GIORGIONE. PINTOR DEL CINQUECENTO VENECIANO. COMENTARIO DE LA TEMPESTAD. La modernidad en la pintura.

Giorgione (1477-1510), Giorgio de Castelfranco, es un pintor casi legendario. Fallecido a los treinta y dos años, poco sabemos de su misteriosa vida y, sin embargo, mucho se ha escrito sobre su enigmática obra. Para mayor desconcierto sobre este joven pintor, la crítica moderna le ha ido despojando, certera o equivocadamente, de las mayoría de los cuadros que se le atribuían con liberalidad, dejando reducida su nómina de obras a apenas una treintena, de las cuales sólo tres lo son  con plena seguridad. Para más paradoja, la crítica coincide en considerar que su obra abre nuevos caminos a la pintura. Lo que no hay ninguna duda es que es el iniciador del Cinquecento veneciano y que su obra influyó en toda la esuela veneciana posterior, en especial en su discípulo Tiziano.

Pequeña biografía.

No nació en Venecia, sino en Castelfranco, provincia de Treviso. Tierra a la que se mantendrá fiel y a la que reflejará en sus paisajes y escenarios rurales. En su corta vid apodemos señalar dos etapas.

• - La quattrocentista o hasta 1500 en la que el pintor sabemos que se forma en el taller de Giovanni Bellini. todavía resulta un tanto dibujístico en su estilo y de temática religiosa. La obra paradigma que además cierra este periodo de aprendizaje es la Madonna entre santos de la iglesia de Castelfranco. En este cuadro la Virgen se dispone delante de un dosel a la manera de su maestro, aunque ya podemos observar una calidez en el paisaje que asoma en los laterales y una elegancia en la disposición de los personajes muy originales.

Madonna entre santos de la iglesia de Castelfranco. (1500-04?)

1. - Desde 1502 realizaría sus mejores obras hasta su muerte en 1510 por causa de la epidemia de peste. El año 1500 es clave porque al parecer, según Vasari, conoció a Leonardo da Vinci, que visitó Venecia,  y por su influencia transformó su técnica dibujística por el "sfumato". Sus cuadros a partir de la aplicación de esta técnica son de atmósferas envolventes, llenas de misterio y apacibilidad.

La Venus dormida de Dresde. (1507).

Su temática se centra en la mitológica y el paisaje que comparten igual protagonismo. Hay una extensa polémica sobre si se le debe atribuir El concierto campestre del museo del Louvre (1508-10) a este pintor o a un jovenTiziano en la que no voy a entrar. Cuadros de atribución segura de estos años son Los tres filósofos del Kunsthistorisches Museum de Viena, La Venus dormida de Dresde, algún retrato y autorretrato y, por su puesto, La tempestad su cuadro más polémico y que pasamos a comentar.

La tempestad (hacia 1507-08).

Galería de la Academia. Venecia. 82 x 73 cm. Óleo sobre lienzo.

La tempestad es la pieza clave para comprender uno de los cambios más importantes acaecidos en la pintura veneciana a lo largo de toda su historia. Hasta este momento, la figura y el paisaje eran -por ejemplo en la obra deBellini- unidades independientes. En la tempestad se muestra un paisaje que no es un simple escenario para situar unos personajes, sino que es coprotagonista en el cuadro. Los seres humanos son tratados con la misma importancia que los elementos de la naturaleza.

El controvertido tema.

El significado del tema ha sido ampliamente discutido. El título actual se debe a la descripción de Marcantonio Michiel en 1530 ("Notizie d´opera di disegno"), apenas veintitantos años después de haber sido pintado el cuadro. Ya entonces se había perdido memoria del propósito del maestro. Aparece un hombre de pie con una vara que observa a una mujer amamantando a su hijo. Ambos están separados por un riachuelo. Detrás de él puede apreciarse la presencia de un edificio y de ruinas; y detrás de ella hay un fondo de casas de una población que parece no ofrecer duda que es Castelfranco, la ciudad natal del pintor. Un rayo ilumina el cielo.

1. Una de las suposiciones hablan de que narra un episodio mitológico de la historia  del niño Paris siendo amamantado. 
2. Otros han sugerido una interpretación religiosa cristiana como un extraño descanso en la Huida a Egipto. También se ha apuntado la posibilidad de que se trate de la expulsión de Adán y Eva del Paraíso o el rescate de Moisés del Nilo.
3. Pero también, se ha sugerido que la escena responda a referencias literarias de las Pastorales, de notable inspiración en el arte del siglo XVI. En concreto, se apuntan a  La Arcadia de Sannazaro o a la críptica "Hypnerotomachia Poliphili" de Francesco Colonna, publicado en 1499 en Venecia y que gozó inmediatamente de gran difusión y celebridad.
4. Otras hipótesis la hacen representación alegórica de una sociedad secreta o de un cenáculo intelectual. También la plasmación de los principios de la composición elemental del mundo (tierra, fuego, agua y aire), base de las teorías físico-filosóficas de la escuela renacentista paduanoveneciana. Para otros puede ser una alegoría de la Paz.
5. Por último no puede omitirse la interpretación de que el cuadro represente la leyenda del origen fenicio de la familia Vendramin, ya que, al parecer, fue Gabriel Vendramin quien encargó la obra a Giorgione.

Como vemos, el misterio ha dado y seguirá dando mucho de sí.

Con todo, el principal valor del cuadro no radica en el tema sino en su fuerza sugestiva. Giorgione  ha conferido al ambiente una capacidad de comunicación insospechada en la pintura anterior. Toda la escena está impregnada de una atmósfera poética que atrae al espectador para hacerle participar con sus emociones en el cuadro. Hay aquí un nuevo concepto de la pintura que trasciende el propio clasicismo renacentista. La realidad  no está descrita como "se ve" sino como "se recuerda", lo que determina un esfuerzo de unidad y síntesis. Conscientemente, Giorgione crea un ambiente de ensoñación que introduce el protagonismo de lo subjetivo en la creación pictórica.

Por otro lado, técnicamente Giorgione pinta en una armonía cromática luz y color. Las sombras resultan coloridas y cada parte del cuadro importa por sí mismo. El cielo azul plata rasgado por la luz del rayo es excepcional y la mancha verde azulada del riachuelo trasmite la idea que el pintor concibió la obra no como un dibujo coloreado, sino como una obra donde el pigmento era la base de la obra. De hecho, es la riqueza de tonalidades lo que proporciona un carácter mágico al ambiente. Este rasgo es de una modernidad para la historia de la pintura absoluta y es lo que explicaría la influencia de su obra en la pintura contemporánea.