFdqWngZT1GlZTK3wVPtHJSglEMBs-vrCUxwLhUgh-p5ehQeXQ_DZ0B0_gJnPk2MM_mACA7/s1600/nuevo+tweet.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="350" data-original-width="794" height="282" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdNY_CAFcLU4IDqTfAdOCkijq_v0yP_AGNQmA4T90KQDjchACaSYXuNw0kA8WqH0w45RFo-lFdqWngZT1GlZTK3wVPtHJSglEMBs-vrCUxwLhUgh-p5ehQeXQ_DZ0B0_gJnPk2MM_mACA7/s640/nuevo+tweet.jpg" width="640" /></a></div>
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Otros botones que tiene la edición son los que están debajo a la izquierda. El cuadrado del paisaje es para introducir fotos o vídeos desde tu ordenado o móvil, Puedes seleccionar hasta cuatro fotos para twittear a la vez. El gif es cuando la imagen tiene este formato que genera movimiento. Puedes publicar un solo GIF por Tweet. Las fotos y los GIF adjuntos no se descuentan del límite de caracteres de un Tweet. Las fotos pueden ser de hasta 5 MB y los formatos compatibles son GIF, JPEG y PNG. NO son compatibles los archivos BMP ni TIFF. La foto se ajustará automáticamente a escala para su visualización en el Tweet ampliado y en tu galería.<br />
<br />
El botón de las barras horizontales de al lado te ofrece la posibilidad de publicar una pequeña encuesta para aquellos de tus seguidores que quieran contestar. La encuesta es efímera puesto que sólo dura activa como máximo 7 días, por defecto viene la opción de 24 horas. Al final del plazo te mantendrá informado del número de participantes y del porcentaje de las respuestas seleccionadas. El cuarto botón es un localizador geográfico, que puede ser útil.<br />
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<b><span style="color: #990000;">En este caso la encuesta que propuse iba del grado de satisfacción del que había leído el hilo, pero se puede plantear lo que te de la gana y proponer hasta un máximo de cuatro respuestas que consideres.</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgEy870bm0DUpiY3yvT_Nd9zdbbKkXb4aRyDgnC41DqM8iVrOEhIuy_qcATzgM4_kpjcg6Gr_qAHsR7vp2TXaKn3GY34WuUmvO4GGkl7Vo0pwJ8A7DGgBXsJaGDVCAVm-QHQfogjkbEIoC/s1600/encuesta.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="870" height="470" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgEy870bm0DUpiY3yvT_Nd9zdbbKkXb4aRyDgnC41DqM8iVrOEhIuy_qcATzgM4_kpjcg6Gr_qAHsR7vp2TXaKn3GY34WuUmvO4GGkl7Vo0pwJ8A7DGgBXsJaGDVCAVm-QHQfogjkbEIoC/s640/encuesta.jpg" width="640" /></a></div>
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Una vez terminado el tweet o el hilo final con sus complementos puedes enviarlo a quien quieras dentro de twitter o, por ejemplo publicarlo en un blog, como hago aquí. Para ello debes situarte sobre el tweet deseado y cliquear sobre la pestaña de flecha hacia abajo que hay en la parte superior izquierda. Entonces se desplegará un menú con distintas opciones, entre ellas las de inserción.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMJZ8KDGwfXPbaVtMtsLLL08ksjxgqoQ4FGjETfURE9NxxyLr6T2kc2K69w0akZGPd5e4QUqNMaq1al8e8EwN1BzYjJmrEyE6UnUGHhRv3wPUNNdn3YHdEKL7CPngdYKOg9vC7T93TUhNy/s1600/selecion+de+menu+de+twitter.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="760" data-original-width="1026" height="474" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMJZ8KDGwfXPbaVtMtsLLL08ksjxgqoQ4FGjETfURE9NxxyLr6T2kc2K69w0akZGPd5e4QUqNMaq1al8e8EwN1BzYjJmrEyE6UnUGHhRv3wPUNNdn3YHdEKL7CPngdYKOg9vC7T93TUhNy/s640/selecion+de+menu+de+twitter.jpg" width="640" /></a></div>
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Después de publicar un hilo, puedes agregarle más Tweets desde la página de detalles del hilo, aunque no cambiar el orden de publicación ni el contenido de los ya publicados. Esta opción solo es visible para el autor del hilo.<br />
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<b><span style="color: blue;">Aplicación didáctica.</span></b><br />
