DESCUBRAMOS 10 IMÁGENES DEL ARTE GRIEGO. JUEGO DE COMENTARIO DE 2015.

Observa las siguientes imágenes del arte prehelénico y griego y luego contesta según la fórmula que te propongo. Para verlas con detalle puedes abrir la presentación a pantalla completa.

Descubramos el arte griego, 2015 from Alfredo García

IMAGEN "X"

• 1.- Titulo de la obra o descripción temática o funcional. Usa términos adecuados.
• 2.- Indica la civilización, la etapa/cronología, el autor y lugar. La civilización, en este juego, sólo puede ser minoica, micénica o griega, sin embargo, las etapas para la civilización griega debe hacerse con precisión cronológica. El autor (sólo si debiéramos saberlo porque lo hemos citado en clase. Ej. los escultores de etapa clásica) y el lugar donde se encontró o se encuentra en la actualidad (museo).
• 3.- Al menos, dos razones exclusivas (no generales o porque sí) para haberlas atribuido a la civilización, a la etapa o al autor.
• 4.- Indica otra obra de esta civilización o de otra de las que ya hayamos visto, donde se pueden ver rasgos parecidos y di en qué se asemejan o difieren.

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario.

Mira el ejemplo resuelto que viene a continuación de la siguiente imagen para tenerlo más claro.

IMAGEN 11

"IMAGEN  nº 11

1.- Titulo/descripción. La imagen es el detalle de un altorrelieve en mármol que representa un tema mitológico: la guerra de los dioses contra los gigantes (en concreto, una Moira matando con su maza al gigante Agrio).

2 .- Civilización-etapa-lugar. Pertenece a la civilización griega, etapa helenística, en concreto se encontraba decorando el basamento del monumento conocido como altar de Zeus y Atenea de la acrópolis de Pérgamo, que se levantó en el siglo II a. C. Hoy en día se puede contemplar reconstruido en el Museo de Pérgamo de la ciudad de Berlín.

3.- Características exclusivas que nos permiten atribuirlas al estilo. En la obra se aprecia algunos de los rasgos más peculiares y llamativos de la etapa helenística como es el movimiento desenfrenado con el que se representan los personajes. La Moira sujeta la cabeza del gigante al mismo tiempo que se abalanza sobre él y está a punto de asentarle el golpe mortal. El gigante se intenta librar con todas sus fuerzas y agita culebreando su cola. Otro rasgo que lo vincula al helenismo es la temática en la que se hace una exaltación morbosa de la violencia y de la muerte, mostrándose en el rostro del gigante el dolor y la angustia de no poder librarse de este destino.

4. Obra relacionada. Por semejanza la obra debe recordarnos al mármol en bulto redondo más conocida del helenismo, La muerte de Laoconte y sus hijos. El tema mitológico, la presencia de la muerte e incluso el gesto de dolor o la misma figura del gigante, que nos debe recordar la de Laoconte, nos indican que son esculturas de estética relacionadas."

Participa con tus comentarios al pie del artículo.

Sólo permitiré un comentario por persona, aunque los tres primeros que contesten correctamente tendrán derecho a resolver una segunda imagen. Esa segunda oportunidad la llamaremos comodín . Utilizadla sabiamente. Cada vez que haya un comentario corregido y aprobado, esa imagen ya estará resuelta y, por tanto,  ya no se podrá comentar sobre ella.

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Alba responde a la imagen 5 y gana 0,5  y un comodín   para utilizar en el comentario de otra imagen si quiere. Por cierto muy buen comentario y adaptándose plenamente a lo que se pedía.

Alba Márquez4 de noviembre de 2015, 23:44

"IMAGEN 6 – Alba Márquez Algar 2ºC.

1. La imagen nos muestra un conjunto de dos esculturas exentas en bronce que nos representan a dos famosos guerreros a los cuales se denominan ‘‘Guerreros de Riace’’.

2. Esta escultura pertenece a la civilización griega, concretamente está datada en los años 460-430 a. C, por lo que pertenece a la etapa clásica pura. Su autor es desconocido, aunque hay numerosas teorías que atribuyen esta obra a Alcámenes, pero las más recientes apuntan a que podría ser de Pitágoras de Regio, un famoso broncista. Estas esculturas fueron encontradas junto con los restos de un naufragio cerca de un pueblo llamado Riace, se ha deducido por ello que las llevaba un barco cuyo destino sería la Magna Grecia (actual sur de Italia). Actualmente ambas esculturas se encuentran expuestas en el Museo Nacional Reggio di Calabria en Italia.

3. Cada escultura representa a un hombre desnudo, pero ambos comparten las mismas características artísticas. Tienen rasgos arcaicos como es la frontalidad y la geometría usada en partes de los cuerpos como son los músculos o piernas, pero lo más destacable son las características claves que nos hacen encuadrarlo en la etapa clásica, como son la idealización corporal y las pequeñas muestras de movimiento que considero que nos muestra. Se representa a ambos hombres con el cuerpo atlético, con músculos detalladamente definidos y con aspecto juvenil. Demuestras el afán del autor por mostrarnos los detalles corporales de ambos hombres y también los detalles del rostro, el cual nos está realizado al mínimo detalle (ojos, líneas de expresión, la barba) y expresa una mirada serena.
En relación con el movimiento, las esculturas tienen una postura simple, de pie pero en tensión con la rodilla levemente flexionada como dando un paso hacia delante, uno de ellos tiene girada la cabeza y el otro ladeada mínimamente. Aunque esto también podría ser consecuencia del hecho de que ambos sostienen en sus manos una lanza y escudo, lo que provoque esa postura.

