EL EDIFICIO ÁGORA DE CALATRAVA CONVERTIDO EN SALA DE EXPOSICIONES DE CAIXAFORUM VALENCIA

El noveno CaixaForum de España se inaugura este verano de 2022. En espera de una visita personal, quisiera presentaros la nueva instalación que por fin proporciona una función estable al edificio más espectacular y polémico del conjunto planeado por el arquitecto Santiago Calatrava para la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia. 

El Ágora de Calatrava fue el último de los edificios diseñados por Santiago Calatrava en la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia. Su inauguración en 2009 fue muy polémica por muchos motivos:

• No se había previsto una función concreta para el mismo. Fue empleado como edificio multiusos para acoger un par de campeonatos de tenis y algunos otros eventos temporales hasta cerrar en 2015.

El primer evento que acogió el edificio ágora fue el torneo de tenis in door Open 500 de la ATP, entre octubre y noviembre de 2009. Se confirmó como un magnífico espacio para un evento coyuntural y escaparate propagandístico de la ciudad. Durante unos pocos años fue utilizado para acoger la Valencia Fashion Week, ser sala de discoteca con motivo de la carrera de la Fórmula 1, Feria del Campus Party de tecnología, mercadillo navideño...  Ninguna finalidad concreta. La precipitación en su apertura fue la causa de su cierre en 2015.

• - --- - -  . l El edificio fue inaugurado sin haber sido concluido. La cubierta, que se levanta hasta casi los 70 metros de altura, originariamente debía ser móvil y forrada con 163 lamas de acero. De ellas, 82 estarían fijas y las 81 restantes serían las que se moverían para cerrar imbricándose. En su inauguración todavía no había sido ejecutada esta parte fundamental de las obras y aceleradamente se cerró con paneles de vidrio. 

Faltaba la parte más elevada del edificio, las grandes lamas de hierro que conducirán el aire hacia el interior de la plaza y elevarían su altura más allá de los 80 metros.Con el paso del tiempo se desechó este proyecto y se optó por cerrar de forma fija su techumbre para evitar las goteras con gruesos cristales. Las lamas y otros de los elementos del revestimiento original quedaron abandonadas al óxido y al pillaje.

Proyecto original de cubierta del edificio ágora. El edificio Ágora se concibió como espacio diáfano y multifuncional, de planta elíptica apuntada. Con unas dimensiones de 100 x 65 m y una altura de 68 m, con las lamas centrales desplegadas alcanzaría una cota de 85 m.

Las 163 lamas estuvieron aparcadas en un solar cercano que gestiona la UTE. la constructora del Ágora. Las 1.388 toneladas de acero durante años estuvieron expuestas a la oxidación, rotura y saqueo de los chatarreros.

• -  Con estos cambios del proyecto original, la factura final del edificio ascendió a 100 millones de euros, un sobrecoste de 45 millones sobre el presupuesto inicial. 

• A ello hubo que añadir los desperfectos que inmediatamente se vieron sobre el trencadís azul que se desprendía de la fachada, que hicieron que desde 2017 se habilitaran andamiajes para su reparación. De hecho, se han retirado 150 metros cuadrados de trencadís de los más de 7.500 metros cuadrados de la fachada y se han añadido otros tantos que nunca se pusieron y que se pintaron simplemente de azul para a inauguración de 2009. También los paneles provisionales de vidrio del cierre de cubierta han tenido que ser sellados correctamente.

Aspecto que tuvo el edificio ágora desde 2017

Desde 2018 el ayuntamiento  de Valencia llegó a un acuerdo con Fundación la Caixa para terminar las obras de remodelación del interior y encargarse de la reapertura del edificio en el contexto de sus salas de exposición Caixaforum. La apertura se había previsto para 2020, pero la crisis de la Covid19, lo ha prrogado hasta su apertura oficial de ayer 22 de junio de 2022.

La Fundación la Caixa ha invertido 19 millones de euros, más un presupuesto anual de 5 millones para su funcionamiento, para crear una serie de espacios (6.500 metros cuadrados útiles) dedicados a salas de exposiciónes y centro cultural.

