viernes, 2 de octubre de 2015

EL VALLE DE LOS REYES. HIPOGEOS, TEMPLOS. PINTURAS Y ARQUEÓLOGOS.

En este artículo te propongo que a través de varias imágenes y del encabezamiento de las misma indaguemos y analicemos entre todos la historia y las características artísticas de la orilla de poniente del Nilo en Tebas, la orilla de los muertos. En concreto, Vamos a trabajar en el Valle de los Reyes y de las Reinas y en los templos funerarios correspondientes.

Observa cada imagen y comenta  sólo una de ellas para puntuar.
  • Sigue el guión o la sugerencia de comentario que te propongo para analizar la imagen. 
  • Que el contenido de tu comentario no supere las 20 líneas de texto en documento de word (Times New Roman 12).
  • Sintetiza la información que encuentres y hazla personal. Cita la bibliografía de donde la has obtenido.
  • Si encuentras alguna fotografía de calidad o un vídeo que pueda ilustrar tu comentario apórtala a través de su dirección "https", como enlace en el mismo comentario. También se valorará. 
  • Puede participar todo el mundo y si mis alumnos lo hacen bien obtendrán 0,5 puntos a sumar a una nota de clase. Aquella imagen que ya esté resuelta (publicada) no se podrá repetir.
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EL CONTEXTO GEOHISTÓRICO.

1.- La orilla oeste del Nilo en Tebas. Habla de forma general sobre los templos funerarios existentes y del Valle de los Reyes y de las Reinas. ¿Cuándo se levantó y por qué? ¿Cuándo comenzó su decadencia y por qué?¿Qué templos y tumbas se han encontrado allí? Ayúdate del plano que te propongo.


Carlos responde esta primera imagen sobre el contexto histórico de la necrópolis
B2C - Carlos
1.- El Valle de los Reyes se levantó durante el reinado del faraón Tutmosis I, en la XVIII dinastía (1550-1295 a.C). La poca estabilidad de las nuevas pirámides y su incapacidad de proteger los tesoros frente a los saqueadores, hizo que durante esta dinastía empezaran a usarse de forma generalizada los hipogeos (grandes edificaciones subterráneas para enterrar a los faraones). Durante la época de El Imperio Nuevo fue cuando se construyeron importantes tumbas reales en forma de suntuosas mansiones subterráneas en este enclave.

Después de la creación de El Valle de los Reyes, tuvo lugar la creación de El Valle de las Reinas, donde se enterrarían las mujeres de los faraones y las princesas de El Imperio Nuevo. Sin lugar a duda, la más importante es la tumba de Nefertari, que fue construida en 1290 a.C por orden de su esposo, el faraón Ramsés II.



Su decadencia fue debido a que los reyes de la XXI dinastía (1070-945 a.C), trasladaron la capital a Tanis, abandonando Tebas y dejando el Alto Egipto en manos de los Sumos sacerdotes de Amón, y el primer problema que tuvieron que atajar fue el de los ladrones de tumbas. Debido al robo de las tumbas y destrozo de las momias, el principal objetivo de la necrópolis fue proteger el Valle de los Reyes, y así se hizo. 

En la actualidad, en el Valle de los Reyes se han llegado a encontrar alrededor de 60 tumbas, pertenecientes a dinastías entre la XVIII-XX. Actualmente, las tumbas que más “juego” están dando son la tumba de Ramsés II (KV5), la de Ajenatón (KV55), la de Tutmosis III (KV34), entre otras. En templos, destaca el T. Luxor, y el T. Karnak. Y, como bien he dicho antes, la que más destaca en El Valle de las Reinas es la de Nefertari (QV66).

Tutmosis I (imagen):

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2.- Describe la imagen que ves, que es una reconstrucción del Rameseum o templo funerario de Ramses II. Señala las partes del edificio y lo que queda en pie hoy en día. Comenta sus salas hípetras e hipóstilas.


Imagen número 2:

El templo funerario de Ramsés II tiene una estructura clásica ya que sigue las características de la arquitectura de los templos del Imperio Nuevo. Tiene dos pilonos (construcción con forma de pirámide truncada) de 68 metros de anchura. En el primer pilono se registra el octavo año del reinado de Ramsens II. En el primer patio se encontraban los dos colosos (estatua que excede mucho al tamaño natural) del faraón; sólo quedan trozos de la base y del torso que miden 17 metros. El palacio real está a la izquierda del patio y las estatuas del rey al fondo. En los muros del segundo patio están grabados los bajorrelieves del Poema de Pentaur que describen la batalla de Qadesh y un festival en honor a Min (dios de la fertilidad) y las dos estatuas del rey eran en granito rosado y negro. Las columnas campaniformes tienen capiteles papiriformes adornadas con escenas del rey ante varios dioses. El techo está pintado con estrellas de oro en un fondo azul y los hijos de Ramses aparecen en procesión en los muros de la izquierda. El santuario está compuesto por tres cuartos consecutivos con ocho columnas. Hay un templo más pequeño dedicado a su madre, que se encontró una estatua de la reina de 227cm. También hay un templo dedicado a Seti I (hijo de Ramsens I y Sitra), estaba rodeado de un muro de adobe.