4. Como obras del mismo periodo y características tenemos una gran variedad. ‘‘Los tiranicidas’’ y ‘‘El Dios del cabo Artemisón’’ (Zeus o Poseidón), poseen un gran número de semejanzas, comparten la característica principal de la idealización corporal de los hombres, aunque estas dos obras representan mucho mejor lo que es el momento y movimiento trascendente característico de la etapa clásica pura que los guerreros. Otro ejemplo es el del ‘‘Auriga de Delfos’’ el cual comparte el material y el detallismo facial que tienen ambas esculturas junto con la serenidad del rostro que es bastante obvio en todas las obras de la etapa clásica pura."

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No sé que tiene la imagen 3 que ha provocado tantos comentarios seguidos ¿Es la más fácil de descubrir? El caso es que ha permitido que Carlos y Tamara adquieran un comodín cada uno y que Alba consiga  otro medio punto extra.

1. Carlos Maya5 de noviembre de 2015, 15:34

   IMAGEN 3 – Carlos Maya B2ºC
2. Esta imagen nos muestra una escultura de bronce mármol conocida con el nombre de “Apolo Sauróctono”.
3. Esta escultura pertenece a la civilización griega, dentro de la etapa clásica (siglo IV a.C.). En concreto, la realización de esta escultura se localiza sobre el 360 a.C. Su autor es Praxíteles, uno de los cuatro escultores más destacados de la etapa clásica, junto a Lisipo, Leocartes, y Skopas. Esta escultura no es la obra original de Praxíteles, ya que se perdió, sino que la conocemos por copias hechas en época romana. Actualmente, el Apolo Sauróctono, se encuentra en el Museo del Louvre, en París (Francia). 
4. Una de las características de la escultura por la que puede ser atribuida a este escultor, podría ser la desmitificación de los dioses, de Apolo en este caso, ya que es una de las características más destacadas en Praxíteles, debido a que muestra a los dioses realizando acciones impropias de las representaciones de dioses en épocas anteriores, tal como actividades de la vida cotidiana. Otra característica sería la curva praxitélica, que se refiere a la postura utilizada por Praxíteles para dotar de cierto movimiento a las figuras y consistente en apoyar todo el peso en una de las piernas y así inclinar la cadera opuesta. También, tiene rasgos característicos de la escultura de esta etapa, como la ausencia de una musculatura tan marcada.
5. Como obra con características parecidas y que además pertenecen al mismo escultor, podemos encontrar “Hermes con Dionisios” y “Afrodita de Cnido”, en las que podemos observar tanto la desmitificación de las diosas Hermes y Afrodita, y la curva praxitélica que ambas presentan. 
6. Hermes con Dionisios
   Afrodita de Cnido 
7. Bibliografía
   https://es.wikipedia.org/wiki/Apolo_Saur%C3%B3ctono
   http://www.artehistoria.com/v2/obras/7963.htm
   http://arte.laguia2000.com/escultura/apolo-sauroctono-de-praxiteles
8. Alba Márquez5 de noviembre de 2015, 16:21
9. IMAGEN 3 -
   
   1. En esta imagen nos encontramos con una copia exenta en mármol del llamado Apolo Saucróctono, en ella podemos ver al Dios Apolo representado junto a un árbol por el cual está subiendo un pequeño lagarto.
   
   2. Esta escultura pertenece a la civilización griega, al estar datada aproximadamente en el 340 a. C (s. IV), la identificamos como una escultura de la etapa post-pura. Su autor es Praxíteles, máximo representante del clasicismo tardío griego, junto a Skopas y Lisipo. Este escultor incluyó como novedad en sus obras la desmitificación de los dioses, característica que encontramos en esta obra. Esta escultura en particular ha llegado a nuestro tiempo por ser una copia de la original, se encuentra actualmente en el Museo del Louvre en Paris desde 1807 pero anteriormente estaba en Villa Borghese, en Italia.
   
   3. Lo más característico en relación a la temática de esta obra es el avance que incorpora Praxíteles como es el hecho de representar a un Dios en una actitud cotidiana, siendo un simple adolescente que quiere pinchar con una flecha, la cual no hemos conservado, al lagarto que sube. Aun así, artísticamente, mantiene algunas características correspondientes a la etapa como es la idealización corporal del joven, no tan marcada en relación a los músculos al ser un adolescente pero presente en la escultura, y el movimiento de la acción, al encontrarse el Dios en esa situación vemos el movimiento de ambos brazos que se encuentran flexionados junto con su pierna. La expresión del rostro, en cambio, se mantendrá impasible y serena, al igual que el detalle de este que podemos apreciar en sus facciones e incluso en el cabello.
   Por último, la postura de la escultura y el hecho de introducir al árbol se debe a la llamada curva praxitélica (curva que se aprecia en la cadera al apoyarse en el árbol), novedad que también creó el escultor y que le diferenciará de los demás de la época.
   
   4. Esta representación nos muestra las imágenes que nos pueden ofrecer los dioses fuera de la típica grandiosidad que solían mostrar, representando la picardía de un adolescente. Esta característica la encontramos también de nuevo en ‘‘Hermes con Dionisos’’ el cual nos muestra a Dionisos como un bebé, incluyendo así el hecho de que se empiece a dejar de representar a los dioses como adultos, al que Hermes deducimos que le ofrece un racimo de uvas, jugando así con el niño. Ambas esculturas comparte la idealización del hombre de manera suave y la novedad de la curva praxitélica, más marcada en esta escultura. 
   Otra obra del mismo autor es la ‘‘Afrodita Cnidia’’, la cual es representada desnuda buscando el erotismo de la imagen, mostrando una vez más la situación poco convencional de la diosa tras un baño y la postura que mantiene la curva praxitélica otra vez.
   
