Rogier van der Weyden (Tournai 1399/1400- Bruselas 1464), llamado también Rogelet de la Pasture, es uno de los representantes más significativos e influyentes de la pintura flamenca del siglo XV. La razón de su trascendencia no sólo reside en el genio del maestro, sino también en la profunda sensibilidad religiosa de su estilo que terminará imponiéndose en la escuela flamenca por encima del de los precursores de los años 20, Jan Van Eyck y Robert Campin.
Pequeña biografía.
Nació en Tournai (Flandes), entre 1399/1400 en una familia de artesanos. En 1427 ingresó en el taller de Robert Campin y en él estuvo cerca de cinco años. Al obtener el título de maestro se trasladó a Bruselas (1435), donde fue nombrado pintor oficial de la ciudad y adquirió la traducción holandesa de su nombre, van der Weyden.
Entre 1437 y 1449 recibió prestigiosos encargos municipales, eclesiásticos y privados, algunos de ellos desde el extranjero. Pintó retratos y temas religiosos y también regentó un gran taller de pintura. Produjo obras para miembros de la nobleza y príncipes, entre ellos Felipe III, duque de Borgoña. Cuando Jan Van Eyck murió en 1541, van der Weyden, se convirtió en el principal pintor de retratos del duque.
Rogier Van der Weyden. San Lucas dibujando a la virgen, 1440. En esta obra se muestra todavía deudor de la obra de Van Eyck puesto que este cuadro recuerda el de la Virgen del canciller Rolin. Las figuras de la virgen y de San Lucas, sin embargo, se inspiran en los modelos humanos de Campin.
Se cree que viajó a Roma en 1450 en una peregrinación. Durante su estancia en Italia pintó para distinguidas familias, como los Medici de Florencia, pero no se dejó seducir por la pintura de este país. La fama de Van der Weyden creció y no tardó en tener seguidores en Francia, Alemania, Italia y España. Su influencia en la pintura flamenca fue notable en Petrus Christus y Diericht Bouts y se prolongó hasta mediados del siglo XVI. Murió en 1464 en Bruselas.
Rogier Van der Weyden. El hombre de la flecha o Antonio de Borgoña, 1461. Detalle. En este detalle podemos ver la maestría a la que llegó en el retrato en los últimos años de su vida, captando la individualidad del personaje en sus rasgos, pero también su psicología.
Características artísticas.
Sus obras tienen elementos comunes a la pintura flamenca como es el apego por el realismo basado en el detalle preciosista, sin embargo, se caracteriza especialmente porque:
- Centra su atención en las figuras, creando personajes muy elegantes y estilizados. Se puede decir que tiene una preocupación escultórica por el volumen. El resto de los elementos pictóricos que caracterizan la pintura gótica flamenca como puede ser plantearse retos en relación con la verosimilitud de las texturas de los objetos, el detalle meticuloso o microscópico, el paisajismo o el captar la perspectiva en el paisaje pasan a ser objetivos secundarios de sus cuadros.
Rogier van der Weyden. Tríptico de Santa Columba, h. 1455. Panel central. Se puede apreciar la soltura y elegancia de sus personajes y cómo los fondos se convierten en los escenarios para el desarrollo piadoso de la escena.
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- Sus personajes además manifiestan profundas emociones. Se cargan de una vida interior que crean escenas dramáticas sin grandes gesticulaciones de dolor.
- Tiene un gran dominio de la composición, como lo demuestra el cuadro del Descendimiento, que analizaremos a continuación en profundidad.
- Gusta de detalles naturalistas muy cuidados, aunque sin ser excesivos e integrándolos armónicamente en el tema principal.
- El color es intenso y muy expresivo, recargando el mensaje sentimental de sus personajes. Se puede decir que es único en la gama de los azules, hechos con lapislázuli, contrastados con los rojos.
El Descendimiento de la Cruz del Museo del Prado.
Con el Descendimiento de la Cruz del Museo del Prado, 1435, Rogier van der Weyden realizó su obra maestra y se impuso como la nueva autoridad indiscutible a imitar por los pintores de los Países Bajos.
