El 8 de marzo de este año 2017, coincidiendo con el día internacional de la mujer, apareció como por encanto la figura frágil, pero gallarda, de una niña de bronce en las calles de Nueva York.
Nadie lo esperaba. La instalación se realizó durante la noche y tenía un permiso temporal del ayuntamiento para ocupar el espacio de la plaza de Bowling Green inicialmente de una semana. La obra había sido encargada por una de las principales empresas de inversiones financieras que trabajan en Wall Street, State Street Global Advisors, como una manera de reivindicar que se incluyan a más mujeres en los consejos de administración.
Inmediatamente, como vemos por las fotos que acompañan este artículo, se convirtió en una imagen viral por todos los que visitaban Nueva York. Sobre todo las mujeres posaban junto a la estatua y la subían a las redes sociales, ansiando parecerse a esta desafiante niña. El permiso temporal se prorrogó primero un mes y el 2 de abril, cuando se agotaba el segundo plazo, recibió un permiso para estar en la calle al menos un año más.
La autora. La escultura, titulada "la niña sin miedo"(Fearless Girl), es obra de la escultora uruguayo-estadounidense Kristen Visbal. Esta escultora, especialista en trabajar el bronce por medio de la antigua técnica de la cera perdida, era conocida por sus figuras de animales y de atletas, pero no se había hecho tan famosa por sus obras anteriores hasta que esta niña le ha puesto en primera línea. Todo el mundo ha querido saber de ella y de su vida. Incluso en España, se ha recordado en las entrevistas que su apellido Visbal es porque sus abuelos eran gerundenses.
Kristen Visbal frente a su niña.
La polémica. El éxito inicial entre la gente se ha reavivado con una nueva oleada de presencia en los medios desde que ha surgido la polémica entre grupos feministas y, sobre todo, con otro escultor, Arturo di Modica.
¿Dónde radica la polémica? Las feministas critican que la iniciativa de patrocinar esta obra ha radicado en una empresa de Wall Street. No ven clara la intención de la compañía. Argumentan que la estatua se ha erigido más por una campaña de marketing de la compañía, que de la reivindicación de que la mujer debe tomar el protagonismo en el mundo bursátil y de la empresa. No voy a entrar en esta polémica.
Me interesa más la segunda controversia. La denuncia que ha hecho de la obra el escultor Arturo di Modica.
Arturo di Modica con su toro.
¿Quién es Arturo di Modica?Arturo di Modica es un escultor italoamericano que se hizo muy famoso por la que hasta ahora era la segunda estatua más popular en Nueva York, Charging Bull o, más conocida, el Toro de Wall Street. Creo que no hace falta decir que el otro icono escultórico que ocupa el primer lugar en el ranking es la decimonónica y gigante Estatua de la Libertad en la que participó Eiffel.
Di Modica colocó la estatua de bronce de su toro el 15 de diciembre de 1989, con nocturnidad y con ayuda de una grúa (pesa 3200 kgs), en medio de Broad Street frente a la Bolsa de Nueva York. Ese día, cientos de espectadores se sorprendieron y se detuvieron para admirarla y analizarla, mientras Di Modica distribuía un folleto sobre su obra de arte. Por supuesto, no tenía permiso del ayuntamiento de Nueva York, ni de la Bolsa, que consideraron su acto como vandálico. La acción del escultor fue un acto ilegal, con una clara intención de saltarse las leyes y de protestar contra el sistema financiero. El significado que daba a su obra es que el toro simbolizaba al pueblo americano, fuerte y poderosos, que plantaba cara y arremetía contra los abusos de las firmas bursátiles (recordemos que 1987 se había producido uno de los peores desplomes de la Bolsa de Nueva York). El escultor se defendía diciendo que lo suyo era un acto reivindicativo de "guerrilla artística" y que era un regalo de Navidad que hacía a los neoyorquinos. Ese mismo día la escultura fue retirada.
A los pocos días, la presión de los ciudadanos y de la opinión pública obligó a rectificar al ayuntamiento que rescató la estatua del depósito municipal y la volvió a colocar, no frente a la Bolsa sino en su emplazamiento actual en Bowling Green, dos manzanas más allá de donde fue puesta el día 15. A partir de entonces todos cambiaron su versión. Al Ayuntamiento ya le parecía una obra de arte. La Bolsa de Nueva York adoptó al toro como su mascota....Y Di Modica cambio el significado de la obra puesto que el un toro ya no era una obra crítica sino el símbolo de todo lo positivo que había en el mundo: la prosperidad y la capacidad de reponerse del pueblo norteamericano y "la libertad, la paz, la fuerza, el poder y el amor".
La estatua del toro también se instaló con un permiso temporal de un año, pero, lo cierto, es que ningún alcalde ha querido enfrentarse a la impopularidad que supondría retirarla, porque como ya hemos dicho es una de las principales atracciones fotográficas de Manhattan. Y tal vez sea también la más manoseada puesto que se ha hecho costumbre tocar su belfo, sus cuernos y su escroto como forma de obtener buena suerte.
Pero, la obra ni siquiera es de la ciudad. Sigue perteneciendo a Di Modica, que en 2004 anunció que estaba a la venta, con la condición de que el comprador no la moviese de su localización actual. Actualmente, el escultor sigue siendo propietario de los derechos de autor de la estatua y ha demandó a los almacenes Walmart y a otras compañías, como la editorial Random House, por vender réplicas del toro o usar su imagen en campañas publicitarias.
Colgante de diamantes y oro blanco de Walmart.
El escultor gastó unos 360.000 dólares para crear, moldear e instalar la escultura, pero la ha sabido rentabilizar al máximo. Su aparente acto de generosidad, no es tal. En los años que han pasado desde 1989 probablemente ha recuperado varias veces el gasto de fundir el toro. No sólo por los derechos de imagen, sino por las réplicas que ha vendido para ciudades de todo el mundo (Shanghai en 2010, Amsterdam en 2012, Abu Dhabi en 2013, Stamford en 2015 y Dubai en 2016) y por la venta de pequeñas versiones a coleccionistas particulares. Y, por su puesto, le ha dado una popularidad que de otra parte no tendría.