El arquitecto que ha diseñado las estructuras y "paisajes interiores" es Enric Ruiz- Geli, director del estudio Cloud 9 y profesor de la universidad Virginia Tech, que ha concebido la obra como una gran plaza pública desde donde el  público podrá acceder libremente a los seis distintos espacios en que se vertebra y que se interconectan. Es el sentido que se le quiso dar cuando se bautizó al edificio como ágora, el espacio público griego donde confluir todos los ciudadanos

Proyecto de Ruiz-Geli en sección y planta. El resultado final ha variado en algo. En cuanto a la planta y, tal y como artísiticamente la ha entendido el arquitecto, formaría un espacio en forma de ojo.

 

Imagen tomada del proyecto donde se ven las estructuras orgánicas y vivas de las dependencias destinadas a restaurante/cafetería. En piso sobreelevado, la nube cuyo aspecto final ha vaariado un poco. En frente un gran panel para audiovisuales.

El centro posee un graderío o auditorio para 300 personas que se enfrenta al edificio de la librería y oficinas. 

El Auditorium con la instalación del artista Frederic Amat. Este espacio huele a roble, con asientos forrados de tela vaquera y una cubierta de cartón reivindica la protección de los bosques.

Edificio de Administración, librería y sala Vip del centro en dos alturas. El ceramista Toni Cumella ha aplicado el trencadís a las bóvedas.

El restaurante y la cafetería, también a doble altura, están recubiertos por un jardín vertical. 

El centro del complejo es la Nube, que más bien parece una nave espacial por su aspecto externo y la forma de acceder a ella. Está destinado especialmente destinado a los niños y las familias. Quiere servir de espacio de encuentro y experimentación sobre el uso de la IA en la educación. Con experiencias interactivas y laboratorio donde ensayar proyectos de investigación. La entrada es especial y la experiencia dura 90 minutos.

Entrando por el graderío que eleva la segunda planta se emplazan las dos salas de exposición de entre 400 y 700 metros cuadrados. Para su inauguración hay os exposiciones: una sobre los faraones, con 137 piezas del Museo Británico, y otra sobre paisaje y naturaleza, con obras de 24 artistas.

Además de las salas de exposición, el centro cuenta con dos obras de arte de instalación permanentes de las artistas valencianas Inma Femenía y Anna Talens.

Femenía ha proyectado para el centro una escultura intangible que reproduce el fenómeno óptico del arcoíris, "Arc al cel". Representa la combinación de arte, naturaleza, ciencia y arquitectura que la artista ha interpretado como la esencia de CaixaForum València. 

Por su parte, Talens propone con "Palafit" una escultura que tiene como referente la arquitectura agraria propia de los ecosistemas acuáticos. Se trata de un palafito dorado de sección triangular, pensado para recordar y sacralizar el modo de vida de los agricultores de la Albufera y de las zonas acuáticas de Levante.

UN DINOS PARA UN SIMPOSIO. "Mar oscuro del vino" que recitó Homero y bebe con moderación.

Durante el siglo VI a. C.,  los dinos o grandes vasijas globulares eran el alma de las fiestas ceremoniales masculinas, los simposios. Su principal función era ser el depósito donde mezclar el vino y el agua que luego se bebía en la celebración. Su boca ancha permitía introducir otro recipiente dentro para enfriar el líquido y los cántaros pequeños (enócoe) que luego lo vertían en las copas en que se bebía (kílix).

Dinos con Tetis y Peleo by Museo Arqueológico Nacional on Sketchfab

El dinos necesitaba un pedestal adicional para alzarse del suelo y tal vez ese fue el motivo de que esta pieza fuera sustituida a partir del siglo V por la crátera. Una nueva forma de cerámica de grandes volúmenes con asas y basa.  

Dinos de Sophilos, 580 a.C. Altura: el cuenco 28,80 cm y la peana 46,30 cm. Ancho del cuenco 42 cm. Museo Británico.

Criado en un simposium sacando vino de una crátera mediante un enócoe para rellenar su kílix. Tondo de una copa ática de figuras rojas, ca. 490-480 a.C., Museo del Louvre.

El dinos que vamos a ver con detalle artístico se atribuye al más prolífico de los pintores de figuras negras de finales del siglo VI, el pintor de Antimenes. Este pintor se caracteriza por su estilo de pintura limpio y ordenado, así como en su narrativa legible y directa. 

Dinos ático de figuras negras con soporte atribuido al círculo del pintor de Antimenes. Terracota, Arcaico Tardío, ca. 520-510 a. C. Diámetro 33 cm. Museo Getty.

En este dinos se libra una batalla alrededor de la parte superior del borde, que evoca las hazañas heroicas de los guerreros míticos. La composición, a modo de un friso, intercala cuatro cuadrigas para dividir las escenas de lucha . 