   Hermes con Dionisio – 
   
   Afrodita Cnidia - 
10. Tamara Colliga5 de noviembre de 2015, 16:30
11. IMAGEN NÚMERO 3 
12. 
    La escultura se llama El Apolo Sauróctono y está hecha por Praxíteles, este corresponde a los escultores clásicos del siglo IV a.C. Esta escultura es una copia porque la original no se ha encontrado. Algunas de las copias se encuentran en el museo del Louvre (París) o en los Museos Vaticanos de Roma.
13. 
    Es Apolo de joven al lado de un árbol con una lagartija y la escena es justo antes de pincharla con una lanza. Las características: La escultura es de bronce y bella, el movimiento es contenido porque es justo antes de hacer un movimiento mayor, el cuerpo es joven y bello, es sereno ya que no transmite sentimientos, el cuerpo es praxiteliana porque la curva del cuerpo está hacia dentro y el punto de apoyo es el árbol, no se marca demasiado la musculatura. Y lo característico de esta obra relacionado con Praxíteles es que ha desmitificado al Dios, porque no es una escena muy digna.
14. 
    Esta obra se puede relacionar con Hermes y Dionisios niño porque también se encuentra la curva praxiteliana y el punto de apoyo es parecido al árbol de Apolo Sauróctono.
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    Lara responde con corrección a la imagen 6. Lo siento, se agotaron los comodines, pero aún así te llevas el premio de medio punto.
16. 
    
    
17. Lara Amorv5 de noviembre de 2015, 17:22
    
    
    Imagen 6.
    Lara Amor Villaseñor

    
    

    - En la imagen podemos ver una escultura femenina en bulto redondo con temática votiva y religiosa, por lo tanto estamos ante una koré, en concreto de la koré 674.
    

    
    

    - Esta obra pertenece a la civilización griega, concretamente de la etapa arcaica (S.VII-VI a. C.). Su autor es desconocido y que fue encontrada en la Acrópolis de Atenas, al suroeste del Panteón y actualmente se puede ver en el Museo de la Acrópolis en Atenas.
    

    
    

    - Pertenece a esta etapa de la civilización griega porque en este periodo las mujeres aparecen vestidas, con ropa, cualidad todavía no desarrollada por completo en la tradición prehelénica; y porque las esculturas van a presentar en la cara una sonrisa eginética, es decir, una sonrisa que no expresa sentimientos.

    
    

    - De esta misma civilización se parece a muchas otras korai como es la koré jónica del Peplo ateniense teniendo los mismos rasgos (escultura femenina en bulto redondo, temática votiva y religiosa, sonrisa eginética, frontalidad y rigidez, hieratismo, pelo largo y rizado, la ropa) y también se parece a esculturas femeninas de la tradición prehelénica en la rigidez, frontalidad, hieratismo... pero se distinguen por ser esta última de una civilización anterior por lo que no presenta la sonrisa eginética y por ser esculturas femeninas que presentan sus pechos desnudos, sin ropa.
    

    
    

    
    

    Imagenes:

    
    

    escultura prehelénica → 

    
    

    koré 674 → 

    koré 675 →

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    Naiara responde a la imagen 2 y gana medio punto.
18. 
    
    
19. Naiara Sanz6 de noviembre de 2015, 16:41
    Imagen 2
20. El altar dedicado a Zeus y Atenea Victoriosa: El altar, que hoy vemos reconstruido, antes en Pérgamo ahora en Berlín, es de época griega, concretamente de etapa helenística (debido a que en esta etapa las proporciones de los edificios son monumentales, porque son las manifestaciones escenográficas del poder absoluto de los monarcas; y además los relieves que tiene en su fachada es uno de los mejores ejemplos de la ruptura estilísticas respecto al clasicismo).
    En su altorrelieve de la fachada se representa la batalla conocida como la Gigantomaquia, la que libraron los dioses Olímpicos contra sus predecesores, los titanes; el tema en el fondo es la alegoría del triunfo de las nuevas dinastías helenísticas sobre las antiguas polis griegas.
    El ara se levantaba sobre una escalinata de planta casi cuadrada sobre la que se aúpa un zócalo que sostiene una columnata jónica que cierra el espacio creado alrededor del altar en sí. Dos muros porticados se adelantan dando al edificio forma de "u" invertida que acoge e impresiona al mismo tiempo, por su gran escalinata.
    Se encontraba en la segunda terraza de la acrópolis de Pérgamo (actual Bergama en Turquía) y fue construido hacia el 170 a. C., en época de Eumenes II. Se levantó con la función de servir como edificio conmemorativo que ensalzaba al Estado de Pérgamo, a la vez que servía como altar donde realizar los sacrificios en honor al dios Zeus y a la diosa Atenea victoriosa.
    Otra obra, relacionada con esta, es el Propileo del santuario de Atenea en Pérgamo en el museo de Pérgamo de Berlín. Estaba dedicado a la diosa que había dado tantas victorias a la ciudad. El templo se construyó en el siglo III a. C. en orden dórico, como todos los templos solemnes y principales. El recinto fue completado en tiempos de Eumenes II con una plaza con tres pórticos de dos pisos a los que se accedía a través de un propileo monumental. En este pórtico vemos superpuestos por primera vez, antes de que lo repitieran los romanos, los órdenes dórico y jónico.
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    Carlos y Ridouan responden a la imagen 4 y ganan medio punto. 
22. 
    