La versión del toro en Sanghai.
La querella entre la Niña y el Toro.Arturo di Modica, ha emprendido medidas legales para que se retire la estatua de la "niña sin miedo". ¿Lo logrará? Sus abogados argumentan que "Fearless Girl" ha subvertido el significado del toro, porque con la escultura de la niña desafiante enfrente ya no se puede interpretar su obra como un mensaje positivo y optimista, sino como una fuerza negativa y una amenaza.
La querella y la polémica suscitada por Di Modica me parecen hipócritas. ¿Por qué no quiere a la niña frente a su toro? Porque, evidentemente, le ha hecho perder protagonismo y le ha arrebatado la popularidad de gran parte de los que se fotografían en la plaza. Di Modica lo que hace es negar a otro lo que él mismo hizo. El se apoderó sin permiso de una plaza y de la imagen de la Bolsa y ahora se niega a compartir con la niña su privilegiado espacio y el ser símbolo de Nueva York.
No obstante, hay otras personas que no piensan lo que yo, como el escultor Alex Gardega, que instaló junto a la de la niña su propia estatua, llamada "Pissing Pug", durante tres horas. Una estatua de un perro pequeño orinando sobre su pierna. Una estatua para ridiculizarla, igual que degrada la niña al toro.
"La provocación es la gran razón de que exista el arte. Para que a algo lo llamemos "arte" y no diseño tiene que tener algún mensaje, lo que sea, porque si no es una "silla".
David Černý ante la escultura Entropa. La obra estuvo colgada en el edificio del Consejo de la Unión Europea en Brusela, durante la presidencia checa de la Unión Europea en 2009. La estatua, de dieciséis metros de altura, contiene en un formato como de "recortables" de plástico a todos los países que forman parte de la UE. Cada país está representado con un estereotipo específico por el que es conocido en otros países de Europa, lo que generó la protesta de algunos. Por ejemplo, Bulgaria decidió convocar al embajador checo en Sofía con el fin de discutir la ilustración del país balcánico como una colección de retretes. En la foto, Černý presenta la obra en el museo de arte contemporáneo "Dox" de Praga. La obra cumple su objetivo de provocar al espectador que se puede reir o indignar y, por supuesto, cumple con el deseo del artista de ser políticamente incorrecto.
El controvertido artista checo David Černý (Praga,1967) no tiene miedo a molestar a la gente. Desde que se dio a conocer en 1991 por pintar de rosa un tanque soviético que conmemoraba la liberación de Praga por el Ejército Rojo a finales de la segunda guerra mundial, la sociedad checa no deja de escandalizarse y de admirarlo. En aquel entonces, su acto de desobediencia civil se consideró "vandalismo" y fue detenido inmediatamente. Hoy, sus obras al aire libre sorprenden al visitante en cada rincón de Praga, sirviendo de contrapunto satírico y divertido a la belleza y armonía clásicas de la ciudad. Su inconformismo ha traspasado las fronteras y se ha convertido en un motivo más para pasear por Praga. Veamos algunas de sus creaciones más sorprendentes.
Nacido en 1967, Cerny era un joven estudiante de arte durante la pacífica Revolución de Terciopelo de 1989, que puso fin a 41 años de opresión comunista en la antigua Checoslovaquia. Su acto, junto a unos amigos, de pintar de rosa este monumento nacional fue un acto político reivindicativo contra un régimen extinguido, que, en 1991, dos años antes de que se fundara la República Checa, no fue comprendido por todos. En la imagen vemos a los praguenses entre curiosos y escandalizados por encontrar el mítico carro de combate pintado de rosa.
El tanque actualmente está fuera del pedestal y de esa plaza y luce un dedo anular erguido, también rosa. Ya todo el mundo lo considera un icono del cambio en el país. Ahora se encuentra en el Museo Militar Lešanská.
Aquel gesto simbólico de protesta contra los más de 40 años de control soviético y de denuncia de lo que se estaba viviendo en los países del Este desde finales de la década de los 80, tuvo también su precedente en otra obra simbólica como Quo vadis, una escultura en plástico de un coche Trabant con piernas. La obra fue instalada en la ciudad vieja de Praga en 1990 y simboliza el escape masivo de los habitantes de la República Democrática Alemana hacia la Alemania Occidental por la embajada de Alemania en Praga en el verano y otoño de 1989. La gente que quería escapar venía a Praga en sus coches y después los dejaban abandonados delante de la embajada para siempre.
Quo vadis, 1991, bronce. La instalación hoy en día está en el jardín de la embajada alemana en Praga, para la que se refundió en bronce en 2001.
Desde estas primeras obras en adelante el trabajo de Černý ha sido mirar con ojos críticos la historia y la realidad política e intelectual de su país y de Europa. Sus instalaciones buscan llamar la atención y provocar reacciones en el espectador.
Muy polémica fue la estatua de Sigmund Freud colgando de un brazo o el Colgado (Viselec). La polémica se centró en el mensaje, pero también fue alarmante por la sorpresa que causó al instalarse sin previo aviso en algunas ciudades como Chicago o Seúl, donde la gente la confundió con un suicida y llamó a la policía y a los bomberos. La estatua se hizo en el año 1997 y el autor dice sobre ella que quería interpretar el estado de un intelectual a finales del siglo veinte. La estatua agarra con una mano un palo para salvarse de caer, pero a la vez su otra mano la tiene metida en el bolsillo, esta sería la metáfora y contradicción de que los intelectuales están en una situación desesperada pero, a la vez, resignados.