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3.-  Todos los templos egipcios funerarios de Tebas son especiales, pero hay uno especialmente llamativo por ser un semispeo, el  templo de la faraona Hatshepsut en Deir el Bahari. Averigua los elementos más peculiares del mismo y describe la imagen que te propongo y alguna imagen más cercana con la representación de la faraona.



La imagen pertenece al templo de Hatshepsut que se encuentra en el complejo de Deir el Bahari, cerca del Valle de los Reyes, en Egipto.
Este templo fue construido en honor a Amon-Ra, el dios del Sol.
Este templo a diferencia de los demás no está rodeado de murallas, permitiendo al pueblo contemplarlo desde fuera, es el templo funerario principal del complejo,esta e
scavado (excavado) en la montaña y detrás de esta se encuentra el Valle de los Reyes, la construcción de este templo duró 15 años, el arquitecto que lo diseño fue Senemut (se cuenta que era el amante de la reina Hatshepsut). Está formado por varias terrazas, con edificios porticados y con un patio de columnas para la misma reina, el edificio está construido con bloques de piedra caliza blanca y destaca también el granito rojo que fue un material sacado de la montaña por ultimo destaca por su simetría de las proporciones y la adoración a los dioses que nos la muestran sobretodo en la pintura.
Foto de Hatshepsut

Tiene el rostro cuadrangular típico , se resaltan los pómulos, la expresión y tiene una intensa mirada.
Una característica recurrente en la iconografía adoptada por Hatshepsut es la “ocultación” de las señales de su feminidad. Pese a ello, se conservan estatuas como esta en la que se muestra a la reina en la forma canónica del faraón pero sin renunciar por ello a las formas femeninas. A través de esta imagen se pueden reconocer al menos tres elementos claves que nos revelan la intención de Hapshepsut de presentarse como legítimo faraón: el tocado nemes que porta, el trono sobre el que aparece sentada y sobre todo la presencia de un título real tallado en el trono.

Bibliografía:
https://es.wikipedia.org/wiki/Templo_funerario_de_Hatshepsut
http://elartedelnilo.blogspot.com.es/2012/08/estatua-de-hatshepsut.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Deir_el-Bahari
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4.- En la siguiente imagen tienes en planta la disposición de muchos de los hipogeos que se han descubierto en el Valle de los Reyes. Identifica a quien pertenecían las principales tumbas, numeradas en el plano con las siglas KV (King Valley) y háblame de la conocida como KV 5, una de las más grandes y especiales, que ha sido recientemente redescubierta.




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5.- Algunas de las tumbas del valle de los Reyes son espectaculares por su diseño como KV 8, el hipogeo del faraón Merenpath. Describe su diseño y en especial la sala del sarcófago, que es la imagen de abajo.





Lara, nos explica cómo era la tumba de Merenpath. He simplificado o añadido alguna imagen de las que tú aportas. ademas hay una que no corresponde a este hipogeo.
Imagen 5. Lara Amor

Merenptah fue el cuarto faraón de la dinastía XIX cuyo reinado trascurre de 1213-1203 a.C. Su cuerpo no fue encontrado en su hipogeo, sino en el de Amenhotep II. A su hipogeo se le llama KV 8 y se encuentra en la parte baja de del Valle de los Reyes. Fue descubierta por Howard Carter.




El diseño del hipogeo se puede observar en esta planta. Se aprecia una entrada (A), 3 pasillos (B, C y D), un pozo (E), la sala de pilares (F), otros dos pasillos (G, I) donde entre medias se encuentra una cámara (H), la macara donde se encuentra la tumba (J) y una cámara auxiliar (K). Hay otras salas de menor importancia. En todas ellas aparecen pasajes de libros, divinidades. En algunas pasillo B y en el pasillo C aparece el disco solar alado. Ésta bastante bien conservado a pesar de que sufrió inundaciones (http://www.egiptologia.com.es/images/exposophia/t_occ_medinet3.JPG) esta imagen es del Rameseum y no tiene mucho sentido aquí. Además es un hipogeo en eje recto, con pasillo de poca inclinación.


En la cámara J con escaleras interiores y ocho pilares, presenta escenas del Libro de las Puertas y del Libro de las Cavernas. El techo es una falsa bóveda tiene motivos astronómicos. Aquí se encuentra el sarcófago real hecho en granito.





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6.- Otras son famosas por los tesoros encontrados, como la de Tutankamon. Indica cuándo y quien la descubrió y qué objetos se encontraron en ella. ¿Qué puede ser lo que están viendo con tanta atención los arqueólogos que la descubrieron y estudiaron?