    
23. Carlos Maya6 de noviembre de 2015, 17:47
    
    
    IMAGEN 4 – Carlos Maya B2ºC
    
    
24. Esta imagen nos muestra una copia exenta en marfil y oro de la escultura conocida con el nombre de “Atenea Partenos”.
    Esta escultura pertenece a la civilización griega, dentro de la etapa clásica (2ª mitad del siglo V a.C). En concreto, la realización de esta escultura se localiza sobre el 438-437 a.C. Su autor es Fidias, uno de los tres escultores más destacados de la etapa clásica junto con Mirón y Policleto. Esta escultura no es la obra original de Fidias, porque no ha sido encontrada, sino que es conocida por copias hechas en época romana. Actualmente, la Atenea Partenos, se encuentra en el Museo Nacional del Prado, en Madrid (España).??? Es una copia de tantas otras, pero ni siquiera es la más cercana a la original.
25. Entre las características de la escultura por las que puede ser atribuida a Fidias es que en ella representa a una diosa, ya que a él se le conoce como “el escultor de los dioses”. Otra característica puede ser que la obra es de bulto redondo, lo que significa que está hecha tanto para ser vista de frente como para ser vista por detrás. Y, por último, otra característica, podría ser el tamaño colosal que destaca en la escultura, lo que también nos hace pensar que pertenece a ese autor.
26. Como obras que estén relacionadas con esta, podemos encontrar las esculturas del “Zeus Olímpico” y de la “Atenea Lemnia”, ya que en ellas también podemos encontrar la representación de dioses, en estos casos de Zeus y Atenea, la realización de ambas en bulto redondo, y el tamaño colosal que presentan. 
27. Zeus Olímpico
    Atenea Lemnia
28. Bibliografía
29. https://es.wikipedia.org/wiki/Atenea_Partenos
30. https://www.museodelprado.es/enciclopedia/enciclopedia-on-line/voz/atenea-partenos-fidias/
31. http://algargosarte.blogspot.com.es/
    
    
    Anónimo6 de noviembre de 2015, 19:29

    Ridouan 2C – IMAGEN 4
    Se trata de una escultura crisoelefantina que representa a la diosa Atenea, denominada “Atenea Partenos” .
    Esta escultura pertenecía a la civilización griega y a la etapa del clasicismo y se encontraba en el Partenón de Atenas, esta escultura fue creado por Fidias en el siglo IV  segunda mitad del siglo V a.C. y que actualmente está expuesto en el Partenón de Nashville en Estados Unidos. (es una réplica)
32. La Atenea Partenos tenía unas dimensiones gigantescas propias de las esculturas de Fidias en donde llevaba una larga túnica al igual que una lanza y un escudo que representaban la grandiosidad de la diosa Atenea. El cuerpo de la diosa Atenea se ve proporcionado y bien medido haciendo una idealización del cuerpo , en ella se ve la falta de sentimientos y expresividad mostrándonos serenidad en su rostro. 
33. Esta escultura la he querido comparar con las pirámides de Egipto en donde el faraón quería mostrar su grandiosidad que se expresaba con el tamaño que tenía la pirámide y con los tesoros que había en su interior , mostrando en los dos casos la grandiosidad e idealización tanto del faraón como de la diosa Atenea.
    
    http://www.temporamagazine.com/wp-content/uploads/atenea.jpg
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    Tamara emplea su comodín respondiendo a la imagen 10 y se lleva medio punto más. 
35. 
    
    
36. Tamara Colliga7 de noviembre de 2015, 12:54
37. IMAGEN NÚMERO 10:La imagen es un detalle al fresco de tauromaquia, en Knosos. Corresponde a las artes figurativas de la época prehelénica, es arte minoico. Se sitúa en torno al 1500 a.C y en este momento está en el Museo Arqueológico de Heraklio de Creta.
38. Es un mural en el que se ve dos chicas, un chico y un toro. Sabemos el sexo de los personajes porque a los chicos los representaban con color rojo y a las mujeres con color blanco. El chico está saltando el toro; es el movimiento máximo ya que justo en ese momento lo está saltando aunque representan un movimiento rígido. Tienen el pelo rizado, el torso desnudo y las piernas al descubierto, también tienen cintura de avispa. El diseño es curvilíneo ya que hay ausencia del volumen. No sabemos la ubicación de la escena ya que los colores del fondo son planos y hay textura. Lo que rodea el mural son dibujos parecidos a las escamas esponjas (relacionado con el mar).
39. Esta pintura se puede relacionar con el "Salto de Evans", que es un fresco que se encontró en Knosos también. Se trata de un hombre saltando un toro.
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    F. Javier obtiene medio punto con la imagen 8, aunque no expresas con claridad que le une o separa de la otra obra propuesta.
41. 
    
    
42. FJavierPT8 de noviembre de 2015, 16:02
    
    
    Javier — 2ºC
    
    La imagen muestra una escultura exenta en bronce, la cual está representando al boxeador o púgil de las Termas. 
    
    Esta obra es perteneciente y relativa a la civilización griega; concretamente, es relativa a la etapa helenística; la obra, entonces, queda situada cronológicamente entre los siglos III y II a.C. Esta obra fue descubierta en el siglo XIX en las Termas de Constantino, y actualmente se encuentra en Roma. 
    
    En la obra, se pueden apreciar los rasgos más característicos de la etapa helenística, como por ejemplo la sensación de movimiento, de dinamismo y de teatralidad, frente a la rigidez, esteticismo o contención más propios de la etapa clásica. El boxeador (o púgil) presenta unas líneas de expresión marcadas en la cerviz, fruto del movimiento de la cabeza hacia un lado; en este caso, al lado derecho. Existe una exaltación de la violencia (es un boxeador), coincidiendo con el movimiento helenístico de la civilización griega. Presenta un rostro caracterizado por el dolor y por la furia, a causa del “combate”, ya que debe realizar o ha realizado el enfrentamiento. Sus facciones presentan aspectos más realísticos, a diferencia de las obras relativas a la etapa clásica, que tienden a la idealización. 
    