Grupos de infantería (hoplitas), arqueros y un solo jinete se enfrentan entre los carros. Pequeños detalles en rojo sirven para clarificar cada figura.

Pero lo que más me ha llamado la atención son los detalles del borde por el interior. Cuatro grandes barcos surcan el mar a toda vela. 

En cada barco asoman las cabezas de las filas de remeros y un timonel. Las popas tienen cabezas de cisne talladas y un ariete en forma de cabeza de jabalí. 

Mientras bebían, los simposias a menudo recitaban poesía y celebraban las hazañas mitológicas de dioses y héroes, tal vez motivados por las imágenes pintadas en su cerámica. 

Escena de simposium. Un joven sostiene un kylix (copa poco profunda), le flanquean otros dos jóvenes que sostienen o beben de un skyphoi. Copa ática de figuras rojas, ca. 490-480 a.C. Museo del Louvre.

El artista crea un ingenioso diseño y metáfora visual. Es una clara referencia a las imágenes creadas por Homero del "mar oscuro del vino". Cuando el cuenco estuviera lleno de líquido, los barcos parecerían a aquellos que miraban dentro como si estuvieran navegando directamente en la superficie del vino mismo. Más allá de proporcionar un efecto visual atractivo, el motivo ofrece una lección para los simposiastas. Así como los barcos pueden naufragar en mares tormentosos, los bebedores pueden naufragar por beber demasiado vino. El consumo moderado y constante era la forma de garantizar una velada tranquila.

Este dinos fue descubierto en 1873 en una tumba de Capua donde había sido reutilizado como urna para cenizas. El soporte original se ha perdido.

EXAMEN DE EVAU DE HISTORIA DEL ARTE DE JUNIO DE 2022. COMUNIDAD DE MADRID.

Las condiciones del examen modelo Covid19 hace que el examen de arte, pese a sus grandes dificultades de temario, sea asequible. Hay que responder a:

• Dos preguntas de las que se califican sobre 2 puntos cada una (A.1, B.1, A.2, B.2.), es decir, entre las de los temas y las de los comentarios de imagen.
• Dos preguntas de las que se califican sobre 3 puntos cada una (A3, B3, A4 o B4), es decir, entre las de los términos y las de los artistas. Que a su vez tiene su propia elección interna, pues se ofrecen ocho términos para desarrollar 6 o 5 autores para caracterizar sólo 3.

 

 

Los temas han sido proporcionados, importantes y claros. Nada que objetar.

• LA ARQUITECTURA GRIEGA DEL PERIODO CLÁSICO, atendiendo a:

a) Características generales

b) Tipos de edificios y ejemplos más representativos

• VELÁZQUEZ, atendiendo a:

a) Características generales y evolución de su pintura

b) Obras más significativas

Las imágenes una más sencilla que la otra. 

 La obra de Rodin de los burgueses de Calais, no es la más representativa de la obra del escultor impresionista, pero sobre todo, si llegas al movimiento impresionista sueles centrarte en la pintura.

Sin embargo, la otra imagen es clara y ya ha caído infinidad de veces. Se trata de la vista exterior, pero desde el crucero y cabecera de la iglesia románica de San Martín de Frómista (Palencia). Paradigma de la arquitectura románica y de las iglesias de pequeño tamaño en el camino de Santiago.

Los términos o conceptos al poder elegir se convierte en la pregunta más fácil y es posible incluso elegir las dos.

• Opción A. Manierismo, Impresionismo, Arte Hispano musulmán, Escuela de Chicago, pintura al óleo, tríptico, columna salomónica, relieve.

• Opción B. Arte Asturiano, Romanticismo, Futurismo, Rococó, termas, ábside, escorzo, collage.

Los artistas, es siempre una pregunta que puede ser complicada si da la casualidad que hay algún artista que no se ha llegado a dar, pero al existir posibilidad de elegir sólo 3 tampoco resulta difícil.

• Opción A. Van der Weyden, Miguel Ángel, Delacroix, Juan de Herrera, Mondrian.

• Opción B. Ghiberti, José de Churriguera, Kandinsky, Le Corbusier, Praxiteles.