Naiara ha respondido con mucho acierto

Naiara Sanz

Cuándo y quien la descubrió:

Neb-jeperu-Ra Tut-anj-Amón, conocido como Tutankamón, fue un faraón perteneciente a la dinastía XVIII de Egipto, que reinó de c. 1336 a 1327 a. C. Su nombre original, Tut-anj-Atón, significa «imagen viva de Atón». Es posible que Tutankamón sea el rey Nibhurrereya de las cartas de Amarna.
Se dice que la Dinastía XVIII finaliza con el reinado de Horemheb, siendo el joven Tutankamón el último faraón de sangre real de la dinastía.
Los padres de Tutankamón eran hermanos y esto incrementa las consecuencias de la consanguinidad en Tutankamón más otras enfermedades que parece ser que padeció. 



Tutankamón no fue un faraón notable ni conocido en épocas antiguas; el tamaño relativamente pequeño de su tumba (KV62) fue la razón de que no fuera descubierta hasta el siglo XX. Howard Carter, quien la encontró intacta en 1922. El hallazgo de su tumba, casi intacta, supuso una aportación fundamental para la comprensión de la historia y cultura egipcia. Posibilitó sacar a la luz joyas, muebles, armas y variados utensilios, aportando una información fundamental que permitió ampliar el conocimiento de la civilización egipcia.
Una hipótesis lanzada por el especialista británico Nicholas Reeves, es que la tumba podría albergar cámaras desconocidas hasta ahora.
http://cultura.elpais.com/cultura/2015/10/02/actualidad/1443764451_950545.html


¿Qué puede ser lo que están viendo con tanta atención los arqueólogos que la descubrieron y estudiaron?

Cerca de la parte inferior del rincón izquierdo del muro posterior, una pequeña barrera de delgados tableros impide ver la cámara que hay más allá, sobre la cual corre el rumor de que está repleta hasta el techo de ofrendas funerarias.



Sus restos y objetos en la tumba

En su tumba se encontraron sus restos y sus posesiones que han ayudado a comprender la vida del Antiguo Egipto. Sin embargo, poca información ha aportado sobre su biografía pues no había inscripciones importantes ni documentos sobre él.


Los alimentos que contenía la tumba eran panes, pasteles de trigo y cebada, espalda de buey y costillas de cordero, treinta grandes jarras de vino, así como dátiles, higos, uvas y almendras.
Entre las armas había 46 arcos, desde uno infantil de 30 cm hasta otro de 1,8 m de largo, mazas, bumeranes y cuchillos.


También se encontraron seis carros desmontados, cuatro de ellos de ceremonia, de madera revestida con oro e incrustaciones de cristal, y los otros dos más ligeros debían ser para cazar.
Debió coleccionar bastones, pues aparecieron 130, todos diferentes de ébano, marfil, plata y oro.
Entre la ropa se hallaron más de cien taparrabos triangulares de lino que se ataban a la cintura y 27 pares de guantes.


Tutankamón y su esposa Anjesenamón debieron tener dos hijas que nacieron muertas, pues en la tumba del rey se encontraron dos pequeños féretros que contenían dos fetos femeninos, uno de cinco meses de gestación y el otro debió morir al nacer.


Trece capas de lino envolvían la momia del rey; hasta 143 joyas y amuletos se encontraron entre los pliegues de las telas cuyo fin era proteger la transformación del faraón de la muerte a la inmortalidad, entre ellos, la máscara que cubría su cabeza, un pectoral de oro con el dios Horus que le protegía colgado al cuello y, en la cadera derecha, un cuchillo de oro con la hoja de hierro. El estudio de su momia reveló que el rey medía 1,63 metros de altura.



Bibliografía:
https://es.wikipedia.org/wiki/Tutankam%C3%B3n
http://cultura.elpais.com/cultura/2015/10/02/actualidad/1443764451_950545.html
http://elpais.com/elpais/2015/09/28/ciencia/1443452149_626570.html
http://elpais.com/elpais/2013/03/26/eps/1364311944_814232.html


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7.- Hay hipogeos que destacan por sus hermosas pinturas, como los de la reina Nefertari. Comenta artísticamente la que te ofrezco en la siguiente imagen y alguna más que podamos encontrar en ella.





IMAGEN 7 - Hipogeo de Nefertari, sus pinturas.

Introducción.https://es.wikipedia.org/wiki/QV66
Este hipogeo o templo? se encuentra situado en la zona del Valle de las Reinas. Fue descubierta a principios del siglo XX totalmente vacía debido a la cantidad de saqueos que se creía que habían acontecido en la zona aunque con la estructura y elementos decorativos como son las pinturas muy bien conservadas.
Debido al material de las paredes, cloruro de sodio, estas se han ido descascarillándose y sufriendo el paso del tiempo. A pesar de todos los trabajos de restauración y los intentos inútiles por conservarla, a finales del siglo XX se decidió cerrar y limitar el paso de visitantes. 

Este es el plano del hipogeo, como se puede apreciar es bastante grande y tiene dos alturas (separación mediante escaleras) junto con un gran número de cámaras anteriores a la cámara funeraria.