    Por analogía, la obra puede evocarnos a la escultura del príncipe helenístico Atalo II Filadelfo de Pérgamo, debido a la sensación de movimiento y dinamismo, junto con la exaltación de la violencia. Además, las facciones están trabajadas exhaustivamente para que se acerque lo máximo posible a la realidad y no sea idealizante. 
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ESCULTURA EGIPCIA DEL IMPERIO MEDIO. LA EXPOSICIÓN DEL MUSEO METROPOLITANO DE NUEVA YORK.

El Museo Metropolitano de Nueva York nos ofrece una gran exposición para estos próximos meses (del 12 de octubre de 2015 hasta el 24 de enero de 2016), que sin duda merecerá la pena y apasionará a todos los amantes del Antiguo Egipto. Se trata de “Ancient Egypt Transformed. The Middle Kingdom”,  230 objetos donde encontraremos desde esculturas monumentales de piedra a delicadas joyas de este periodo de la historia de Egipto que fue el Imperio Medio (Dinastías XI a XIII, alrededor de 2.030 al 1.650 a.C.).

Cronología de los faraones del Imperio Medio.

Tras la reunificación del antiguo Egipto por Nebhepetre Mentuhotep II, primer faraón del Imperio Medio, el país vivió 400 años de prosperidad y florecimiento cultural durante los que se recuperaron las tradiciones artísticas, religiosas y políticas instituidas durante el Imperio Antiguo, pero en donde también hubo transformaciones de ahí la orientación del título del evento, “Ancient Egipt Transformed”, el Antiguo Egipto transformado.

Mapa con las principales poblaciones y yacimientos del Imperio Medio.

Sobre el retrato y la imagen del faraón.

La exposición se abre con una colosal estatua del rey Mentuhotep II, el fundador del nuevo Imperio unificado, que se ubicaba en en su extraordinario complejo funerario, erigido en el fondo de la meseta de Deir el-Bahari. Lo más importante para  Mentuhotep II, el monarca que había conseguido reunificar a Egipto, fue conseguir la estabilización administrativa del país y el fortalecimiento del poder real, por lo que la imagen que quería trasmitir como soberano debía reflejar esa idea de poder y tradición. La estatua está esculpida en un estilo deliberadamente arcaico (impasible, columnar, rígido y con una sonrisa arcaica) para sugerir un vínculo con los faraones legendarios que fundaron un milenio antes el Imperio Antiguo, los que como él habían unificado el país a finales del periodo predinástico.

Estatua de Nebhepetre Mentuhotep II, Dinastía XI (ca. 2051-2000 a.C.). Arenisca policromada. Dimensiones:  252,9 cm x 99 x. 47,7 cm. Del templo funerario de Mentuhotep II en Deir el-Bahari, Tebas. Se encontraron veintidós estatuas de este tipo que se alineaban en la avenida procesional de la explanada del templo mortuorio de Mentuhotep II en Deir el-Bahari. El rey lleva el manto corto tradicional de los treinta años del festival jubileo del faraón (Heb Sed). Empuñaba (desaparecido) un látigo y un cetro, posiblemente metálicos, atributos de los faraones egipcios y del dios Osiris. El faraón lleva la corona "roja" del Bajo Egipto y se supone que se enfrentaría a otra imagen similar, que estaría al otro lado del pasillo, pero con la tiara blanca que simbolizaría que también era soberano del Alto Egipto.

Templo de Mentuhotep II en Deir el Bahari, Tebas. Explanada procesional donde irían clavadas las estatuas del faraón.

Los cambios en el concepto de la realeza durante el Imperio Medio se demuestran a través de una serie de estatuas reales que abarcan varios cientos de años. Los primeros faraones del Imperio Medio se representan a menudo con cara juvenil.  En la cabeza esculpida del segundo faraón de la dinastía XII, Senwosret/Senutret o, en español, Sesostris I, vemos a un líder joven de mejillas regordetas, con una amplia sonrisa, que muestra la misma expresión de confianza que se respiraba en las estatuas de los faraones del Imperio Antiguo.

Cabeza colosal del faraón Sesostris I con la doble corona del Alto y bajo Egipto. Dinastía XII, ca. 1961-1917 a.C. Tebas, Karnak. Caliza pintada, 73 × 34 × 50 cm. Medelhavsmuseet, Estocolmo.

Figura de faraón como guardián. Dinastía XII, del reinado de Amenemhat II o Sesostris II, ca. 1919-1878 B.C .. Mastaba de Imhotep. Hecho en madera de cedro, yeso y pintura. Dimensiones, 57.6 cm x 11 cm x 26 cm. MET, Nueva York. La figura lleva la corona roja del Bajo Egipto y la cara parece reflejar las características del rey reinante, muy probablemente Amenemhat II o Sesostris II. Apareció con otra figura que llevaba la corona blanca del Alto Egipto, ahora en el Museo Egipcio de El Cairo. La estatua  fue descubierta de pie detrás de una capilla que contenía un objeto sagrado relacionado con el dios Anubis, el llamado imiut, y las dos figuras podría entenderse que funcionaban como guardianes del imiut. El conjunto fue descubierto en 1914 en la zona que rodea la pirámide de Sesostris I en un recinto de adobe que rodea la mastaba de Imhotep, un funcionario de la dinastía XII. 

Unos 50 años más tarde, su sucesor, Sesostris III, proyecta un estado de ánimo totalmente diferente. Su rostro es viejo, flaco y triste. Hay un gran contraste, entre los rostros carnosos y evocadores de los primeros faraones y los ojos saltones de este rey, lo que le aporta un grado más de madurez y humanidad. El rostro de Sesostris III es uno de los más individuales y reconocibles de todo el arte egipcio. Muestra una expresión melancólica que no suele encontrarse en otras caras de los reyes egipcios, que en general son retratados con una más rostro juvenil.