Sigmund Freud hoy se encuentra colgado de un edificio en la calle Husova en Praga. Material, fibra de vidrio, altura: 220 cm.
Entre sus obras más famosas se incluye la atrevida escultura "Caballo" de 1999 , que representa a otro mito histórico de Chequia, el rey San Wenceslao, patrón de la República Checa, sentado en la misma posición que su estatua original, pero su caballo se encuentra boca abajo, atado por las piernas, muerto y con la lengua fuera. Una ácida visión de la tradición histórica de Chequia. La estatua fue originalmente situada en el extremo inferior de la plaza de Wenceslao, frente a la escultura ecuestre que satiriza, pero hoy se puede ver en la Galería Lucerna de Praga. El propietario de la Galería llegó a un acuerdo con el artista de que la instalación colgaría allí hasta que en las tierras checas fuese restaurada la monarquía constitucional.
Para no ser domesticado, Černý siguió percutiendo sobre la conciencia pública, por ejemplo, con esculturas gigantes de dos grandes traseros desnudos, Brownnosers. El artista casi siempre anima a sus espectadores a interactuar con sus obras, y, en esta pieza, el observador puede subir por la escalera y introducir la cabeza en el interior del culo. Lo que se ve dentro es un video que representa al Presidente checo Vaclav Klaus y al director de la National Gallery de Praga, Milán Knizak, dándose mutuamente una cucharada de papilla.
Brownnosers, es una instalación-metáfora de la política checa, pero puede que también sea una burla para cualquier ciudadano voyeur que es capaz de mirar lo peor de la política sin tomar medidas o incluso sin que le moleste el olor. Este proyecto, creado en 2003, tiene una sorprendente similitud con el surrealismo satírico de El Bosco o Peter Brueghel. Hoy se puede ver esta instalación permanente en la galería Futura de Praga. Mide 5,20 metros.
Otra famosa escultura/fuente de Černý es Piss, son dos hombres orinando en un pequeño estanque con la forma del estado checo. Están manejados por un mecanismo electrónico que les permite girar las caderas y mover el pene para escribir letras en un estanque con el chorro de agua que sale de él. Normalmente “escriben” unas citas checas famosas, pero los espectadores pueden interactuar con las figuras y mandar un sms al número de teléfono que está al lado de las estatuas con un texto propio y ellas lo pueden escribir.
Piss - Hergetova cihelna, 2004. Kafka Museum, Praga. Bronce, 2,10 metros de altura.
Aunque el artista no se ha moderado en absoluto, sí que se advierte que desde comienzos del siglo XXI ha empezado a ser menos ácido y más comercial con algunas de sus obras sin dejar de ser polémico.
Entre sus otras obras famosas incluyen "Bebés Bebés", esculturas de fibra de vidrio negro de 10 bebés que se encuentran en la torre de televisión Žižkov . Se instaló de forma temporalmente en un comienzo en el marco de los eventos de Praga como Ciudad Europea de la Cultura de 2000. Pero dado el gran éxito obtenido se volvió a montar en 2001 de forma permanente. La propaganda de la instalación se la hizo en 2009 el servidor VirtualTourist.com que nominó a la Torre Žižkov como el segundo edificio más feo del mundo, pasando a ser desde ese momento visita obligada dentro de la ciudad de Praga.
Bebés. Torre de la televisión Žižkov, Praga. Fibra de Vidrio negra. Cada niño tiene una altura de 2,60 metros y un largo de 3,50 metros.
En comparación con sus otras obras, Metalmorphosis (2007), una escultura de espejo ubicado en el Parque Tecnológico de Whitehall en Charlotte, Carolina del Norte, es dócil y aparentemente apolítica. La creación consiste en cerca de 40 piezas de acero agrupados en 7 segmentos que giran de forma independiente de 360 grados. La boca escupe agua en una enorme piscina en la que se asienta. Cuando los segmentos están alineados, la escultura representa una cabeza gigante de plata. Cuando se empieza a girar a distinto ritmo sus partes la figura se descompone. El resultado es una escultura extrañamente fascinante que al estar en perpetuo movimiento capta nuestra atención.
Metalmorphosis, 2007. Acero inoxidable; altura: 17 metros; peso de 14 toneladas. Charlotte, Carolina del Norte. Parque tecnológico.
Metalmorphosis es un homenaje, de nuevo, al universo literario cambiante y rotatorio del escritor checo, Franz Kafka. Černý hace suyo el concepto de Kafka y se lo aplica a esta cabeza a la que considera como una especie de autorretrato de su propia psique. Tal vez porque el temperamento artístico rebelde de Černý incluye la creación de una biografía falsificada de sí mismo por los medios de comunicación.
La última obra cinética del polémico artista checo incide sobre la idea anterior: es la cabeza del escritor Franz Kafka. La pieza quiere captar la personalidad torturada y la autoimplacable duda que atormentaba al escritor durante toda su vida.
Cabeza rotante de Frank Kafka o K., 2014, Praga. Acero inoxidable, altura de 10 metros. Peso de 45 toneladas, 38 de ellos en movimiento. 42 capas con accionamiento independiente. Se encuentra en Národní třída en Praga dónde forma parte de la reconstrucción y modificación de la estación de metro y los alrededores de esta.
La instalación llamada "Speederman" de 2014, juega con la velocidad y con la confusión con el superhéroe arácnido. El movimiento de este gigante aparece congelado a través de las bandas metálicas que se proyectan tras la figura que por la noche se iluminan cambiando de color. Es una metáfora sobre el ritmo frenético de las sociedades urbanas y de la complejidad en el camino en nuestra vida diaria.
Speederman, 2014. 3,60 metros de altura. Fibra de vidrio, pantallas LED, acero y cableado electrónico.