Comentario de la pintura: 
- En la imagen propuesta en el blog podemos apreciar dos pilares principales que se encuentran decorados con pinturas egipcias, realizadas mediante la técnica del fresco, y que desempeñan la función de elementos de sostén.
- En estos pilares podemos apreciar cuatro personajes claves que nos dan a entender la finalidad religiosa, aparte del edificio en sí (hipogeo). Dichos personajes son los dioses (Osiris al final del todo y Hathor acompañando a Nefertari), que deducimos que acompañan a la reina en su camino al más allá. En toda la decoración podemos ver como las paredes se encuentran plagadas de jeroglíficos que nos contarán historias relacionadas con la reina. En el techo podemos apreciar una especie de bóveda en la que se representan estrellas doradas con mucho detalle.
- Como características artísticas vemos que las pinturas siguen el modelo egipcio con todas ellas. El movimiento y la ley de la frontalidad continúan vigente sin ninguna novedad (se representan tanto troncos como hombros y manos de frente, y pies, piernas y cabeza de perfil) creando así una ilusión de movimiento y eliminación del arcaísmo relacionado con la rigidez en las artes figurativas. El realismo y el cuidado en los detalles permanecen ya que todas las pinturas se encuentran bien cuidadas y acabadas.
Se comienza a superponer imagen con imagen para crear profundidad y perspectiva (lo vemos en la diosa y la reina en el pilar que tenemos más cercano). Por último, el color es un protagonista en esta pintura ya que tiene un significado simbólico aunque en esta tumba sea un elemento decorativo que complementa a la pintura.
-Características: http://algargosarte.blogspot.com.es/2014/09/caracteristicas-de-la-escultura-y-de-la.html. 



- Este es el interior de la tumba, que como podemos ver está algo deteriorado por el tiempo.
En esta imagen podemos ver una gran cantidad de dioses representados que siguen el patrón y características nombradas y relacionadas con la imagen propuesta en el blog y analizadas anteriormente.


Ridouan también ha comentado este apartado.

El hipogeo de Nefertari es el más grande conocido?, con 27 metros de longitud y con 80 metros cuadrados en la sala del sarcófago siendo el que mejor se conserva. Se encuentra en el Valle de las reinas.
Por otra parte la decoración esta basada en la muerte y en el mas allá, utilizaban carbón vegetal quemado mezclado con pigmentos naturales , pinturas policromadas , podemos ver en el hipogeo a la reina Nefertari siempre de perfil , en ella se puede ver que los hombros y ojos no concuerdan con una representación real en ellas se la ve practicando diversas actividades cotidianas como jugar a una especie de ajedrez o damas y siempre con una túnica en esas paredes mas adelante se ve como Osiris y Anais o Isis son los encargados de rebirla y ayudarla a viajar en el mundo subterraneo.


El decoro del hipogeo mediante relieves es bastante detallista y a su vez utiliza colores cálidos y rasgos de belleza en Nefertari en donde se ve a una mujer llena de vida. En el decoro el pintor dejo frases que describían a Nefertari y el mas allá. El objetivo de estas pinturas era albergar el cuerpo de la reina hasta el más allá en la que se llevaba todos los tesoros guardados con ella , aunque estos fueron saqueados con anterioridad.



http://aprendersociales.blogspot.com.es/2008/10/la-tumba-de-nefertari.html


https://www.youtube.com/watch?v=xHTY5IGApy4

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lunes, 28 de septiembre de 2015

FRANCIS BACON. CARACTERÍSTICAS ARTÍSTICAS DE UN PINTOR INCLASIFICABLE.


Francis Bacon  (Dublín, 1909- Madrid, 1992) es un claro ejemplo de pintor de la segunda mitad del siglo XX atípico, autodidacta y tardío, pero con un lenguaje inimitable, lo que quiere decir que cuando contemplamos uno de sus lienzos inmediatamente comprendemos que sólo puede ser suyo. Es un artista de su tiempo y, por tanto, influido por los hechos históricos y artísticos en los que le tocó vivir, pero a la vez  con un lenguaje artístico muy personal que refleja sus angustias y sus sueños. Nos guste o no su "idioma artístico", su estilo, Bacon nos conmueve, es decir, inquieta nuestro espíritu, no nos deja indiferente. Es alguien que merece un acercamiento en este blog.

Conozcamos en primer lugar su "hábitat". Francis Bacon en su caótico taller de la calle Reece Mews nº 7 en Londres (South Kensington), 1980. Fotografía de Jane Bown. Su estudio, un montón de materiales de deshecho, era la extensión de su obra y del propio Bacon. Allí vivó y produjo gran parte de su obra durante 30 años. Hoy se puede ver recreado en la Hugh Lane Gallery de Dublín donde fue trasladado pieza a pieza en 1998. Cuando el pintor tenía que ordenar su estudio por cualquier circunstancia (visitas, tv), en los días siguientes era incapaz de dar ni un solo brochazo coherente, porque le falta la inspiración. Reconoció en una ocasión: "De este caos surgen imágenes muy útiles para mí. Además, los lugares donde vivo son pasajes de mi autobiografía. Sus huellas forman parte de mi memoria y no las toco".