Cabeza de Sesostris III, aproximadamente 1878-1840 a. C. Cuarzo, 45 x. 34,3 x 43,2 cm. Procedencia desconocida. Museo Nelson-Atkins de Arte, de Kansas City, Missouri. Esta cabeza es un fragmento de un conjunto de estatuas sedentes en cuarzo de Sesostris III, que  podrían provenir de algún templo del Bajo Egipto. En este caso el faraón aparecería con el nemes  y el uraeus de la cobra del Bajo Egipto. Se trata de un retrato muy expresivo y nada idealizado. Sesostris III aparece con cara larga y demacrada, los pómulos prominentes, los labios finos y los ojos saltones. Un rasgo propio del Imperio Antiguo es representar al faraón con orejas sobresalientes.  Las arrugas que marcan su piel no buscan mostrar a un anciano, cansado y preocupado, sino a un rey autoritario, inteligente y majestuoso. Esta idea se habría visto reforzada por un desaparecido cuerpo firme y musculoso. 

Y  para terminar con este viaje por el retrato del faraón del Imperio Medio, viene una imagen famosa e inquietante de uno de los últimos gobernantes de la dinastía, Amenemhat III. Una obra maestra de la escultura antigua de Egipto. El espectador se queda con la impresión de que representa los rasgos reales del rey por cómo el escultor ha sugerido tan magistralmente la piel y la carne, convirtiendo una piedra tan dura en una textura aterciopelada. las arrugas de la cara se marcan aún más y en su rostro aparece la preocupación y en sus labios la sensualidad.

Cabeza de una estatua de Amenemhat III con corona blanca del Alto Egipto (ca. 1859 a 1813 a.C., XII dinastía).  Grauvaca, 47 cm x 18,5 cm. Procedencia desconocida. Actualmente en el Ny Carlsberg Glyptotek, Copenhague. 

Pero el faraón debía además constar que restablecía el poder de los dioses. Los templos del Imperio Antiguo en gran parte construidos con ladrillos, se transformaron  durante el Imperio Medio en templos de piedra con pinturas y relieves que representaban al faraón presentando ofrendas a las deidades y reverenciándoles.

Relieve de Nebhepetre Mentuhotep II y la diosa Hathor. Dinastía XII, Mentuhotep II, ca. 2010-2000 a.C. Tebas, Deir el-Bahari, del templo de Mentuhotep II. Piedra Caliza, pintura, 36 cm x 98 cm.

Las mujeres de la realeza siempre estaban estrechamente relacionados con el faraón, como lo demuestra la colocación de sus tumbas y capillas cerca de las del rey. Aunque se sabe menos sobre las reinas y princesas del Reino Medio, tenemos algunas cabezas de una gran belleza como la desconocida de piedra verde-negro. Se la identificada como una reina o princesa, que una vez pudo haber sido parte bestia, con el cuerpo de una esfinge. Todavía hay algo salvaje en su mirada recatada pero ávida pese al vaciado de los ojos. Las esfinges femeninas son extremadamente raras antes de la dinastía XII. Esta mujer se identifica como una reina o princesa por el arranque que se aprecia de la cobra o uraeus real en la frente de la peluca. La peluca estriada, las grandes orejas y la boca recta son características típicas del Imperio Medio. Si bien el contexto original se desconoce, la estatua es casi seguro que se situó en un templo.

Cabeza de una estatua de una reina o princesa como una esfinge. Dinastía XII, ca. 1981-1802 a. C.  Probablemente de Heliópolis. Clorito, 38,9 × 33,3 × 35,4 cm. Museo de Brooklyn. Esta escultura representa a una reina o una hija de rey Amunemhat II. La cabeza tiene una historia compleja. Posiblemente ya fascinó a los romanos porque no se encontró en Egipto, sino en la villa del emperador Adriano en Tívoli.

El retrato del resto de la sociedad egipcia.

Durante el Imperio Medio, los miembros de todos los niveles de la sociedad egipcia construyeron capillas conmemorativas a importantes lugares sagrados para los que encargaron estatuas representando su propia imagen.
Hay algunos modelos iconográficos que se originan en esta época como las figuras en cuclillas creando una forma cúbica, de bloque, o las estatuas en una actitud de oración.

Estatua cubo del Sesostris-senebefni. Dinastía XII, ca. 1981-1802 a. C. Cuarcita, 68,3 × 41,5 × 46 cm. Museo de Brooklyn. Este tipo de estatuas es una innovación del Imperio Medio. Representan a un individuo observando un ritual. Por lo general, es un funcionario de sexo masculino con un manto que envuelve las rodillas flexionadas hacia el pecho para que el cuerpo se convierte en un cubo con los brazos cruzados en la parte superior. Solo sobresalen la cabeza y los pies. Se pueden añadir otras figuras, como en este caso la pequeña imagen de Nebetka, la esposa de Sesostris-senebefni.

La monumentalidad, que significaba importancia y deseo de perdurar, en el Imperio Medio ya no es prerrogativa de la realeza. La gente común, con tal de que tuvieran dinero podía encargar una imagen escultórica para que les hiciera de doble que les sustentase en el más allá.

Estatua del sellador Nemtihotep sentado, dinastía XII, ca. 1981-1802 a. C. Procedencia  El-Burj el Hamam (cerca de Asiut). Cuarcita, 76.5 × 25 × 77 cm. Staatliche Museen zu Berlin, Ägyptisches Museum und Papyrussammlung. La estatua estaba originalmente colocada en una tumba o capilla conmemorativa. Irradia un sentido de trascendencia. Su rostro es comparable a las imágenes del faraón Sesostris III, pero carece de la carne floja y de la estructura ósea visible de las estatuas de ese rey. Lleva un manto envolvente, que es una innovación del Imperio Medio y adopta un gesto de reverencia u ofrenda.