YU KAWASHIMA, 日本画家 川島優. LA PINCELADA DEL SILENCIO

Yu Kawashima, 川島優, es uno de los pintores japoneses más prometedores de la década que dejamos atrás. Su estilo me recuerda a otro pintor que ya he tratado en este blog, Ikenaga Yasunari. Son pintores que siguen el mismo objetivo, el de recuperar la esencia de la pintura japonesa tradicional, ‘Nihonga’, pero actualizándola con toques sutiles de la historia del arte occidental.

Mi acercamiento a su obra ha sido a través de la inauguración en Hong Kong de su más reciente exposición individual en la Whitestone Gallery. La muestra, que permanecerá abierta hasta el 23 de enero de 2021, es pequeña pero capaz de transmitirnos los principales rasgos de su obra. Para una visión más profunda es mejor recurrir a la exposición celebrada en junio de este mismo año en la Whitestone Ginza New Gallery de Tokio 

Datos biográficos.

Yu Kawashima nació en la prefectura de Shizuoka, Japón, en 1988. 

Según lo que el mismo cuenta, la vocación de pintor le vino cuando todavía estaba en la escuela primaria al contemplar una colección de pinturas que poseía su tío de Masakuni Hashimoto Gahō. Este maestro japonés de "Nihoga" de la era Meiji jugó un papel importante en la supervivencia y modernización de la pintura tradicional y representa el punto de partida de nuestro pintor: trabajar con los materiales tradicionales pero replanteándose los temas. 

En la escuela secundaria, siguió practicando el arte de la acuarela y el dibujo. Pero no será hasta su ingresó en la facultad de Bellas Artes de la Prefectura de Aichi, donde adquirirá la maestría en el arte secular. En la universidad dominó las técnicas de la pintura japonesa y sus materiales y adquirió una formación profunda del arte y la filosofía occidental. La conciliación entre el estilo tradicional japonés y el pensamiento occidental será el pilar básico de su forma de pintar. 

Después de licenciarse en el año 2012, empezó a exponer sus trabajos e inmediatamente consiguió un gran éxito en 2014 al recibir el primer premio del concurso "FACE" que organiza el Museo de Arte Sompo de Tokyo, con su obra Toxic (2013). Desde 2015 expone individualmente o en colectivas de forma recurrente en distintas galerías y ferias de arte de Asia.

Yu Kawashima. "Toxic", 2013. Tinta mineral y papel de plata sobre papel de lino y panel de madera. 194 x 111 cm.

Su tesis filosófico-pictórica.

Su tesis doctoral, aprobada en 2018, explica la intención de sus trabajos. Su título es bastante clarificador:  La expresión pictórica como manifestación dialéctica de los sentimientos internos: una transformación de la "ansiedad". Su obra pretende ser su personal via de escape de una sociedad en la que no se siente a gusto. 

Kawashima tiene la sensación de que el mundo moderno en que vivimos y los medios artificiales de los que nos rodeamos no satisfacen plenamente al ser humano y de ahí que sienta una desazón interna. El pintor añora otra realidad, que no es a la que se enfrenta en el día a día. Para él, las tecnologías y los medios de información visual como la televisión, las revistas y las redes sociales nos alejan de lo natural y de la verdad. Esta desnaturalización es lo que provoca en el hombre la sensación de no encajar en la realidad, lo que se traduce en un sentimiento de incongruencia y ansiedad.

Kawashima  pretende reconciliarse con su interior y para ello utiliza, además de su herencia oriental, la base teórica de filósofos pre-existencialistas occidentales del siglo XIX como Sören Kierkegaard  y Friedrich Nietzsche. Comparte con ellos la búsqueda de una existencia auténtica. coincide con ellos en que la ansiedad que sentimos en el mundo moderno nos hace tomar consciencia de que lo que vivimos no es lo natural, que existimos por encima de la superficialidad en la que vivimos. El hecho que experimentemos angustia nos permite reconocer nuestra verdadera existencia y nos permite buscar las maneras de trasmitirla. Él propone la pintura para encontrar su yo existencial profundo y enfrentarse a esa angustia vital.

Yu Kawashima. De la serie "Efecto adverso", 2015.

Características de estilo e influencias pictóricas aplicadas a su obra.

Es evidente que el Nihonga es la referencia inmediata y formal para expresarse. Utiliza materiales y técnicas de las artes tradicionales japonesas como el papel de lino sobre un panel de madera y pigmentos minerales para fabricar la tinta. La pintura es monócroma, pero abarca unos matices increíbles de tonos  negros, grises y blancos. Utiliza pinceles muy finos para aplicar linealmente los detalles de calidad de cada uno de los cabellos de sus figuras.