Además de los utensilios para pintar se hacía rodear de libros y de multitud de recortes de periódicos y fotografías, que almacenaba caóticamente y sin cuidado de que fueran manchadas por la pintura o desgarradas. Fotografía de Perry Ogden. Trabajaba sólo por la mañana, con la luz. "Por la tarde, voy a los bares o a las salas de juego. A veces, veo amigos. Para trabajar tengo que estar completamente solo. Nadie en la casa. Mi instinto no puede trabajar si los demás están ahí, y cuando uno los ama es peor. Sólo puedo trabajar con la libertad."



Pequeña biografía e influencias.

De padres ingleses, Bacon nace en Dublín en 1909. A los dieciséis años (1925) deja su familia para viajar por Berlín y París por un grave enfrentamiento con su padre debido a que éste no acepta su condición homosexual. En París, donde vivió hasta 1928, le surgió la vocación artística después de admirar la obra de Pablo Picasso, que, en la galería Paul Rosenberg, exponía sus nuevos cuadros y dibujos surrealistas con una marcada violencia emocional y distorsión expresionista de sus figuras. El surrealismo le atrapó también por medio de la famosa película de Sergei Eisenstein, El acorazado Potemkin (1925). De esta película, quedó permanente en la retina del artista la imagen de la enfermera gritando con el rostro salpicado de sangre, un grito de angustia casi irrepetible que se esforzó en conseguir en muchos de sus cuadros.

A la izquierda, fotograma con primer plano de la película muda "El acorazado Potemkin", 1925. A la derecha, el cuadro de Francis Bacon titulado "Estudio para la cabeza de un Papa gritando", 1952. Óleo sobre lienzo, 49,5 x 39,4 cm. Yale Center for British Art, New Haven, Connecticut, Estados Unidos. Según Bacon: "Hubo un tiempo en que tenía la esperanza [...] de hacer el mejor cuadro del grito humano." La obra de Eduard Munch está en el origen de todo.


En París también sintió predilección por la obra de Chaim Soutine y de Giorgio De Chirico.  En Soutine encontró un espíritu atormentado como el suyo, capaz de hacer una pintura salvaje por el tema y por la forma de abordarlo, como el buey abierto en canal que ya realizara Rembrandt. La aplicación de la pintura tiene un toque matérico para conseguir los colores de sangre y la carne maltratada. De De Chirico le atraen sus escenarios congelados, como de sueños, donde los personajes son sombras o estatuas inertes, extrañas al paisaje y solitarias.

A la izquierda, Buey desollado, 1926 de Chaim Soutine. Óleo sobre lienzo, 140 x107 cm, Musée de l’Orangerie. París. A la derecha, de Giorgio de Chirico, El profeta. Invierno 1914-15 en París. Óleo sobre lienzo, 89,6 x 70,1 cm, MOMA, Nueva York. 


A su vuelta de París en 1929, residirá en Londres donde trabajará como pasante de un procurador, luego como administrativo y, finalmente, como decorativista desde su estudio de Queenbury News, en donde expuso diseños de muebles modernos y tapices. Pero esta profesión no le llenaba. Bacon ya había decidido dedicarse a la pintura pese a no poseer ninguna preparación técnica. Participó en exposiciones colectivas de la Major Gallery, y en 1934 en la Transition Gallery, presenta su primera exposición individual. En 1937 sus cuadros están ya en la "Young British Painter" de Londres. Pero Bacon no está satisfecho con lo conseguido. En una crisis de descontento con su estilo decide destruir la mayor parte de su producción porque reconoce que no transmitía lo que deseaba,  ya que era una pintura puramente decorativa. Por eso de este periodo inicial que abarca de 1929 a 1944 no han quedado más que 7 cuadros.

Tres estudios para figuras al pie de una Crucifixión, 1944.

Cuando estalla la II Guerra Mundial, Bacon es declarado inútil, a raíz del asma que sufría desde niño. Nunca estuvo en las trincheras, pero vio la muerte y las ciudades destruidas por los bombardeos sobre Inglaterra. Sintió el fétido olor de la putrefacción de los cadáveres bajo los edificios derruidos. Parecía que un brutal sin sentido devoraría todo y que el optimismo por el futuro humano quedaría sepultado bajo las ruinas.

Tras un largo periodo sin pintar, en 1944, en plena guerra, se despierta su deseo de nuevo por  reemprender su actividad pictórica. Este año finaliza "Tres estudios para figuras al pie de una Crucifixión". Un tema que le venía rondando y que ya había ensayado desde que en 1933 conociera el cuadro de Picasso. Esta vez, bajo un prisma expresivo y violento, sí pasó la criba que se había autoimpuesto el pintor ¡Es el primer cuadro que Bacon acepta como suyo! Sobre un fondo uniforme teñido de naranja denso, un ser animalizado se retuerce como en un lamento. El cuerpo se transforma en algo grotesco, las líneas se simplifican y ante el absurdo vacío resuena un grito de desesperanza. Bacon pinta el dolor de un hombre que, angustiado, comprende que no puede evitar su horrible destino.

