PICASSO. NATURALEZA MUERTA CON SILLA DE REJILLA, 1912. COMENTARIO DE UN CUADRO DEL CUBISMO ANALÍTICO.

FICHA TÉCNICA.

Autor: Pablo Picasso.

Título: Naturaleza muerta con silla de rejilla, 1912.

Estilo: entre el cubismo analítico y el cubismo sintético.

Técnica, soporte y dimensiones: collage de óleo, hule y pastel sobre tela, 27 x 35 cm.

Localización: París, Museo Picasso.

El cuadro que vamos a comentar es un bodegón realizado por Picasso, que anuncia el final del estilo que conocemos como cubismo analítico y los primeros pasos en la etapa sintética. Además es la primera exploración en serio del artista en el collage.

Descripción formal.

La primera impresión al mirar esta obra es de confusión.

• Podría ser un típico cuadro analítico donde los objetos aparecen descompuestos en multitud de facetas. Hay una parte que así está tratada reconociéndose algunos objetos diseñados en el ya consolidado lenguaje cubista de representarlos desde varios puntos de vista: una copa de cristal, una boquilla de pipa, un periódico, una rodaja de limón... Pero en la parte inferior izquierda  tenemos el trenzado de rejilla de una silla perfectamente detallada y definida.
• Los colores son austeros como todos los de la serie analítica, en tonos pardos para no distraer al espectador en la reconstrucción mental de los objetos.
• Aparecen signos tipográficos. Se puede leer las letra "JOU", inicio de "Journal". Este hecho resulta novedoso puesto que su existencia no funciona como símbolo o testimonio del objeto, como en otras ocasiones lo utiliza Picasso. El artista utiliza las letras como un efecto más para equivocar a los ojos del espectador. La "U" incluso parece sobrevolar la imagen al salir del periódico.
• El formato es ovalado, no muy usual en la obra de Picasso. La forma no es casual: crea un campo visual concentrado y al mismo tiempo asemeja a un espejo que refleja unos objetos depositados en una silla.

Juego visual con el cuadro.

Si nos acercamos un poco más descubrimos más elementos extraños.

• El marco es una cuerda de cáñamo elegida por el pintor en su creación. El pintor ha querido intervenir hasta en el espacio circundante del lienzo y romper hasta en esto con la tradición.
• El óleo ocupa la zona superior, pero la zona inferior, la de la rejilla,... es un hule. Braque y Picasso ya habían incorporado papeles, periódicos o cartones pegados en otras obras cubistas, pero por primera vez se introduce el material plástico estampado. Para integrar este material en el cuadro el pintor ha camuflado los bordes y ha manchado con trazos de pintura la superficie lisa del hule. El resultado es que hasta que no estamos encima no descubrimos la existencia del propio collage.

Trascendencia de la obra.

La combinación del plano grande y las facetas resulta chocante y muy expresiva, abriendo la puerta a nuevas posibilidades del cubismo que indagará Picasso en los siguientes años ya con el nombre de sintético.

El juego con óleo y materiales de la vida cotidiana convertidos en objetos artísticos, también será de gran repercusión en otros movimientos y artistas del siglo XX.

Futurismo, Dadaísmo, Surrealismo, Constructivismo, Abstracción Matérica, Arte Povera... aprovecharán este descubrimiento en sus futuras esculturas-pinturas, cuadros-objetos y ensamblajes.

Los manchas en diagonal sobre el plástico, junto con  los trazos oblicuos y las facetas de los objetos, crean un  efecto dinámico,  como si éstos se movieran. Tal descubrimiento ya había sido utilizado por Marcel Duchamp en Desnudo bajando por una escalera de diciembre de 1911.

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