Kawashima además lava la superficie del papel con agua para crear en sus fondos una textura envejecida, como si se tratara de paredes de hormigón deterioradas. Con este recurso hace visible las huellas del tiempo y su proceso de autoexploración. 

Ocasionalmente, para proporcionar efectos de contraste, puede incorporar en sus pinturas finas hojas de cobre y plata, que sirven para descomponer la figura y deteriorarla, como si las pasáramos por la memoria.

Yu Kawashima. Destinatario, 2019. 

Otro recurso pictórico que utiliza a menudo es el utilizar un patrón geométrico que, bien como fondo o bien como proyección en perspectiva, sirve para enmarcar sus figuras. Este formato le sirve para enlazar pasado y presente, puesto que sobre el papel apreciamos la realidad y al mismo tiempo unas formas articiales que pueden ser interpretadas tanto como un homenaje a la tradición japonesa o la tecnología. Pueden ser sencillos mandalas simbólicos que representan estados espirituales y que recuerda la decoración japonesa tradicional de muchos objetos como porcelanas o textiles, como pueden ser piezas de diseño industrial.

Patrones para telas de kimono de la era Edo.

Hay en su obra también admiración por los maestros japoneses y occidentales del siglo XIX y XX que, de alguna manera, asoman en las obras de gran formato. 

• Sobre todo le atrae la obra de Kiyoteru Kuroda Seiki, el pintor que introdujo en Japón las nuevas tendencias pictóricas que se hacían paso en París a finales del siglo XX. De este maestro no le interesa tanto el color o el impresionismo, que es lo que se suele destacar de su obra de sus años en Francia, sino su interpretación revolucionaria para la época de la mujer y su interrelación con el simbolismo. El tríptico "Sabiduría, Impresión, Sentimiento" que realizó en 1897 es una de sus inspiraciones más claras. Dejando a un lado las diferencias entre las imágenes desnudas y vestidas de las mujeres, es un mismo mundo introspectivo donde la mujer sirve como canalización simbólica para manifestar estados de ánimo y sentimientos profundos.

Kuroda Seiki, Sabiduría, Impresión, Sentimiento, c. 1897, óleo sobre lienzo, Kuroda Memorial Hall, Tokio. Esta obra de Kuroda además fue un escándalo porque rompió el tabú del desnudo femenino en Japón. Sus tres desnudos, justificados por el título alegórico del cuadro, están representados con la plasticidad y el volumen tridimensional propios de la pintura académica francesa. Sin embargo, el fondo plano dorado recuerda a los biombos dorados populares durante el período Momoyama de Japón (1573-1615).

Tanto para Kawashima como para Kuroga, la mujer es el centro de su cuadros. Kawashima desnuda a sus modelos, es más todas aparecen bajo vestidos recatados, a veces excesivos. Sus mujeres son muy jóvenes, algunas casi niñas. Algunas con rostros y cuerpos andróginos. Son  estereotipaciones en las que se mezclan varias mujeres, aunque siempre es la misma.

Analicemos una de sus composiciones más interesante para ver como conjuga todos estos rasgos y qué puede haber detrás de algunas de su mejores creaciones.

Re-Actor.

Yu Kawashima también realiza trípticos con mujeres que ocultan misterios. A través del gesto, de los ojos y de las manos se esbozan expresiones sutiles que te obligan a reflexionar y a contemplar con un silencio religioso. El mejor conjunto es el de "Re-actor. Toxic,  Zeta,  Inside" del año 2017. Como en el tríptico de Kuroga, solo la mujer del panel central fija su mirada en el espectador, mientras que las otras dos mujeres se vuelven y se recogen sobre sí mismas con una mirada furtiva hacia abajo. 

Yu Kawashima, "Re-actor. Toxic,  Zeta,  Inside" , 2017.

El fondo no naturalista de la pared de hormigón y del patrón geométrico realza el simbolismo de las figuras. Los conceptos que encarnan estas figuras son sentimientos o pensamientos del propio artista. Al presentarse en formato de tríptico y sobreelevar el panel central, las figuras adquieren un sentido intemporal que se podría definir como sagrado. Pasan a ser imágenes de culto como los iconos religiosos de los altares cristianos. 