En este mismo estilo de combinar metal y luz se encuentra la instalación "In utero" de 2013, una estructura de placas de acero inoxidable de 6 metros de altura que representa a una mujer embarazada. Los visitantes pueden asomarse a su interior y sentirse dentro de la matriz.
In utero, 2013. Exterior de acero inoxidable e interior luces y sonido ambiente. Calle Dlouha en la vieja Praga.
Más lúdico se presenta en la obra, London Booster, que diseñó para los Juegos olímpicos de de Londres de 2012. Es una réplica del típico autobús inglés rojo de dos pisos del que salen dos brazos hidráulicos que a intervalos hace flexiones. Durante los juegos la estatua estuvo delante de la casa Checa en Londres, pero ahora la podemos encontrar en Praga.
En este artículo visitamos los jardines del palacio de Versalles, pero no para informarnos sobre ellos, sino para asistir a la controvertida exposición de Anish Kapoor, un artista que realiza instalaciones monumentales ("site-specific") que, en esta ocasión, interactúan con los visitantes del sitio más representativo del Antiguo Régimen de Francia. Kaapor es uno de los escultores más influyentes que trabajan hoy en el mundo por sus formas escultóricas enigmáticas, que permean el espacio físico y psicológico, pero también de los más polémicos. La muestra permanecerá allí desde junio a noviembre de 2015 para comprobarlo.
Anish Kapoor en la presentación de sus instalaciones de Versalles ante la prensa el 5 de junio de 2015.
Analicemos su trayectoria y veamos a la vez lo que nos presenta en Versalles.
Las raíces del trabajo de Anish Kapor. Décadas de los 80 y 90.
Anish Kapoor nació en Bombay (1954), pero se formó y reside en el Reino Unido desde 1973. Siendo todavía estudiante, participó en diferentes concursos y muestras (v.g. exposición colectiva Art into landscape, 1974, en la Serpentine Gallery de Londres) donde ya mostró su predilección por la abstracción escultórica y las instalaciones. Se fraguaba ya la figura de uno de los máximos representantes de la denominada nueva escultura británica, junto a otros artistas como Richard Deacon y Toni Cragg.
Para entender su estilo a partir de la década de los 80, que es la que le catapulta a la fama, hay que conocer sus raíces hindúes, aunque él siempre afirma que su origen no tiene nada que ver con su genio artístico. Pero es un hecho que su reconocimiento internacional llegó tras la visita que realizó a la India en 1979 después de muchos años de ausencia. En el reencuentro con su tierra natal quedó fascinado por los múltiples colores de los montículos de polvo de especias y plantas medicinales que se ponen a la venta en los puestos callejeros. Estos polvos se utilizan como ofrenda y se arrojan contra la gente en las fiestas de la primavera.
Puesto del mercado de Devajara en Mysore, India, donde se venden los polvos de colores que se utilizan en la fiesta de Holi.
De regreso a Inglaterra, comenzó a explorar las posibilidades del uso pigmentos de colores vivos en polvo sobre formas geométricas hechas con contrachapados de madera inicialmente y luego en fibra de vidrio. Así surgieron obras como las de la serie 1000 Nombres (1000 Names) que expondría en la Galerie Patrice Alexandre de París en 1980, su primera muestra individual. A partir de 1986 abandonó la madera y recurrió a la piedra (bloques de granito, caliza, arenisca, mármol o yeso) para crear sus estructuras abstractas, a las que también dio toques de color. El Museo Reina Sofía de Madrid adquirió en 1991 obras de ambos estilos.
Anish Kapoor. 1000 Names (1000 nombres), 1979-81. Contrachapado de madera, yeso mate y pigmentos, 122 x 183 x 183 cm. Museo Reina Sofía, Madrid. Las esculturas de Kapoor suelen explotar las cualidades místicas y emocionales de color. Estos primeros trabajos consistieron en nítidas formas orgánicas y geométricas cubiertas con suntuosos pigmentos en polvo de distintos colores. Bajo su manto de color puro, las esculturas de Kapoor parecen casi incorpóreas e ilusorias, sin peso, como si estuviesen suspendidas. La foto de la instalación en el museo no puede ser de peor calidad. Lo siento.
Anish Kapoor. Es hombre (It´s man), 1988-1990. Piedra arenisca y pigmentos negros, 241 x 127 x 114 cm. Museo Reina Sofía. La obra es una reflexión sobre el espacio. Kapoor, siempre atraído por los opuestos, confronta en esta obra lo pesado del bloque con el aparente vacío interno que provoca el rectángulo negro hecho con pigmentos en polvo.
Su éxito fue vertiginoso en los años 80, llegando el caso de que sus obras se vendieran incluso antes de la inauguración de la exposición, como le ocurrió en la que hizo en la Barbara Gladstone Gallery de Nueva York de 1986. No tardaron los premios como el Premio Duemila al Mejor Artista Joven, por su participación en la 44 Bienal de Venecia, en 1990, y, un año más tarde, el prestigioso Premio Turner. Y con los reconocimientos llegó el ingreso en los museos de arte contemporáneo de todo el mundo: la Tate Gallery o la Hayward Gallery de Londres, el Deutsche Guggenheim de Berlín, el Reina Sofía de Madrid, o el Kunsthalle de Basilea. Para saber más sobre su curriculum, exposiciones y premios, que son muchos, pinchad en este enlace con su biografía que elaboró el Museo Guggenheim de Bilbao. De esa manera me permito centrar el artículo en apreciaciones artísticas a cerca de su estilo y obra.
Anish Kapoor. "Como si al celebrar, descubrí una montaña que florece con flores rojas" ("As if to celebrate, I discovered a mountain blooming with red flowers"), 1981. Madera, cemento, poliestireno y pigmentos de colores, dimensiones variables. Tate Gallery Modern. Esta obra, en la misma línea que la que posee el Museo Reina Sofía, fue adquirida por la Tate en 1983. Pertenece a la serie de los 1000 nombres. El nombre o título proviene de combinar el comienzo de un Haiku japonés, que le impresionó, con el mito del nacimiento de la diosa hindú (Devi) en una montaña de fuego.