Ficha técnica. El descendimiento de la Cruz, 1435. Museo del Prado. Óleo sobre tablas. Medidas 220 cm x 262 cm.
La obra era un tríptico cuyas ventanas laterales han desaparecido. Fue encargado por la gilda de los ballesteros de Lovaina para su capilla de Notre-Dame. Su inmenso prestigio, ya en su época, queda atestiguado por las numerosas copias que se hicieron de la obra (a más antigua data de 1443). En el siglo XVI la gobernadora de los Países Bajos, María de Hungría, adquirió la tabla para regalársela a su sobrino Felipe II. Se sabe que en 1574 ya estaba en el El Escorial.
Mira y escucha el siguiente vídeo hecho con imágenes en detalle del mismo y el sonido de la audioguía del Museo del Prado.
El realismo.
La pintura representa una extraordinaria mezcla de realismo y artificialidad. Las diez figuras, de tamaño casi natural, se sitúan como un retablo esculpido en una hornacina poco profunda. El suelo es realista, pero el fondo es dorado y sobre él se reflejan algunas sombras
El artista consigue crear una ilusión verosímil, especialmente efectiva en la parte superior de la pintura. La cabeza del sirviente está parcialmente escondida tras la cruz, pero extiende su brazo derecho para sostener los clavos que acaba de extraer del cuerpo de Cristo. Las tracerías de las esquinas y las sombras que proyectan sobre el madero hacen creíble el trampantojo.
Algunos tipos faciales, así como la volumetría escultórica de los cuerpos y el preciosismo de la representación de los paños, traen el recuerdo de Robert Campin, pero Van der Weyden lo supera sabiendo acentuar lo patético, para convertir el sentimiento de dolor en el tema principal de la representación.
El sentimiento dramático.
Las figuras están demasiado apretadas como para poder moverse o estirarse en este escenario angosto y eso es lo adecuado para que nada pueda distraernos de la contemplación de la tragedia. Se sirve de este espacio extremadamente comprimido para aumentar el dolor y la angustia experimentados por las figuras entrelazadas en sus retorcidas posturas. Las emociones están plasmadas con una claridad devastadora. María Magdalena retuerce sus manos, otra mujer se tapa los ojos porque no puede reprimir las lágrimas, mientras que la mayoría de los personajes, empalidecidos, simplemente miran al vacío desolados. La finalidad de cada gesto busca conmover y provocar la reflexión moral ante la muerte de Cristo.
La composición.
Contrariamente a la tradición, la composición se extiende a lo ancho, circunstancia que permite ya anunciar el tema de la Lamentación.
El cuerpo de Cristo sostenido por José de Arimatea y Nicodemo, se desliza hacia la derecha en una larga y sutil diagonal, mientras que el peso de los brazos y de la cabeza, que cae sin vida, dominan la parte central de la escena. Este movimiento es el mismo, aunque de otro modo, que el de la Virgen desvaneciéndose. La sostiene San Juan con la ayuda de una santa. Sus cuerpos dibujan otra diagonal paralela a la de Cristo. Los brazos y las manos de madre e hijo están a punto de tocarse repitiendo también postura.
Rogier Van der Weyden. Descendimiento. Geometría compositiva.
El conjunto de la composición está recorrido por un ritmo plástico que no tiene precedentes, cerrándose a modo de paréntesis con la inclinación de San Juan a la izquierda y la postura contraria de María Magdalena a la derecha.
Los detalles simbólicos.
A modo de reconocimiento a los ballesteros que le encargaron la obra, Van der Weyden pintó dos pequeñas ballestas en la tracería dorada de las esquinas de la pintura, aumentando así su carácter escultural. El cuerpo de Cristo también presenta la forma de una ballesta disparada.
La crucifixión tuvo lugar en el monte Calvario, "el lugar de la calavera", donde se decía según la tradición judaica que Adán fue enterrado. Esta el razón simbólica de introducir la calavera que vemos junto a la mano de la Virgen. Sirve para ubicar la escena y para resaltar el propósito del sacrificio de Cristo: redimir el pecado original cometido por Adán y Eva.
Para saber más.
Magnífico estudio sobre toda la obra del pintor en la Wikipedia (en catalán)
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