Las mujeres de los laterales sea aúpan sobre pedestales a modo de figuras escultóricas, como escoltando a la imagen central. Pero el hecho de que vistan ropas opuestas (blancas y negras) y se levanten sobre podiums también opuestos nos da la clave de qué pueden simbolizar. Estos paneles recrean a las dos fuerzas fundamentales, opuestas y complementarias, que se encuentran en todas las cosas. Según el pensamiento taoísta, el yin y el yang rige el universo y, por ello, cada ser, objeto o pensamiento posee un complemento del que depende para su existencia y que a su vez existe dentro de él mismo. De esto se deduce que nada existe en estado puro ni tampoco en absoluta quietud o inmutabilidad, sino que todo está en una continua transformación. Además, que cualquier idea puede ser vista como su contraria si se la mira desde otro punto de vista.  

Con respecto a la imagen central, la mujer recuerda una postura ritual de alguien embarcado en el camino esotérico de ser Buda (Bosatsu) y alcanzar el supremo conocimiento o iluminación. Las posturas de las manos y de sus dedos no dejan dudas sobre el significado misterioso de la joven que parece asistir a una profunda transformación interior y autorrealización. El círculo que la aureola puede ser también el símbolo de la iluminación y la divinidad.

Kokuzo Bosatsu (Akasagarbha). Periodo Kamakura, siglo XIII. Kokūzō simboliza la sabiduría de Buda "vasta e ilimitada" que impregna el universo. En Japón, los creyentes rezan a Kokūzō para que les conceda sabiduría en su búsqueda hacia la iluminación. También rezan a Kokūzō para que mejore su memoria, habilidades técnicas y talentos artísticos. 

• Hay en su teoría pictórica también referencias al pintor francés Gustave Moreau. De éste le interesa le mundo de «símbolos personales » a los que recurrió para que sus cuadros despertaran emociones e imágenes evocadoras. También le seduce los temas que abordó y que en cierta forma a Kawashima también le interesan como la angustia, el miedo, la muerte, el amor o el deseo. de ahí que huya de un tema narrativo y muchos de sus cuadros lleven por título conceptos abstractos. Pero es el pintor inglés Francis Bacon el pintor occidental que cala más profundamente en su forma de entender la pintura. Parecen alejados porque estéticamente se expresan de forma muy distinta, pero ambos comparten la búsqueda expresionista y simbólica de transmitir su propia ansiedad en el sociedad contemporánea que les ha tocado vivir.

• Como pintor del siglo XXI, no podemos soslayar la importancia que tiene la tecnología. Aunque a él le incomode, no deja de ser un pintor de su tiempo y utiliza las redes sociales y los medios como la fotografía para su proceso creativo

Por último, la polémica.

La obra con la que se dio a conocer en 2014, Toxic, resultó polémica porque utilizaba una fotografía como elemento de inspiración, lo que no me parece un desdoro, y algunos internautas le acusaron de plagio. En la composición inferior se demuestra cómo una foto de estudio de la actriz japonesa Fumi Nikaido fue la referencia indudable. 

Gracias a ello descubrimos que usa la fotografía como punto de partida para muchas de sus obras y que la actriz le inspira en algunas de sus composiciones, bien es verdad que transformando el rostro de su musa en un personaje distinto.

Para saber más sobre este pintor deberíais seguir su twitter o verle en persona en el siguiente vídeo.

También podéis ver en este mismo blog:

UKIYO-E, IMÁGENES DE UN MUNDO FLOTANTE. LA PINTURA POPULAR JAPONESA DURANTE EL SHOGUNATO TOKUGAWA.

IKENAGA YASUNARI. PINTOR JAPONÉS "NIHONGA". LA BELLEZA FEMENINA, UN "HAIKU".

EL EXAMEN DE HISTORIA DEL ARTE DE LA EBAU DE JULIO DE 2020. COMUNIDAD DE MADRID.

La posibilidad de que este año por motivo del Coronavirus queden abiertas las preguntas de las dos opciones, ha hecho que este examen de temario inabarcable pueda ser asequible para los alumnos. Voy a analizar el examen y ponerme en la piel del alumno medio y pensar qué elegiría para realizar.

Este es el examen de 9 de julio de 2020 de Historia del Arte de la Comunidad de Madrid.

Bajo la nueva fórmula de examen COVID se pueden elegir dos preguntas cualesquiera entre las cuatro que valen dos puntos. Es decir podíamos hacer los dos temas o las dos imágenes o un tema y una imagen. Analicemos el examen.

Los temas.