Sus pigmentos vivos empezaron a cubrir formas de tamaño cada vez mayor como óvalos y cavidades hemisféricas hechas de fibra de vidrio. Una de sus obras más representativas de esta época es En el centro de las cosas (At the Hub of Things), que se considera obra cumbre de los conocidos como «vacíos». Cubierto por un vivo pigmento de polvo azul prusia, este hemisferio cóncavo de fibra de vidrio simboliza al aspecto femenino de la divinidad hindú, Kali, representada en su profundo azul oscuro. La cavidad, que evoca la feminidad y la Gran Diosa, sugiere las profundidades ocultas del vientre, pero también puede ser su opuesto si la rodeamos, convirtiéndose en la convexidad. Por lo tanto, la escultura alude a la vida, así como a la oscuridad y a lo desconocido. Mirar en ese profundo vacío azul es una experiencia vertiginosa que provoca a la vez miedo y alegría.
En el centro de las cosas (At the Hub of Things), 1987. Fibra de vidrio y pigmento, 150 × 163 × 141 cm. Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington, DC.
En los años 90 continuó trabajando en las formas simples, pero atreviéndose cada vez más con el gran formato y buscando implicar a los espectadores en sus obras, es decir, empezó a realizar verdaderas instalaciones artísticas más que esculturas de gran tamaño. En una instalación el visitante tiene que relacionarse necesariamente con las obras, meterse en ellas, y experimentar sensaciones como el vértigo, la soledad o la intimidad. Una de sus primeras grandes instalaciones fue la que realizó en Londres en 1998 en la Galería Hayward, de la que poseemos imágenes de su creación (ved el vídeo de debajo de la siguiente foto). Kapoor suspendió una enorme cúpula de ocho metros del techo pintada con el seductor pigmento rojo que utilizara en obras anteriores.
Anis Kapor. En el Borde del Mundo II (At the Edge of the World). En esta obra Kapoor juega con el color y la escala, con las sensaciones de atracción y nos hace replantear nuestra visión de nosotros mismos y del mundo que nos rodea.
Sus obras tienen ya un carácter arquitectónico y necesitarán la modificación o la construcción de edificios especiales donde albergarlas. También en estos años empieza a experimentar con los espejos. El siguiente vídeo es verdaderamente interesante porque podemos ver cómo realiza las obras para la exposición de 1998 y cómo transforma la sala de exposición totalmente para conseguir sus efectos.
Marsyas, para la Tate Modern, 2002.
La búsqueda de la obra que impresione y que permita interactuar con el espectador desembocó en 2002 en la colosal Marsyas, creada para un antiguo edificio industrial, la sala de turbinas, de la Tate Modern de Londres. Nos detenemos en ella porque realmente es una obra clave de su producción. Con ella, el artista juega descaradamente con la escala humana haciendo que sus dimensiones hagan imposible verla desde un solo ángulo, de manera que el espectador deba caminar a su alrededor y subirse en alto para comprender la inmensidad de la obra. Es el comienzo de una serie de instalaciones gigantes, en muchas de las cuales colaborará con él el ingeniero de estructuras Cecil Balmond.
Anis Kapoor. Instalación llamada Marsyas, Sala de Turbinas de la Tate Modern. Consta de tres anillos de acero unidos por un solo tramo de membrana de PVC. Dos de los anillos están posicionados verticalmente en cada extremo de la nave como tímpanos o trompetillas, mientras que un tercero se suspende en paralelo con la terraza-rellano que hay en medio de la sala. De pie, bajo este anillo y mirando hacia el vórtice de remolinos de color rojo, se pueden escuchar ecos de otros lugares, provocando un estado de admiración y asombro.
La membrana de PVC tiene una calidad carnosa, que Kapoor describe "como una piel desollada", como tendones elásticos. El título se refiere a Marsias, el sátiro en la mitología griega que fue desollado vivo por el dios Apolo. El color rojo oscuro de la escultura sugiere algo orgánico, que "pone los pelos de punta" cuando pensamos en la muerte del sátiro.
Ante el desafío de la altura de enormes proporciones de la Sala de Turbinas, concibió su obra, paradójicamente, usando su longitud. La escala colosal en relación al ser humano y cómo se relacionaría con el espectador fue central en su pensamiento. Tal colosal obra, por desgracia, ahora no se puede ver en el Museo. Al acabar el periodo de muestra, la obra se desmontó, se enrolló y se almacenó en Norfolk en espera de tiempos mejores.
Las obras de los últimos años. Investigación en nuevos materiales y sensaciones.
La cera roja.
En 2003 comienza su indagación con otro material, que claramente se relaciona, por el magnífico color rojo sanguíneo, con lo que anteriormente había hecho. Me refiero a la cera roja y lo que hace en Mi patria roja (My Red Homeland). Una enorme masa circular de 25 toneladas de color rojo es diseccionada lentamente por una hoja de acero que arrastra la cera cortada hacia el exterior del círculo, creándose y destruyéndose a la vez.
Aunque pudiera pensarse que el título de la obra "My Red Homeland" potencialmente podría referirse a su lugar de nacimiento, la India, en realidad se refiere a "mi patria interior". Según sus declaraciones "siempre he pensado en el color rojo como mi color interior". El rojo es el color de la sangre, de la pasión y de la emoción; el rojo es el color de la carne.
Es una obra inquietante en la que se invita al espectador a sumergirse en el eterno movimiento circular de la masa, silencioso, lento y continuo de "My Red Homeland". A reflexionar sobre la materia y el ciclo de la vida.