Tres estudios de figuras al pie de una Crucifixión. Óleo sobre tablero, 94 x 73.7 cm (cada tabla). c. 1944. Londres, Tate. 


El tríptico resume temáticas que Bacon había explorado en obras anteriores. Incluye además su análisis de los biomorfos de Pablo Picasso y su personal interpretación de la noción de crucifixión, así como también de las furias clásicas que aparecen en la Orestíada de Esquilo. .

Pablo Picasso, Crucifixión, 1930. Óleo sobre lienzo, 50 x 65.5 cm. Museo Picasso, París.


Aunque Bacon era un ateo declarado, se dio cuenta de que podía explotar en este tema sus connotaciones de sacrificio ritual situando la escena en un contexto secular. Bacon veía la Crucifixión como un símbolo de la brutalidad del comportamiento humano y la víctima era un trozo de carne muerta. Inicialmente Bacon pensaba pintar una crucifixión tradicional con tres figuras al pie de la cruz, pero luego dejó de lado esta idea y se contentó con representar solo las tres figuras, a las que de un modo ambiguo denominó "estudios", y centrarse en la sensación de ansiedad y temor.

La imagen más cercana a una Furia.


Tres estudios fue pintado en el transcurso de dos semanas y bajo un estado físico y de ánimo pésimo: "Yo estaba bajo tremendas resacas y bebidas, a veces casi no sabía lo que estaba haciendo. Creo que tal vez la bebida me ayudó a ser un poco más libre".

El Cristo con los ojos vendados de Matthias Grünewald de 1.503 fue una de las obras de la Historia del arte que influyeron en la figura central. 


Situado sobre un pedazo aislado de hierba, aparece una figura que estira el cuello y abre la boca como si gritara. Algunos críticos han sugerido que esta figura representa a su padre, un oficial del ejército retirado, expulsando a su hijo en 1925 cuando descubrió su homosexualidad. La peculiar postura y la distorsión de la figura añaden malevolencia. La boca es otra vez el grito de la enfermera del Acorazado Potenkim.


Tanto el público como la crítica quedaron conmocionados por la visión de la obra. el periodista Herbert Furst recordaba: "Yo, lo confieso, estaba tan sorprendido y perturbado por el surrealismo de Francis Bacon que me alegré de escapar de esta exposición. Tal vez fue el fondo rojo que me hizo pensar en las entrañas de una autopsia". A todos les recordaba el horror vivido durante la Segunda Guerra Mundial y, en ello, quizás radicó su éxito.  Bacon se enfrentaba cara a cara con el horror y con la angustia desgarradora, lo que contrastaba  con la mayoría de los artistas jóvenes que huían de los "desastres" de la guerra a través de la abstracción expresionista o el informalismo o aquellos que se acercaban al drama desde la visión "clásica" como Picasso.

A menudo, Bacon creó segundas versiones de sus grandes pinturas y ésta no podía ser una excepción. En 1988, realizó su segunda versión pero con más del doble del tamaño del original y reemplazando el fondo naranja por un color rojo sangre. La opinión crítica, con la que coincido, fue que el nuevo tríptico no tenía el impacto que ocasionó el antiguo, pero no tanto por lo que se argumenta, que tenía un acabado final demasiado pulido, sino, sobre todo, porque ya había pasado la sorpresa y el momento emocional que le llevó a realizar la primera versión.

Segunda versión del tríptico de 1944, 1988. Pintura al óleo y pintura acrílica en 3 lienzos, 198 × 147 cm (cada lienzo). Tate Gallery, Londres.


El éxito de Bacon a partir de 1945. Características artísticas.

Decía Bacon que a menudo "las cosas más extraordinarias pueden llegar muy rápido". Nada más cierto en su caso. Con "Tres estudios..." súbitamente las dudas sobre su pintura se desvanecieron y el camino apareció abierto. Este cuadro anunció su obra posterior, una obra original y homogénea, que convirtió a Bacon en uno de los artistas contemporáneos más sólidos y que le hizo triunfar a partir de finales de los 50. Sus rasgos característicos a partir de entonces son lo siguientes:

  • La temática siempre versará sobre el hombre, despojado y encerrado, ya sea en arquitecturas lineales que recrean espacios o en grandes fondos casi planos. Bacon expresa el drama del hombre liberándolo de toda anécdota accesoria, pintándole sin sutilezas que lo atenúen y sometiéndole a deformaciones hasta un nivel no conocido con anterioridad en la historia del arte. Ya sea en sus retratos, como en sus autorretratos, los cuerpos aparecen mutilados o atrofiados.
Francis Bacon. Retrato de Lucien Freud, 1965. Óleo sobre lienzo. Colección privada. Un fondo amarillo y un diván sirven para atrapar la figura de un hombre atormentado.