No creo que ninguno ofrezca ninguna dificultad. La verdad es que son extensos y se puede escribir bastante sobre cada uno. El problema estaría en que sólo valen dos puntos.

el tema en la opción A ha sido: "LA ARQUITECTURA EN LA ROMA ANTIGUA, atendiendo a los siguientes epígrafes: a) Características generales b) Principales tipos de edificios y su función, con ejemplos representativos de cada uno de los tipos." Para mi es uno de mis temas favoritos y es fácil de exponer y se pueden poner infinidad de ejemplos, por lo que sin duda lo hubiera elegido para hacer el comentario.

El tema de la opción B, LA ESCULTURA BARROCA, atendiendo a los siguientes epígrafes: a) Características generales b) Principales escultores y obras más representativas en España. No creo que sea un tema difícil, pero sí en comparación al anterior,  porque exige centrarse en la escultura española donde hay muchos autores y escuelas y, sin embargo desprecia la escultura italiana y la obra de Bernini, que es mencionada en los epígrafes de la asignatura a través de 4 obras. Si quisiera lucirme y sabiendo que puedo contestar cualquier pregunta tal vez elegiría ésta para impresionar al corrector. Teniendo en cuenta la media de los alumnos que se presentan a la prueba como alumno la descartaría y buscaría una imagen de la que pudiera decir muchas cosas.

Imágenes de obras de arte.

 Las dos imágenes que han caído son muy reconocibles. Sin embargo, creo que hay una mucho más fácil para desarrollar un comentario que la otra.

Sin duda elegiría la de la opción B: el exterior de la iglesia bizantina de Santa Sofía.  Es la síntesis de los elementos principales de construcción de la arquitectura bizantina. aunque hay unos confusos minaretes turcos que pueden equivocar al alumno. Una vez que acabemos de describir los elementos externos, podríamos pasar a analizar su aspecto interno y acordarnos de los mosaicos que la decoraban. Planta, Justiniano, siglo VI .... Da para escribir mucho.

La otra imagen, la de la opción B, el Guernika de Pablo Picasso, es muy reconocible pero probablemente el alumno no pasará por distintas razones más allá que reconcer la obra, el autor, el siglo y el tema que trata. Además es una obra del periodo de confinamiento, por lo que o no habrá dado tiempo para verla o si se ha analizado es porque también se ha visto en Historia de España, ya que interpreta el acontecimiento del bombardeo de Guernika en 1937 durante la Guerra Civil española. Por tanto, la descarto.

Preguntas de tres puntos.

El nuevo formato COVID permite que también se pueda elegir 2 de las cuatro opciones que hay de preguntas que valen tres puntos. Se trata de preguntas de conceptos y de autores. En estas preguntas a su vez hay la posibilidad de elegir y descartar algunos conceptos o autores. En los términos se han de hacer 6 de los 8 términos propuestos,  pudiendo obtener una calificación máxima de 0,50 puntos por término. Y de la pregunta de artistas, el alumno puede elegir 3 de los 5 artistas propuestos, explicando en cada uno de ellos la época, las características y sus principales obras, no superando las diez líneas por artista. La calificación máxima será de 1 punto por respuesta.

Veamos  qué dos preguntas hubiera elegido.

Creo que es mucho más fácil haber escogido las dos preguntas de los términos, puesto que son muy generales y en cinco líneas puedes describir qué son y poner algún ejemplo. Si por algún casual, hay algún término que no suena se pueden soslayar hasta dos. En los dos casos creo que no hay conceptos extraños.

A.3  Arte Paleocristiano, Renacimiento, Neoclasicismo, Impresionismo, bajorrelieve, dintel, pintura al temple, arco de medio punto.

B.3  Arte Helenístico, Arte Gótico, Arquitectura del Hierro, Dadaísmo, isocefalia, orden jónico, grabado, acueducto.

Si, por ejemplo, creyese que hubiera alguna de las preguntas de términos que no pudiera alcanzar los tres puntos o que me puedo lucir en una de la pregunta de autores. Elegiría claramente la A.4: Van Eyck, Miguel Ángel, Goya, Juan de Herrera, Mies van der Rohe.  Como hay que desarrollar solo 3, mis opciones serían Van Eyck, Miguel Ángel y Goya/Juan de Herrera,

La pregunta de autores B.4 : Mirón, Murillo, Cézanne, Gropius, Kandinsky. Me parece que reúne a autores menos significativos y de los que se puede decir mucho menos. Por lo cual la descartaría.