La cera roja es empleada en otras obras de los años siguientes con la misma idea descarnadora e hiriente. En 2006, realiza Pasado, presente, futuro ("Past, present, future"), una instalación escultórica que consiste en una cúpula de cera que un brazo mecanizado pintado de blanco y con forma que simula la pared de la galería va afeitándola en su lenta rotación.
Kapoor resulta más interesante en la obra titulada Svayambh. Aquí, un bloque de cera roja del tamaño de un pequeño vagón de tren atraviesa varias salas de cualquier edificio donde se expone dejando parte de la cera roja en su camino. La pieza toma su nombre del vocablo sánscrito “svayambhu”, que es aquello que se genera a si mismo, que es autogenerado. La primera vez que se montó fue para el Museo de Bellas Artes de Nantes en 2007. El bloque viscosos se desplace muy lentamente, casi de forma imperceptible, y en una progresión casi dolorosa, puesto que se deja parte de su materia entre arcos o puertas demasiado estrechas. Tras cada puerta, el bloque irrumpe en el ambiente emulando una suerte de parto colosal. El contraste entre la aparente asepsia de los muros blancos y la textura de la masa de color rojo, que recuerda la sangre, resulta muy inquietante para el público. La obra invita a tocar, a dejar la huella de nuestras manos en la masa sanguinolienta.
Svayambh en la exposición de Kapor en la Real Academia de las Artes de Londres en 2009.
La instalación Svayambh en tiempo lapsado en la exposición de Kapor en el Haus der Kunst, Munich, 2008.
Kapoor juega también con la cera roja y la inocencia de los muros blancos en la instalación titulada Disparando a la Esquina, (Shooting into the Corner), que presentó por primera vez en 2008. En este caso, un cañón creado con un compresor neumático, dispara cada cierto tiempo una bala de cera roja de 11 kilos contra una pared, esquina o puerta. De nuevo la obra resulta muy agresiva por el efecto del color que salpica las paredes y el suelo con pedazos sanguinolientos. El sentimiento de rechazo contra lo que vemos vuelve a inundar al espectador y nos hace pensar en la guerra y sus víctimas, pero tal vez es más conmovedor el sonido del cañonazo que sorpresivamente rompe el silencio de la sala.
Este montaje es uno de los que está presentes en la exposición de Versalles. Pero esta vez la obra se impregna del contexto histórico. En otras instalaciones la obra es a lo sumo un alegato contra la carnicería de la guerra; en Versalles, en cambio al estar alojada en la Sala del Jeu de Paume adquiere una dimensión más polémica aún. La sala es el lugar donde se constituyó la Asamblea Nacional en 1789, el lugar donde dio comienzo la revolución francesa. La violencia de los cañonazos, el color rojo sangre del pigmento y la masa informe acumulada en la esquina nos hace pensar necesariamente en las vidas que la democracia ha costado a la humanidad.
Anish Kapoor, Tiro a la esquina (Shooting into the Corner), 2008-2009. Instalación temporal en la Sala del juego de Pelota del palacio de Versalles en 2015 (junio a nov).
El acero inoxidable pulimentado. Efecto espejo curvo.
Entre 2004 y 2006, Anish Kapoor realizará su primera obra de carácter público en los Estados Unidos, se trata de la Puerta de la nube (Cloud Gate), instalada en el Millenium Park de Chicago. Está compuesta por 168 placas de acero inoxidable soldadas entre sí y pulimentadas de tal manera en su exterior que no tiene costuras visibles, lo que la convierte en un gigantesco espejo arqueado que refleja y distorsiona a la vez el entorno en el que está. La forma que adquiere es como la de una alubia gigante (así es conocida vulgarmente en Chicago), aunque realmente se inspiró en las gotas de mercurio líquido. Los visitantes del parque se sienten atraídos por la obra, la rodean, entran debajo de ella y juegan con su imagen. Con este tipo de obra inicia otro camino de investigación en nuevos materiales y en cómo interactuar su obra con el público.
Puerta de la nube (Cloud Gate), 2004-06. Millenium Park de Chicago, Estados Unidos. Escultura de acero inoxidable de 10×20×13 m, que pesa 98 toneladas.
De esta utilización del acero han surgido más creaciones para espacios públicos, como Espejo del cielo (Sky Mirror), que se colocó en 2006 en el Rockefeller Center de Manhattan, uno de los sitios más céntricos y representativos de la ciudad de Nueva York. El artista volvía a jugar con el espacio y con la percepción del mismo. Se trataba de mostrar al espectador, por un lado, el trajín del tráfico y de las personas yendo y viniendo por la plaza, en contraste con la imagen de un cielo atrapado en el centro cóncavo del espejo. Mientras que, si miramos por la parte convexa, los que nos vemos atrapados en la vorágine de la ciudad somos nosotros mismos.
Anish Kapoor. Rockefeller Center, Nueva York, 2006. La obra poseía 10,6 metros de diámetro y pesa 23 toneladas y alcanzaba tres pisos de altura. El lado convexo apuntaba hacia la Quinta Avenida y el lado cóncavo hacia el patio del Rockefeller Center. El espejo reflejaba e invertía los rascacielos de dicho complejo, rebajando así "el cielo hasta el piso".
Pero también el espejo puede ser utilizado en la naturaleza o en espacios históricos. En la foto inferior podemos ver una versión de Sky Mirror en Kensington Gardens, utilizado en una muestra temporal entre 2010 y 2011.
Sky Mirror también está presente en la exposición de los jardines de Versalles (junio-nov 2015), aunque no parece también integrada que en los otros dos espacios anteriores. De momento es la obra que menos seduce a los visitantes, que como vemos en la foto le han encontrado una utilidad menos elevada a la instalación.