La familia siempre fue un elemento central de la antigua cultura egipcia y en el Reino Medio no es una excepción. Son frecuentes los grupos familiares en estelas y esculturas. Una estela notable a la vista cuenta con representaciones de 30 individuos. Otros ejemplos incluyen agrupaciones conmovedoras de las madres y sus niños pequeños.

Estatuilla del gobernador provincial Ukhhotep y su familia. Dinastía XII, ca. 1981-1802 a.C. Meir (Mir). Granodiorita, 37 × 26 × 15 cm. Museo de Bellas Artes de Boston. Ukhhotep fue nomarca del distrito administrativo XIV del Alto Egipto durante el reinado de Sesostris II. En la segunda mitad de la Dinastía XII, los artistas egipcios hicieron muchas estatuas de pequeña escala en piedra dura retratando a los funcionarios en grupos familiares. Costumbre funeraria que continuaría en la Dinastía XIII. Los rasgos faciales de las cuatro figuras son típicas de la segunda mitad de la Dinastía XII, con orejas muy grandes, de ajuste alto y ojos muy marcados por el párpado. A pesar de que muestran las mejillas arrugadas características de la época, carecen de los ceños fruncidos que se encuentran en muchas piezas contemporáneas y en su lugar sonríen con satisfacción.

Cambios significativos en la creencia en la vida futura durante el Imperio Medio se manifiestan en los nuevos tipos de objetos presentes en los entierros. El Metropolitan posee un buen conjunto de maquetas de madera pintadas obtenidas de las excavaciones que llevó a cabo en 1920 en la tumba del canciller Meketre (ca. 1980-75 a.C.). Las realistas maquetas encontradas en la misma representan la producción de alimentos, la fabricación, y los viajes en barco; que se muestran en varias secciones de la exposición. A través de ellas podemos ver a la gente del común y la vida cotidiana.

Cámara oculta de la mastaba de Meketre, canciller de la Dinastía XII, encontrada en 1920. Foto del descubrimiento con todos los objetos que se amontonaban en su interior.

Detalle de la maqueta de un granero con escribas. Dinastía XII, principios del reinado de Amenemhat I. ca. 1981-1975 a. C. Tebas, tumba de Meketre, serdab. Madera, yeso, pintura, tela y grano. Dimensiones : 74.9 x. 56 cm. Altura de las figuras de 20 cm. Esta maqueta de granero fue descubierta, junto con otras 23 maquetas, en una cámara oculta en el lado del pasillo que conduce a la tumba del mayordomo real Meketre, que comenzó su carrera bajo el rey Nebhepetre Mentuhotep II de la dinastía XI y continuó sirviendo reyes sucesivos en el primeros años de la XII dinastía. El interior está dividido en dos secciones principales: el granero propiamente dicho, donde se almacenaba el grano, y un área de contabilidad con escribas trabajando. 

Detalle de maqueta de velero. Dinastía XII, el reinado de Amenemhat I, temprano, ca. 1981-1975 a.C . Tebas, tumba de Meketre. Madera, pintura, yeso, hilo de lino y tela. Dimensiones,  145 cm. de largo, MET Nueva York. Barcos de este tipo aparecen en las representaciones de la "peregrinación a Abydos" que formaba parte del ritual funerario egipcio del Imperio Medio en adelante. La idea básica del viaje al centro de culto del dios Osiris en Abydos, donde se celebraban la muerte y resurrección del dios. El carácter ritual de este viaje en barco está claramente demostrado por el hecho de que bajo el baldaquino no se encuentra el Meketre vivo sino su estatua, acompañada posiblemente por su hijo, mientras que los sacerdotes realizan rituales de ofrenda frente a ella. 

Portadora de ofrendas. Dinastía XII, tumba de Meketre, serdab. Madera, yeso, pintura. Dimensiones: 112 cm x 17 cm x. 46,7 cm. MET, Nueva York. La mujer lleva sobre su cabeza una cesta llena de cortes de carne. En su mano derecha sostiene por sus alas un pato vivo. La iconografía de la figura es bien conocida desde los relieves del Antiguo Reino en los que se representaban filas de portadores con ofrendas. Habitualmente estas figuras reciben los nombres de los lugares con lo que se identificaban las personificaciones, fincas que proveerían perpetuamente sustento para el espíritu del propietario de la tumba. La mujer está ricamente adornado con joyas y lleva un vestido decorado con un dibujo de plumas, un tipo de ropa asociada con diosas. Por lo tanto, esta figura y su compañera, en El Cairo, también pueden estar asociadas con las diosas funerarias Isis y Neftis, que se representaban en el pie y la cabeza de los ataúdes para proteger a la persona fallecida.

Dioses y culto a los muertos.

Durante el Imperio Medio, el dios Osiris ganó importancia como una deidad funeraria y, a partir de entonces, los muertos en todos los niveles de la sociedad se convirtieron en manifestaciones del dios. Osiris funcionó como el gobernante del inframundo y, por eso, ciertos símbolos e insignias que habían sido prerrogativa exclusiva del rey reinante se utilizaron sobre el cuerpo momificado del dios: un uraeus en la frente y un mayal (un atributo estándar del faraón).

Relieve de Osiris. Dinastía XII, ca. 1981-1802 a. C. Coptos. Piedra caliza, 42 × 37,5 cm. Petrie Museum of Egyptian Archaeology, University College London.