  • El lenguaje estilístico, inicialmente se inicia bajo la influencia del surrealismo, aunque observará distintas tendencias a lo largo de su vida. No formará grupo con nadie y el mismo se definía como "huérfano en el arte". Sin abandonar la exploración de aspectos irracionales, su expresionismo agresivo golpea en nuestra mente para hablarnos de aspectos escondidos de nosotros mismos. Rostros y cuerpos transformados por tensiones insuperables se agitan en una habitación vacía donde cuelga una bombilla, o, agazapados, indolentes, permanecen tumbados cual carne amorfa. La anatomía, voluble y elástica, toma actitudes confusas y de un torso desnudo brota la sangre. Miembros descuartizados, carnes corrompidas, bocas dislocadas y cuerpos convulsos; seres deformes y atormentados que reflejan su pesimista visión de lo que intuye como implacable futuro que espera al hombre. 
Francis Bacon. Autorretrato, 1969. Óleo sobre lienzo. Colección privada. Francis Bacon decía: “nunca he pretendido que mi obra resulte perturbadora”. Tal vez no, pero lo cierto es que las desgarradoras figuras de Bacon –incluidos sus autorretratos- no pueden dejar indiferente a nadie. Para ganar más expresividad en sus cuadros, se dio cuenta que prefería para trabajar la parte no preparada del lienzo, porque el entramado del hilo le daba una textura matérica a sus personajes. En el cuadro de abajo se puede ver perfectamente.



  • El formato. Aunque tiene obra en todo tipo de formato, tamaño y materiales, sus grandes obras las prefiere en óleo sobre lienzo y, si es posible, enfrentar a sus figuras en tríos o trípticos. Los grandes trípticos ya había aparecido desde 1944, pero desde los años 60 ganan protagonismo. El tríptico es el formato ideal para conseguir movimiento, pues obliga al espectador a rebotar la vista en cada imagen. Utiliza, además, el tríptico para romper con una composición coherente o unitaria y para que lo primero nos llegue sean imágenes desde distintos puntos de vista que golpeen nuestro subconsciente antes de que podamos racionalizar y entender lo que vemos.
Francis Bacon. Tres estudios de Lucian Freud, 1969. Óleo sobre lienzo, cada uno (sin enmarcar) 198 x 147,5 cm. Colección particular.


  • El color. Bacon, desde los años 60, se convierte en un maestro del color y experimenta con todas las tonalidades que puede conseguir un artista. No se queda con ningún color en exclusiva: rojos, naranjas, amarillos, verdes, azules, violetas... Los fondos uniformes de un colorido fuerte y unitario sirven para proyectar sus figuras.
Francis Bacon. Retrato de Georges Dyer hablando, 1966. Óleo sobre lienzo, 200 x 150 cm. Colección privada. Compárese con los fondos amarillos de los retratos de Lucien Freud.


  • Utiliza la fotografía como medio. Coge de los periódicos fotografías de catástrofes y para modelos de sus retratos le es suficiente con instantáneas de un fotomatón. Las secuencias fotográficas de Edward Muybridge también le influyen en su deseo de captar movimiento. Los clichés que utiliza se desparraman desordenadamente por el suelo del estudio, se manchan con pinturas, y él interpreta estos casuales restos patéticos y los plasma tal cual en sus cuadros. El parecido con objetos o personas no le preocupa. 
Podemos comprobarlo en las fotos de Lucian Freud, tomadas en el estudio para el tríptico que hemos visto anteriormente, que lucen con desgarrones, manchas de pintura y rotos, como si se tratase de sus propios lienzos. El caos y la suciedad que rigen en el estudio es gigantesco, lo que luego no se manifiesta en los escenarios asépticos de sus cuadros.




  • La técnica. Contaba lo siguiente Bacon en una entrevista a Marguerite Duras en 1971 a cerca de su técnica pictórica: “No dibujo. Empiezo haciendo todo tipo de manchas. Espero lo que llamo “el accidente”: la mancha desde la cual saldrá el cuadro. La mancha es el accidente. Pero si uno se para en el accidente, si uno cree que comprende el accidente, hará una vez más ilustración, pues la mancha se parece siempre a algo. No se puede comprender el accidente. Si se pudiera comprender, se comprendería también el modo en que se va a actuar. Ahora bien, este modo en el que se va a actuar, es lo imprevisto, no se lo puede comprender jamás: “la imaginación técnica”. Entiende usted, el tema es siempre el mismo. Es el cambio de la imaginación técnica lo que puede “dar la vuelta al tema”, el sistema nervioso personal. Imagine escenas extraordinarias, esto carece de todo interés, desde el punto de vista de la pintura, esto no es imaginación. La verdadera imaginación está construida por la imaginación técnica. El resto es la imaginación imaginaria, y esto no lleva a ninguna parte. 
Francis Bacon. Tríptico, 1976. Óleo sobre lienzo, 198 x 147.5 cm. Colección privada.