Otra versión del espejo curvo realizado con acero inoxidable es C-Curve (2007). Por su formato panorámico y por presentarse a ras del suelo es más apto para que espectador y obra interactúen. En la misma idea, hay otra versión, conocida como S-Curve, que lo único que aporta de más es una doble concavidad y convexidad. C-Curve ha sido presentada en distintos espacios. A mi juicio donde consigue atrapar más la atención y la fantasía del espectador es en los paisajes abiertos, porque la naturaleza dota de movimiento y de luz cambiante a la obra. La parte cóncava voltea la realidad y el suelo se convierte en el cielo, mientras que la parte convexa puede ser un espectáculo de fantasía. Si veis el vídeo de debajo de la primera foto entenderéis mejor esta última afirmación.
Anish Kapoor. C-Curve en el Brighton Festival de 2009. Acero inoxidable, 220 × 770 × 300 cm.
Las nubes de Brighton en C-Curve en tiempo lapsado.
C-Curve también está en los jardines de Versalles. Y no es la primera vez que se ha expuesto en un contexto artístico. Puso "El mundo al revés" en el museo del Louvre en las salas de Asiria en 2007.
Los espejos curvos bajo el Salón de los Espejos de Luis XIV, Versalles (2015), adquieren un aspecto político e histórico que no podría sostener en otras situaciones.
Muy atractiva resulta la idea del acero inoxidable pulimentado aplicada a la esferidad. La monumental obra de KapoorEl gran árbol y el ojo (Tall Tree & The Eye, 2009), instalada desde 2010 en el exterior del Museo Guggenheim de Bilbao, consta de setenta y tres esferas reflectantes asentadas sobre tres ejes. Las superficies de las esferas se refractan entre sí, creando y disolviendo simultáneamente la forma y el espacio. Las imágenes de la ría del Nervión y el propio Museo adquieren una suspensión dinámica. El único "pero" que le pongo es que su instalación en medio del canal de agua impide que exista conexión directa entre el público del museo y la obra, lo que indudablemente no estaba en la mente de Kapoor.
Anish Kapoor. El gran árbol y el ojo (Tall Tree & The Eye), 2009. Acero inoxidable y acero al carbono, 13 x 4,4 x 4,4 m. Museo Guggenheim de Bilbao, España.
De nuevo lo colosal y sorprendente relacionado con la industria.
Los proyectos más ambiciosos aún estaban por venir. El recuerdo que dejó su Marsyas y alguna otra obra menor entre los ingleses. le impulsaron a recibir encargos permanentes de instalaciones escultóricas o de ingeniería colosales desde 2008.
Ese año Anish Kapoor aceptó el reto de crear Temenos para el "Valle de los Soportes Gigantes" (Tees Valley Giants), un proyecto colectivo de construir en los siguientes 10 años cinco esculturas colosales en el Teeside, una conurbación del noreste de Inglaterra (Middlesbrough, Stockton, Redcar, Hartlepool y Darlington). Para planificar y levantar la enorme red «cazamariposas» de 55 metros de altura y 110 de longitud recurrió a su colaborador, el ingeniero Cecil Balmond. La magnitud de la estructura de malla de acero inoxidable entre dos anillos, acabada en 2010, es un homenaje al pasado industrial de la localidad.
Anish Kapor. Temenos, 2008-2010. Acero inoxidable. La escultura se encuentra en un paisaje industrial y portuario bastante sombrío entre el puente de Middlesbrough Transporter y el estadio Riverside. La instalación permanente ha resultado muy controvertida, no sólo por su forma, sino también porque costó 2,7 millones de libras.
En 2010, Kapoor y su ingeniero Balmond recibieron un grandísimo encargo para los Juegos Olímpicos y Paraolympicos de Londres 2012. La enorme torre de acero que gira sobre sí misma llamada la gran Órbita ArcelorMittal (ArcelorMittal Orbit). Se trata de una escultura y a la vez de un edificio. Su forma recuerda al proyecto de la Torre Tatlin para la Tercera Internacional. Es un bucle continuo de acero tubular que llega hasta los 115 metros de alto y en el que se invirtieron 1000 toneladas de acero.
La torre contiene dos 2 plataformas que ofrecen una espectacular vista sobre el complejo olímpico y la ciudad de Londres.
Kapoor vendría a sorprender de nuevo al espectador con una nueva obra: Leviathan, «Un monstruo marino, grande, amorfo, incontrolable y que provoca emociones". El monstruo bíblico se dejó ver durante la cuarta edición del Grand Palais de París en 2011. Se trataba de un conjunto de esferas de goma de color púrpura que intentan buscar hueco entre los hierros y el vidrio de la enorme sala del museo parisino. Pero lo más interesante estaba en que el visitante podía pasear por su interior como si hubiera sido engullido por un monstruo.
Anish Kapoor. Leviathan, exterior, Gran Palais de París, 2011. Exterior.
Anish Kapoor. Leviathan, exterior, Gran Palais de París, 2011. Interior. Una vez dentro, se convierte en una membrana translúcida brillante de color rojo cereza. Al ser traslúcido podemos contemplar el exterior. “Mi ambición”, dice Kapoor, “es crear un espacio dentro de un espacio que responda a la altura y la luminosidad de la Nave en el Grand Palais. Los visitantes serán invitados a caminar dentro de la obra, a sumergirse en el color, y será, espero, una experiencia contemplativa y poética“.
Para tener una idea más perfecta de lo que se sintió en esta instalación temporal os animo a que veáis este video.
En Versalles se ha construido una instalación, el único trabajo realizado especialmente para la exposición, que tiene algo que ver con Leviathan y Marsyas. Me refiero a un cubo modular titulado como Sectional Body Preparing for Monadic Singularity (2015). El trabajo hace referencia a las instalaciones mencionadas, a menor escala, por su dualidad entre el interior y el exterior, su color rojo y por las costuras de PVC que recuerdan tendones al ser contempladas desde el interior.
Anish Kapoor. Sectional Body Preparing for Monadic Singularity (2015). En los jardines de Versalles. Exterior.