Cabeza de una estatua del dios Sobek Shedeti. Dinastía XII, ca. 1859-1802 a.C. Fayum, Hawara. Piedra Caliza, 54.5 × 51 × 48 cm. Museo Ashmolean, Oxford.

Los dioses también festejan a los faraones.

Dintel de Amenemhat I y Deidades. Dinastía XII, Amenemhat I-Sesostris I, ca. 1981-1952 aC Templo Pirámide de Amenemhat I, Piedra Caliza, pintura, 36,8 cm x 172,7 cm x 13,3 cm. En el relieve rey Amenemhat I se muestra la celebración de su jubileo de treinta años (Heb Sed). Está flanqueado por los dioses Anubis, con cabeza de chacal (delante) y Horus con cabeza de halcón (detrás), ambos de los cuales le ofrecen el ankh, o símbolo de la vida. A la izquierda se encuentra la diosa Nekhbet del Alto Egipto y a la derecha la diosa Wadjet del Bajo Egipto. El rey lleva una peluca muy rizado con el uraeus en la frente y la barba postiza, así como el látigo, de la realeza. El tallado en bajorrelieve es delicado, pero muchos detalles solamente se indican en la pintura.

Los vasos canopos, que contenían los órganos de la persona fallecida durante el proceso de la momificación (estómago, hígado, intestinos, pulmones), se adornaron mucho más en el Reino Medio. Las tapas adquieren forma de cabezas humanas y se convierten en esculturas por propio derecho, abandonándose las tapas planas o abovedadas.

Vasos canopos de Nebsen y Sesostris. Dinastía XII, ca. 1981-1802 a.C. El-Riqqa, Cementerio A, Tumba 116. Caliza. 40 × 22 cm. 

Objetos 

Artefactos de ambientes domésticos, tumbas y templos revelan la amplitud de la expresión artística, la evolución de los estilos, y la transformación de muchos aspectos de la cultura egipcia y la religión.

 Figura de un hipopótamo, alias "William," Dinastía XII,  ca. 1961-1878 a.C, Loza. Un hipopótamo de loza en la colección del Met (arriba) se pinta con los contornos de las plantas de los ríos, que simboliza los pantanos en los que el animal vivió. Desde su llegada en 1917, esta estatuilla ha sido un favorito de los visitantes del museo y durante años se ha conocido como "William". Los hipopótamos pueden haber sido utilizados en las tumbas como protectores mágicos de los muertos. Su color azul brillante sugiere la juventud, el vigor y la regeneración.

Algunas de las mejores piezas de joyería egipcia fue producido para las mujeres de la élite de la época. Son espectacularmente imaginativas: cinturones hechos de conchas, pendienes de oro; tobilleras con garras felinas de oro que colgaban y tintineaban, pectorales mágicos...

Collar de Senebtisi, dinastía XII, finales y principios de la XIII, ca. 1850-1775 a.C. Loza, oro, cornalina y turquesa. 

Pectoral y collar de Sithathoryunet con el nombre de Sesostris II. Dinastía XII, Sesostris II, ca. 1887-1878 a. C. Fayum, Tumba de Sithathoryunet. El oro, cornalina, feldespato, granate, turquesa, lapislázuli, 82 cm de pectoral. MET, Nueva York.

Pectoral, Dinastía XII, ca. 1981-1802 a.C. Probablemente de Dahshur, Oro, 3,8 × 5,7 cm. Museo Arqueológico de la Universidad de Eton College, Windsor. En el centro de este pectoral está el símbolo que representa a la diosa Hathor. A la derecha está el dios Seth, que puede significar el sur de Egipto, mientras que a la izquierda hay una representación de Horus como esfinge, una deidad aquí en relación con el norte de Egipto. Originalmente tenía incrustaciones con piedras semipreciosas.

http://www.metmuseum.org/exhibitions/objects?exhibitionId=%7b36BFD863-BD71-4D58-B1B2-F3F865084DBB%7d&rpp=60&pg=1

SOFÍA RAMÍREZ LÓPEZ Y THE KLOSTER. FOTOGRAFÍAS Y JAZZ EN VIVO.

Esta mañana he recibido dos agradables sorpresas de antiguos alumnos.

Sofía Ramírez se ha dado una vuelta por el Instituto para invitarnos a que asistamos a la exposición de fotografía que realizará en el Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada. No fue alumna mía de Arte, porque lo suyo son las Matemáticas, y por eso desconocía su pasión por la fotografía.

En sus "Narraciones", que expone del 15 de Octubre al 3 de Noviembre de 2015 en la Sala C del CEART, hay instantáneas muy bellas. Ha captado momentos que se llevó en las retinas de un París inusual donde los objetos cotidianos y las gentes reclaman el protagonismo frente a los grandes monumentos.

También ha captado nostálgicas tardes y doradas puestas de sol en las playas malagueñas.

Os invito a todos a que disfrutéis de sus fotos y que si podéis asistáis a la inauguración el 15 de octubre a las 20:00 hrs. Os dejo algunas muestras de lo que podéis encontrar.

La segunda grata noticia me la ha dado Joel Torres, un músico e historiador del Arte, que me invita e invita a todos los que os guste la música de Jazz a un par de conciertos que va a dar este mes de octubre con su grupo, "The Kloster", en Madrid. Las fechas y los horarios son:

- 18 de octubre, a las 20:00h: Sala Fulanita de Tal (c/ Regueros, 9; Madrid) PRECIO: 5€
- 31 de octubre, a las 23:00h: Sala Marula Café (Calle de caños viejos, 3; Madrid) PRECIO: 6€ (incluye una consumición).

Hace dos años los vi actuar en la sala Clamores y me divertí mucho con su estilo Jazz/blues. Aquí tenéis una grabación clandestina del concierto (jaja).