  • Continúa la entrevista sobre la técnica (...) Es siempre por medio de los técnicos, como se encuentran las verdaderas aperturas. La imaginación técnica es el instinto que trabaja fuera de las leyes, para volver al tema sobre el sistema nervioso con la fuerza de la naturaleza. Hay jóvenes pintores que excavan la tierra, tomar la tierra y luego exponen esta tierra en una galería de pintura. Es tonto, y prueba la falta de imaginación técnica. Es interesante que tengan ganas de cambiar de tema, hasta el punto de llegar a esto: arrancar un pedazo de tierra, y ponerla sobre un pedestal. Pero, lo importante sería que la “fuerza”, con la cual arrancan la tierra, “regresara”. Que el pedazo de tierra sea arrancado, sí, pero que sea arrancado a su sistema personal y hecho con su imaginación técnica.”
Francis Bacon. Tríptico 1974-77. Óleo sobre lienzo, cada uno (sin marco) 198 x 147,5 cm. Colección particular. 



  • Estructuras y composiciones. En los cuadros Bacon contrapone estructuras opuestas; a lo riguroso contrapone lo deforme. Sus visiones se sitúan en un espacio geométrico y abstracto mediante el que consigue una sensación de dinamismo. El movimiento fluye por entre los planos extrañamente superpuestos, y elipses cuboides, círculos o flechas acentúan un detalle preciso. Los fondos compactos dan coherencia a un conjunto que se convierte en algo unitario. Un color intenso y puro desgarra el lienzo. Sus figuras habitan en unas "jaulas" abstractas en las que palpita un cuerpo abandonado a su propio destino. Son habitaciones impersonales en las que el hombre, desolado, vive una soledad intolerable.
Francis Bacon. Estudio de cuerpo humano. Figura en movimiento, 1982. Óleo sobre lienzo. Marlborough Fine Art, Londres. El cuerpo masculino aparece reducido al sexo y a las extremidades inferiores.


  • Bacon admiró a pintores contemporáneos como Picasso, Cezanne, Van Gogh o Soutin, pero también a los grandes maestros como Velázquez, Goya, Rembrandt o Ingres y tenía muy presente la mitología griega. En su estudio se hacía rodear de láminas y fotografías de la historia del arte que más le impresionaban. Por esta actitud hacia la pintura del pasado y el mundo clásico, era un pintor contracorriente en la posguerra, donde la abstracción dominaba el panorama artístico. La forma más profunda en que podía plasmar su admiración hacia ellos era tomar alguna de las obras emblemáticas de estos pintores y reinterpretarlas. 
Francis Bacon. Edipo y la Esfinge, 1969. La figura se ve sorprendida por aparentes trozos de periódicos y por manchurrones de pintura blanca arrojados por el pintor aleatoriamente y de esa manera conseguir que la perfección de las líneas y el color quede rota.


  • Bacon  admiraba profundamente los retratos de Diego Velázquez. Le obsesionaba especialmente el Retrato del Papa Inocencio X al que regresará una y otra vez versionándolo (hasta 53 retratos) durante las décadas de los años 50 y 60. Le atraían tanto los aspectos técnicos del color lujoso y el virtuosismo en el tratamiento de la tela y la carne, como la maestría de Velázquez para capturar la personalidad del retratado. Bacon orientó la obra siempre a hacer salir del Papa otras sensaciones que veía palpitar en el cuadro como la agonía, la amenaza y el aislamiento. No se trata de una relación puramente formal sino de un proyecto de descomposición que actúa como si fuese una radiografía del cuadro original.
Izquierda, Diego de Velázquez. Retrato del Papa Inocencio X, 1650. Óleo sobre lienzo, 140 cm x 120 cm, Galería Doria Pamphili, Roma. Derecha, Francis Bacon. Estudio según el retrato del Papa Inocencio X por Velázquez, 1953. Óleo sobre lienzo, 153 cm x 118 cm, Art Center, Des Moines (EEUU). Bacon representa la angustia que acompaña a un grito. Las líneas verticales que descomponen la figura del Papa al mismo tiempo que la contienen corresponden a esa forma derivada de angustia. La boca abierta en forma de círculo y los dientes que la circundan contribuyen a ahondar en nosotros la sensación de que el cuerpo, en su quietud, está vibrando y se vaporiza frente al espectáculo desagradable de su propia descomposición y muerte.


Francis Bacon. Figura con carne, 1954. Óleo sobre lienzo, 129.9 cm × 121.9 cm. Institute Art of Chicago. La res desollada que coloca tras la figura del Papa es un referencia al cuadro de Rembrandt de 1657.

  •  De Rembrandt, otro gran retratista, toma el uso audaz de la luz y de las sombras (claroscuro) sobre fondos vacíos. Debe también al maestro holandés su serialización de autorretratos de sí mismo y de sus seres cercanos. 
Francis Bacon. Tres estudios para un autorretrato, 1981. Tres litografías impresas en colores en una hoja de papel, 47.1 por 103.5 cm.

  • En Bacon hay algo de la violencia y de la angustia que reflejan las figuras de Goya: de los “desastres”, de los cuadros de la Guerra de la Independencia, de las “pinturas negras” y de los retratos. 
Francisco de Goya. Detalles de tres cuadros. Arriba izquierda, detalle de El 2 de mayo en Madrid. Arriba derecha, detalle de Los fusilamientos de la Moncloa. Abajo, detalle de la Romería de San Isidro.