Anish Kapoor. Sectional Body Preparing for Monadic Singularity (2015). En los jardines de Versalles. Interior.
Pero la obra que más polémica ha suscitado de la exposición de Anish Kapoor en los jardines de Versalles ha sido la instalación llamada ‘Esquina Sucia’ (Dirty Corner), un enorme túnel de acero rodeado de piedras que su creador ha definido en una publicación francesa como “la vagina de una reina tomando el poder”. “Lo que estoy haciendo es coger la superficie del jardín de Le Notre, abrirla y mirar dentro, o intentar mirar dentro. Inevitablemente, uno se topa con el cuerpo, nuestros cuerpos, y con un cierto nivel de sexualidad.”
Anish Kapoor, ‘Esquina Sucia’ (Dirty Corner), 2011-2015. Instalación en Versalles.
Esquina sucia (2011-2015) es, de hecho, una instalación construida originalmente para la Fabbrica del Vapore de Milán en 2011. Allí, la obra se instaló en un almacén industrial a lo largo de 60 metros de longitud. El largo pasillo de Cor-Ten de acero sumergía al espectador progresivamente en una completa oscuridad mientras atravesaba su longitud, lo que le hacía perder su percepción del espacio. La obra se cubría de 160 metros cúbicos de tierra roja con un dispositivo mecánico, pareciendo que el túnel atravesaba una montaña de suciedad.
Anish Kapoor. Esquina sucia para la Fabbrica del Vapore en Milán, 2011. Acero 60 metros de largo por 8 de altura.
En Versalles, el tubo de acero se encuentra la alfombra de verde cesped que se extiende entre el palacio y el Gran Estanque, con la boca del pasadizo dirigida hacia el palacio. En Versalles, en lugar de la tierra roja fina que se acumulaba gradualmente a lo largo de la estructura, Kapoor ha cubierto las secciones del tubo de acero con grandes piedras irregulares y montones de tierra, parte de este es su famoso detritus rojo sangre. En este contexto de Versalles, Esquina sucia se convierte en una obra con significados completamente diferentes. Y la polémica ha saltado no porque ofenda la armonía de los jardines, sino por la interpretación sexual que ha expresado el artista. El morbo está servido.
El artista como dominador de otros elementos.
EL AIRE Y EL AGUA.
El atrevimiento de Anish Kapoor ha llegado muy lejos. Su idea de la creación le ha llevado a intentar ser como Dios y crear instalaciones artísticas con no-materiales escultóricos: el aire y el agua. Pero no siempre los experimentos cuajan.
En 2003 realizó para la Gallería Continua de San Gimignano la primera versión de Ascension, una instalación conceptual en la que desde una base se libera una fina espiral de humo que asciende impulsado por cuatro ventiladores que impulsan, concentra y dirigen el humo hacia el techo, donde es recogido por una especie de extractor.
Anish Kapoor. Ascension, 2003. Gallería Continua de San Gimignano, Italia.
"Ascensión" volvió a ser instalada en 2011 para la Bienal de Venecia. Esta vez el contexto no podía ser más simbólico. Kapoor escogió como ubicación el crucero de la iglesia de San Giorgio Magiore. La columna de humo debería elevarse mágicamente y como una presencia divina desde el suelo hasta la cúpula del edificio... Y digo debería porque el espectáculo resultó en parte fallido, al menos para los visitantes que inauguraban la exposición, que apenas vieron como farfullaba un poco de humo y que se desintegró después de varios metros. Si hubiera salido normalmente el efecto hubiera sido como el de la foto y el vídeo, una experiencia mística.
Anish Kapoor. Ascension, 2011. Iglesia de San Giorgio Magiore, Venecia, Italia.
Volviendo a Versalles, un poco más allá Dirty Corner, situado entre la Fuente de Apolo y el Gran Estanque, se levanta la instalación llamada Descension. Se trata una pila circular de agua en movimiento, un vórtice que forma un remolino que nos hace creer que nos llevaría hasta profundidades desconocidas.
Anish Kapoor. Descension, Instalación en los jardines de Versalles en 2015. El espectador contempla la obra en los jardines desde detrás de una barandilla y a una distancia de seguridad, lo que rompe parte del encanto.
Este trabajo se creó originalmente para la Bienal de Kochi-Muziris (India) de 2014. Se buscaba que el espectador experimentara la sensación de peligro, de inseguridad ante este misterioso pozo oscuro y atronador. En Versalles, por el contrario, Descension parece una gran piscina y el movimiento de sus aguas una de las muchas fuentes del jardín. Hay otra versión de la pieza actualmente en exhibición en la Galleria Continua de San Gimignano, donde podemos apreciar la instalación en su verdadero esplendor.
Anish Kapoor. Descension, 2015. Instalación de acero, agua, motor, 500 x 500 cm, En la galería Continua de San Giminiano (Italia). Descension es un inesperado gran agujero en el suelo de la galería, donde el agua negra se cuela continuamente por un sumidero. Es un vórtice de agua espumeante sin fin que atrae y que da miedo (aquí no han puesto valla). Que rompe la calma, pero que no puedes parar de mirarlo.
Para sentir la experiencia de abismo desconocido. Nada como ver el vídeo.
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Añadido a fecha de 10 de septiembre de 2015.
Como ya apunté cuando redacté el artículo al comenzar la exposición de Junio, la exposición de Kapoor en Versalles había comenzado con demasiada polémica y no necesariamente por su valor artístico. En los tres meses que lleva su escultura "estrella", Esquina Sucia (Dirty Corner), en los jardines del palacio ha recibido dos ataques vandálicos con pintura. El primero se limitó a ensuciar la obra con pintura amarilla (junio), pero el segundo, el más reciente (5 de septiembre), es un conjunto de pintadas racistas y antisemitas. Un acto de estupidez y de violencia contra la cultura.