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El relato creado más abajo me sirve de prueba y de ejemplo, porque tengo en mente encargar a mis alumnos que elaboren individualmente uno.<br />
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<b><span style="color: blue;">Requisitos del trabajo.</span></b><br />
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b>
<b>En cuanto al tema. </b>Cada alumno elige el que quiera, aunque eso sí debe tener como motivo de partida el trabajo que tuvieron que hacer de la tercera evaluación: <b><span style="color: #990000;"><i>las artes figurativas del siglo XX y XXI</i></span></b>. El microrrelato que hagan debe ser sencillo y a su gusto sobre: un artista, una etapa del artista, una obra, un estilo, una exposición... lo que se les ocurra y, sobre todo, que les haya gustado.<br />
<br />
<b>En cuanto al contenido.</b><br />
<ul>
<li>El hilo debe estar <b>correctamente redactado</b> <b>y</b> ser <b>coherente</b>, es decir, que se note que hay guión y orden tras él y, por tanto, que tenga: un principio, un desarrollo y una conclusión o final. No debería ser inferior a 10 ni superar los 15 tweets.</li>
</ul>
<ul>
<li>Además cada tweet debe complementarse con <b>imágenes significativas</b> y que vengan a cuento (una mínima por tweet). </li>
</ul>
<ul>
<li>Siempre que se considere necesario <b>se aportarán links</b> a páginas donde se desarrolla en profundidad algún aspecto del tema tratado.</li>
</ul>
<ul>
<li> Cada tweet también debe tener <b>hashtags identificativos</b> del tema que trata (ejemplo del tema elegido abajo <a href="https://twitter.com/hashtag/arquitecturasigloXIX?src=hash&ref_src=twsrc%5Etfw">#arquitecturasigloXIX</a> ) y de la asignatura (este debe ser para todos igual <b><a href="https://twitter.com/hashtag/algargosarte?src=hash" target="_blank">#algargosarte</a></b> ). Este último es importante porque es la manera de unir los microrrelatos de todos los compañeros.</li>
</ul>
<div>
<b>En cuanto a la presentación se valorará además:</b><br />
<ul>
<li>La originalidad de la exposición.</li>
<li>La creación de imágenes propias.</li>
<li>Las páginas de referencia utilizadas.</li>
<li>La calidad de las imágenes aportadas.</li>
</ul>
</div>
<b><span style="color: #990000;"><br /></span></b>
<b><span style="color: #990000;">Ejemplo sobre la arquitectura del siglo XIX en un hilo de twitter. </span></b><a href="https://t.co/IU98knahPZ">https://t.co/IU98knahPZ</a> <a href="https://t.co/ozQuk2WNfS">pic.twitter.com/ozQuk2WNfS</a><br />
<blockquote class="twitter-tweet" data-lang="es">
<div dir="ltr" lang="es">
Microrrelato sobre la ARQUITECTURA DEL SIGLO XIX <a href="https://twitter.com/hashtag/arquitecturasigloXIX?src=hash&ref_src=twsrc%5Etfw">#arquitecturasigloXIX</a> o ¿Cómo se pasó del edificio histórico al rascacielos? <a href="https://twitter.com/hashtag/algargosarte?src=hash&ref_src=twsrc%5Etfw">#algargosarte</a><br />
Nuevo hilo en twitter...., como ensayo didáctico. <a href="https://t.co/IU98knahPZ">https://t.co/IU98knahPZ</a> <a href="https://t.co/ozQuk2WNfS">pic.twitter.com/ozQuk2WNfS</a></div>
— Alfredo García (@Algargos) <a href="https://twitter.com/Algargos/status/988876155854999554?ref_src=twsrc%5Etfw">24 de abril de 2018</a></blockquote>
<div style="text-align: center;">
<span style="background-color: yellow;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="background-color: yellow;">******++++++******</span></div>
<br />
<span style="font-size: large;">Aplicación práctica sobre <b><a href="http://algargosarte.blogspot.com.es/2018/05/como-me-gusta-las-artes-figurativas-del.html" target="_blank">Las Artes Figurativas del siglo XX </a></b></span><br />
<script async="" charset="utf-8" src="https://platform.twitter.com/widgets.js"></script>
Algargoshttp://www.blogger.com/profile/14308900673759977661noreply@blogger.com0